20 peintures surréalistes expliquées

Le surréalisme était un mouvement d'avant-garde qui a émergé en 1924 après la publication du Manifeste surréaliste par André Breton. Inspiré par la psychanalyse, il a cherché la représentation du subconscient dans l'art à travers l'imagination et l'automatisme. Des artistes tels que Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró et René Magritte ont salué ce mouvement.

Cependant, avant et après cette avant-garde, le surréaliste a été présent chez de nombreux artistes évoquant le monde du rêve, le fantasme, l'imaginaire, les associations d'occurrences et improvisation. Cet article rassemble une liste de 20 tableaux surréalistes, pour la plupart inscrits dans le mouvement. Sont également inclus certains qui ont établi un précédent ou ont été influencés par celui-ci.

1. La persistence de la mémoire, Salvador Dalí

Le tableau La persistence de la mémoire de Salvador Dalí est une référence fondamentale du surréalisme et, en particulier, de l'œuvre de ce peintre. En arrière-plan, nous voyons un paysage qui nous rappelle la ligne Léonardesque. La lumière est un élément caractéristique de Dalí. Au premier plan, des horloges molles annoncent la relativité du temps. L'espace est également relativisé au moyen de lumières opposées. Une figure informe gît à la surface de l'univers pictural. Certains voient dans ses traits le visage de Dalí.

2. Les éléphants, Salvador Dalí

Dalí surprend dans cette toile par la proéminence du vide encadré par deux grands éléphants aux pattes extrêmement fines et longues, comme des insectes. Avec cela, la force associée à ces animaux fait face à un paradoxe. Deux obélisques effondrés flottent sur leur dos.

C'est une référence à la sculpture du Bernin sur la Plaza de Minerva (Rome). Pour le baroque, l'obélisque était un symbole de sagesse, et l'éléphant était le symbole de la robustesse nécessaire pour le porter. Sur la toile dalinienne, ci-dessous, deux figures anthropomorphes semblent minuscules et insignifiantes à côté des merveilleux pachydermes.

3. Le grand masturbateur, Salvador Dalí

L'ensemble du tableau s'inscrit dans le programme du surréalisme, nourri des théories de la psychanalyse, notamment du subconscient et de la libido. Dalí expose quelques symboles récurrents du peintre: des fourmis, un homard, un paysage marin et un lion en font partie. La scène est une allégorie sexuelle complexe qui mêle symboles de désir et symboles de pureté (lys), lui permettant d'exposer un sujet tabou dans sa génération: la complaisance.

4. Construction molle avec des haricots bouillis (Prémonition de guerre civile), de Salvador Dalí

Construction souple avec haricots bouillis ou alors Prémonition de guerre civile c'est une toile particulièrement émouvante. Il nous présente le même corps déchiré en deux moitiés qui, pourtant, semblent s'attaquer l'une l'autre. Au sol, on peut voir une poignée de haricots bouillis (haricots ou haricots), peut-être un symbole de la famine qui régnait en Espagne, peut-être un symbole de l'"indigeste" du conflit. Cette représentation d'un corps démembré est l'allégorie de la guerre civile.

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5. La trahison de l'image (Ceci n'est pas une pipe) de René Magritte

René Magritte joue sur cette toile avec la théorie des signes. A travers l'utilisation d'images et de mots, il se rend compte de l'inadéquation du signe à son référent: la pipe peinte sur la toile n'est pas une vraie pipe, mais le mot « pipe » non plus. L'image et la parole ne sont que des représentations qui remplacent la vraie réalité. Il donne un coup théorique au concept de l'art occidental, basé sur l'imitation de la nature, et se place aux portes de l'art conceptuel.

6. La lampe philosophiquepar René Magritte

Deux éléments dominent la composition: un homme qui fume une pipe en même temps qu'elle se referme sur son nez; et une bougie allumée qui fond en serrant une table. La composition semble accuser « l'autoréférentialité de la pensée ». Selon la chercheuse María Ángeles Arenal García, dans son ouvrage intitulé Magritte, le chasseur de similitudes perdues:

Le fumeur, qui donne au spectateur un regard pathétique d'apitoiement, est bien Magritte, qui en dénonçant la circularité de sa pensée nous révèle indirectement la fertilité de votre imagination, qui a le pouvoir de transformer une bougie en une forme agile et morbide et l'acte de fumer une métaphore de l'enquête philosophique.

7. Le fils de l'hommepar René Magritte

Au Le fils de l'homme, Magritte a interposé une pomme entre le visage du personnage et le spectateur. L'identité de l'homme reste cachée. La pomme apparaît de manière récurrente dans l'œuvre de Magritte, parfois associée à « l'idée » et d'autres fois comme fruit de la connaissance et de la liberté, ainsi que le fruit biblique qui contient la connaissance du bien et tort. Le nom de l'oeuvre, Le fils de l'homme, est une référence biblique.

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8. Heure de l'Observatoire - Les Amoureuxpar Man Ray

Man Ray a touché au dadaïsme et au surréalisme. Dans cette œuvre, il travaille avec des éléments érotiques faisant allusion à la psychanalyse freudienne. La toile tire la moitié de son nom du service téléphonique qui fournit l'heure de l'Observatoire. En effet, dans la bande inférieure se trouve l'observatoire que Man Ray contemplait chaque jour lors de ses promenades dans le jardin du Luxembourg. Suspendu dans le ciel, nous voyons une paire de lèvres, une allégorie des corps amoureux unis. Ainsi est soulignée la plénitude de l'heure ou du temps de l'amour.

9. Équation shakespearienne, La Douzième Nuitpar Man Ray

Man Ray présente une toile inspirée de la comédie de Shakespeare La douzième nuit (Douzième nuit), aussi connu sous le nom la nuit du roi. Associez des objets sans relation apparente entre eux et créez des fils complexes, tels que les relations de personnages shakespeariens. Parmi ces objets se détachent un œuf d'autruche et un objet phallique, qui sont à la fois des références à d'autres œuvres de Ray. Le peintre souligne l'interférentialité avec ce geste, à la fois dans le rapport entre littérature et peinture, et dans la peinture elle-même.

10. Moi et le villagepar Marc Chagall

Marc Chagall ne peut être circonscrit à un mouvement précis. Son travail peut être considéré, dans une certaine mesure, comme un antécédent du surréalisme dans la mesure où il est doté d'éléments oniriques et imaginatifs. Dans cette toile, un visage vert contemple une vache, symbole maternel. La scène est complétée par des références à l'ordre quotidien de l'enfance, entrelacées dans une atmosphère onirique et colorée.

11. Célèbespar Max Ernst

Max Ernst était un artiste qui est également passé entre le dadaïsme et le surréalisme. Dans ce travail, il imite la technique de collage en représentant les différentes textures des matériaux, et en faisant des associations apparemment aléatoires. Le fond erre entre un ciel et un univers marin. La figure principale, d'aspect éléphant, a des connotations sexuelles, tout comme la tour de droite, symbole phallique. Une hypothèse interprétative suggère que la couronne cornue sur le tronc du monstre et le corps féminin font allusion au mythe du viol d'Europe.

12. paysage catalan (Le chasseur), par Joan Miró

Joan Miró est considéré comme l'un des artistes les plus importants du surréalisme grâce à la particularité de ses méthodes et de son style. Ce travail se distingue par le processus de synthèse graphique des éléments, parmi eux, un paysan ou un chasseur catalan qui a été résumé dans ses attributs: un triangle avec un œil, une moustache et une barbe, une pipe, une oreille et un barretine. Le reste des éléments révèle un paysage catalan aride et, dans la partie basse, renvoie à la tradition catalane dite de l'enterrement de la sardine.

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13. Maman, papa est blessé !par Ives Tanguy

Ives Tanguy faisait partie du cercle d'André Breton et était considéré comme un surréaliste abstrait. Dans cette toile, il présente une scène désolée avec des figures disproportionnées et disproportionnées, qui attirent encore plus notre attention au vu du titre: "Maman, papa est blessé !". Cette interaction entre les mots et l'œuvre picturale crée un état mental différent chez l'observateur, qui ne trouve pas sur la toile d'éléments auxquels s'accrocher, du moins pas dans une lecture rapide.

14. Les invisiblespar Yves Tanguy

Après la Seconde Guerre mondiale, Tanguy part vivre aux États-Unis. Influencé par les styles et les collections qu'il rencontre, il commence à mettre en œuvre des figures avec des parties biomorphiques et des parties mécaniques sur des espaces, comme dans cette toile. Les figures, telles des fantasmagories, sont érigées sur un espace vague et inerte. Selon les experts, ces chiffres évoquent le souci des surréalistes de l'époque pour les êtres de autre monde, un phénomène qui manque d'explication rationnelle.

15. Autobiographie d'un embryonpar Eileen Agar

Eileen Agar est une artiste britannique. Dans cette œuvre, l'artiste prend en compte les postulats du mouvement surréaliste. Divisez la toile en quatre parties et tendez-y des réminiscences de l'art grec. On verra aussi des allusions à l'art africain, la Renaissance, c'est-à-dire une évocation du patrimoine culturel, tel que défini par la Tate Modern de Londres, protectrice de cette pièce. On voit aussi des figures qui ressemblent à des cellules et à des éléments du monde biologique.

16. Ce que l'eau m'a apportépar Frida Kahlo

Frida Kahlo était une peintre mexicaine qui a été associée au surréalisme, bien qu'elle ne se perçoive pas de cette façon. Dans tous les cas, la toile Ce que l'eau m'a apporté c'est précisément celle qui lui a valu cette épithète, de la main d'André Breton lui-même, commissaire de sa première exposition à New York. Cette toile revient sur l'histoire personnelle de Frida Kahlo: ses racines culturelles et ancestrales, ses maladies, ses idées et sa sexualité.

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17. La colonne briséepar Frida Kahlo

La colonne brisée C'est une toile de Frida Kahlo qui représente la souffrance physique. Non seulement elle a été victime de polio et de fibromyalgie, mais l'artiste a subi dans sa jeunesse un accident qui a causé de graves blessures à la colonne vertébrale. Frida Kahlo représente cette souffrance dans cet autoportrait où le torse à moitié nu est ouvert pour montrer une ancienne colonne en ruines, tandis que son corps est chargé de petites douleurs qui représentent la ongles.

18. Cadavre exquis

Les surréalistes pratiquaient fréquemment une technique appelée "cadavre exquis", empruntée à la littérature. Un cadavre exquis se compose de ce qui suit: une personne fait un dessin spontané (automate) sur un segment du papier. Une fois cela fait, il plie le papier pour cacher le dessin et le passe à un autre participant, qui doit faire de même dans le segment suivant. À la fin, le papier est déplié, et une pièce est révélée avec de multiples figures qui, mises ensemble, révèlent les mécanismes du subconscient. Ce spécimen que nous présentons comporte des éléments caractéristiques du peintre et danseur Valentine Hugo, qui utilisait des fonds noirs. Mais c'est une pièce collective, à laquelle différentes personnalités comme André Breton ont participé.

19. Les yeux sur la tablepar Remedios Varo

Remedios Varo est un peintre hispano-mexicain fortement influencé par le surréalisme. Dans ce tableau, nous voyons le jeu imaginatif qui sépare les yeux de ses lunettes à cils. Les éléments sont sur une table qui flotte sur une surface avec une herbe de faible densité. Les yeux semblent regarder de l'extérieur les instruments qui devraient corriger leurs défauts. Pendant ce temps, le spectateur voit des lunettes irréelles, dont les cils attachés jouent avec le non-sens spatial.

20. Brodant le manteau terrestre, par Remedios Varo

Broder le manteau terrestre c'est le panneau central d'une œuvre de Remedios Varo qui fait partie d'un triptyque. Ceci est complété par les scènes connues sous le nom de Vers la tour Oui L'évasion. Apparemment, la scène fait allusion à l'époque où Remedios Varo tissait dans le couvent pendant que quelqu'un d'autre lisait. Le fil jaillit d'une source mystérieuse au centre de la composition. Le tissu échappe aux limites de la tour et imprègne le monde de sa capacité créative.