Edvard Munch: 20 sjajnih djela za razumijevanje oca ekspresionizma

Edvard Munch norveški je slikar smješten na prijelazu iz 19. u 20. stoljeće, a smatra se ocem ekspresionizma. Njegov rad, skandalozan za mnoge, izazvao je divljenje mladih umjetnika i nespecijalizirane javnosti. Oni su se identificirali s tjeskobom koju generira brza industrijalizacija i prevladavajući mehanizam.

Uzrok skandala za etablirane umjetnike bio je u Munchovoj tehničkoj slobodi. Za konzervativne se se temelje temeljila na činjenici da se slikar otvoreno obraćao temama kao što su seks, ljubav i, prije svega, bolest i smrt, svoje velike opsesije.

Njegov je stil bio jedinstven zahvaljujući činjenici da je stvorio autentičan i originalan jezik, posljedicu slobodnog dijaloga s postimpresionizmom, secesijom i avangardom. Zbog toga, iako je Munch otvorio vrata ekspresionizma, ne može biti označen ni u jednom pokretu. Uvidom u njegova najvažnija djela shvatit ćemo zašto je Munch jedinstveni i neponovljivi umjetnik.

1. Vrisak, 1893

Vrisak Munchevo je djelo razotkrilo najviše skandala i, unatoč tome, danas se to smatra Mona Lisa suvremene umjetnosti. Predstavlja androginu osobu čije lice izražava tjeskobu u svom maksimalnom izrazu nakon što je čulo ili izustilo vrisak. Subjekt, prema tome, svijet doživljava kao valovitu i žilavu ​​masu. Nitko osim Muncha to prije nije radio u umjetnosti.

Predstava je zamišljena nakon razdoblja u kojem je jedna od njegovih sestara bila zatvorena zbog pokušaja samoubojstva, što sugerira određenu povezanost s epizodom. Zanimljiva činjenica o Vrisak jest da je Munch napravio četiri verzije s malim razlikama među njima, što je vrlo česta praksa kod slikara. Najpoznatija verzija je ona iz 1893. godine, koja je ukradena 1994. godine, a nedugo zatim je oporavljena.

2. Anksioznost, 1894

Da Vrisak To je slika pojedinačnog očaja Anksioznost to je izraz kolektivne tjeskobe koju Munch hvata u norveškoj duši. Stoga Munch nije umjetnik ograničen na registar individualne nelagode, već je osjetljiv na opću nelagodu koji utječe na društvo na kraju 19. stoljeća, čija je transformacija mnogo brža od njegove procesne sposobnosti promjene.

Platno Anksioznost Temelji se na dvije prethodne Munchove slike. Krajolik koji vidimo Anksioznost je oporavljen s platna Vrisak. S druge strane, likovi su preuzeti Poslijepodne u ulici Karla Johana. Strategija uzimanja elemenata iz prethodnih okvira ponavlja se u Munchu. Slikar ne samo da "predstavlja" scene, već su elementi koji ih čine zamišljeni kao vlastiti simboli.

3. Bolesna djevojka, 1885-1886

Bolesna djevojka odgovara ranom stilu u Munchovom djelu, približavajući se impresionizmu. Na platnu je prikazana Munchova mlađa sestra Sophie na smrtnoj postelji od tuberkuloze. Tada je mlada žena imala oko 15 godina.

Po svom običaju, Munch je izvodio različite verzije ove pjesme, koja je za njega bila trajni izvor boli i krivnje. To je bilo zbog činjenice da je slikar, koji je u 13. godini bolovao od tuberkuloze, smatrao da je morao umrijeti umjesto svoje sestre.

4. Ljubav i bol (vampir), 1893

Munch je naslovio ovo djelo Ljubav i bol. U njemu je predstavljao ženu koja grli muškarca koji joj leži u krilu, kao da traži utjehu. Iako Munch nikada nije otkrio osobno značenje djela, izvorni naslov dovoljno govori. Međutim, kada je ovaj komad otkriven, izazvao je ogroman skandal.

Ljudi su u njoj vidjeli sado-mazo znakove i protumačili da je žena svog ljubavnika ugrizla za vrat kao vampira. Slijedom toga, slika je počela biti poznata kao Vampir. Takav je bio skandal da je, godinama kasnije, ovo bila jedna od mnogih Munchovih slika cenzuriranih tijekom nacističke okupacije Norveške.

5. Madona, 1894

Kutija poznata kao Madona izvorno je naslovljen Zaljubljena žena ili Žena koja voli. Preimenujte djelo Madona nesumnjivo je provokacija. Munch je izradio najmanje pet poznatih verzija ovog djela.

Umjetnica prikazuje ženu kao da je ikona kako bi prenijela osjećaj obožavanja koji probuđuje njezina ljepota i seksualnost. Crvena aureola koja okružuje njegovu glavu aludira na odnos između ljubavi i boli, čak i tijekom konzumacije spolnog čina.

Ova je hipoteza opravdana jer je Munch izradio ugraviranu verziju čiji je okvir sadržavao ukrasne motive sperme koji se konvergiraju na makabrnom fetusu. Zaključno, slika je simbol životnog ciklusa koji prolazi kroz seksualnost, razmnožavanje i smrt.

6. Pepeo, 1894

Pepeo Smatra se jednim od djela s najvećom estetskom ljepotom Muncha zbog navoja linija i bojenja. U kompoziciji vidimo čovjeka u crnom, boje tame i smrti. Čovjek se izgubi u kutu, kao da skriva lice od srama, s rukama na glavi. Podsjeća nas na potištenog čovjeka Ljubav i bol (Vampir).

Iza njega, žena u bijeloj haljini, boje čistoće i s crvenim prslukom, boje strasti, također podiže ruke. Njegovo lice izražava tugu i zabrinutost. Veo strasti je rastrgan.

Odnos slike i naslova ukazuje na paradoks: kad se strast potroši, ona se rasprši. Vatra strasti ostavlja samo pepeo. Ali uz to, geste likova izazivaju krivnju i očaj. To otkriva da se događaj suprotstavlja moralnom kodeksu. Je li to preljub? Je li to bilo silovanje? Sigurno je gledatelj taj koji ga dešifrira.

7. Pubertet, 1894-1895

Na Pubertet, Munch prikazuje potpuno golog mladog tinejdžera. Mlada žena ima uplašeno lice i skriva stidne dijelove. Više od simbola skromnosti i nevinosti, geste su simbol straha i represije pred licem seksualnosti, koju je Munch trpio u mladosti, s obzirom na očevu vjersku strogost i kontekst epoha.

Tajanstveno raspoloženje scene potvrđuje neodgonetljiva sjena u pozadini koja izgleda poput svojevrsne opsjednuće fantazmagorije. Važnost ovog Munchova ranog djela leži u činjenici da predstavlja točku promjene između "impresionističkog" udara i oslobađanja tehnike u službi umjetnikovog psihološkog svijeta.

8. Autoportret s cigaretom, 1895

Autoportret s cigaretom To je jedno od najpoznatijih Munchovih djela, kao i njegov najpoznatiji autoportret među mnogim koje je napravio. Na platnu autor pokazuje razumijevanje i apsolutno majstorstvo tehnike predstavljanja sjaja svjetlosti usred tame i dima.

Pritom Munch gradi gotovo tajanstvenu atmosferu koja privlači pažnju na njegovo lice i ruku. Lice djeluje zbunjeno i iznenađeno, dok se ruka, osim što drži cigaretu, uzdiže do razine srca. Ako je lice znak unutarnjeg identiteta subjekta, pod utjecajem emocionalne nestabilnosti, ruka je simbol umjetnika plastike.

9. Smrt u sobi, 1895

Tijekom djetinjstva Edvard Munch vidio je kako su mnogi članovi obitelji umirali od tuberkuloze: majka i otac su neki od slučajeva. Smrt u sobi predstavlja patnju njegove obitelji zbog gubitka mlađe sestre Sophie, koju ne vidimo. Genije je autora usmjeriti pozornost gledatelja na emocionalnu patnju, a ne smrt.

Čovjek koji podiže ruke u molitvenom stavu je njegov otac, ozbiljan protestantski religiozan. Vjeruje se da je čovjek naslonjen na zid Munch, okrećući leđa sceni (smrt, naklonost i vjera), dok gleda ravno u vlastitu sjenu. Naglašava činjenicu da svaki član obitelji pati odvojeno.

10. Dva ljudska bića (ona usamljena), 1896

Platno Dva ljudska bića nije ništa drugo do alegorija samoće. U njemu vidimo muškarca i ženu bez identiteta, okrenuti leđima gledatelju, kako promišljaju inertni horizont. Čini se da je između njih dvoje nepremostiva udaljenost.

Djelo je, kao i mnoga druga Munchova, obrađivano mnogo puta i u različitim tehnikama. I tema i način njezina predstavljanja potvrđuju tjeskobni, usamljeni i depresivni karakter umjetnika.

11. Poljubac, 1897

Poljubac, iz 1897. godine, jedna je od inačica slike poznate kao Poljubac iza prozoraod samog Muncha. Ističe se način na koji je slikar predstavio dvije figure. Izgledaju kao jedno tijelo, bez linija razdvajanja između sebe. Likovima nedostaje identitet, vlastite granice.

Spoj likova ne može se čitati romantično, jer mračna i teška atmosfera scene također sugerira blizinu smrti. Učinak koji je generirala ova serija bio je takav da je nadahnuo slavno djelo Poljubacnapisao Gustav Klimt.

To bi vas moglo zanimati: Analiza od PoljubacGustava Klimta.

12. Plodnost, 1898

Na platnu Plodnost iz Muncha vidimo trudnu ženu uspravnu kako nosi obilne plodove stabla. Ispred nje se muškarac koji sjedi, poguren i sagnut, suprotstavlja. Pokraj njega se vidi pali štap. Postoji kontinuitet između čovjeka i drveta jer prvi nasloni nogu na deblo stabla.

Stablo bi se moglo protumačiti kao drvo života. Međutim, odsječena je grana od koje je ostao samo panj. Da bi urodilo plodom, drvo je orezano, raskomadano.

Radikalnija tumačenja sugeriraju da Munch izražava svoje odbijanje rađanja djece. Njezini plodovi predstavljali bi kraj njegovih plodova. Tumačenje se temelji na činjenici da je slika naslikana kad se Munch suočio s mogućnošću vjenčanja s Tullom Larsen, obvezom koja nikada nije ispunjena.

13. Sastanak u svemiru, 1898

Na Sastanak u svemiru vidimo muškarca i ženu koji gravitiraju u svemiru. Djelo predstavlja erotski trenutak, razgraničen ne samo tijelima i gestama, već i linijama aluzivnim na kretanje sperme oko figura. Lica su udaljena jedno od drugog. Žena djeluje gotovo ravnodušno. Čini se da je čovjek isporučen. Djelo prikazuje tehničku svestranost autora, kao i simbole i izražajne resurse.

14. Ples života, 1899

Ples života to je metafora za faze života i ljubavi. To je prizor na otvorenom čija je pozadina duboko plavo nebo nad norveškim jezerom. Na nebu vidimo sjeverno sunce i njegov odraz u vodi, jedan od simbola koji se neprestano ponavlja na slikarskim slikama.

U prvom planu vidimo istu ženu u tri faze: lijevu djevojku u bijelom. S desne strane usamljena žena odjevena u crno. U središtu su žena i njezin muškarac plesali kao da svijet ne postoji. Crvena boja haljine simbolizira život i strast. Par bi mogli biti Tulla Larsen i Munch.

Oko njih plešu i drugi likovi. Iza žene u crnom vidi se groteskni muškarac spreman zlostavljati ženu. Važnost ovog djela leži u načinu na koji Munch uspijeva prenijeti složenost svoje unutarnje muke oko životnih stadija, koje on ograničava na ljubav.

15. Maratova smrt, 1907

Tijekom razdoblja svog života, Munch se posvetio stvaranju različitih verzija Maratova smrt. Među tim inačicama predstavljamo jednu napravljenu 1907. godine. Marat je bio francuski novinar i političar iz 18. stoljeća, na kojeg je ubila Charlotte Corday.

Čini se da Munch ima seriju muških referenci, učvršćujući time ideju da se slikar osjeća žrtvom žena. S estetskog gledišta, djelo se ističe upotrebom linija kao oblika bojanja. To je vrsta rejonizma koji prekida s modernističkim stilom zakrivljene crte i upotrebom gustih obojenih površina.

16. Kupači muškarci, 1907

Kupači muškarci de Munch se ističe živahnim i živahnim karakterom, koji se suprotstavlja valovitom i mračnom ozračju mnogih njegovih platna. Prizor prikazuje grupu muškaraca na goloj plaži, gdje je Munch provodio razdoblje oporavka.

Munch pokazuje svoj talent za anatomsko crtanje, kao i svoj talent za bojanje. Primijenjena tehnika njeguje se impresionističkim i rejonskim principima i, u nekim aspektima, čini se da dijalizira s fovizmom.

17. Sunce, 1909-1911

Sunce je monumentalni mural Edvarda Muncha pronađen na Sveučilištu u Oslu. U tome Munch istražuje nove plastične jezike koji ga približavaju apstraktnoj avangardi, posebno Kandinsky, predstavnik grupe Der Blaue Reiter i lirska apstrakcija.

Ovdje simbolika doseže svoj maksimalni izraz. Sunce postaje metafora božanskog, koje zrači svojim svjetlom na svijet i briše sjene neznanja. Ovim djelom Munch još jednom pokazuje svoju kreativnu slobodu, što objašnjava zašto ga se ne može označiti u jednom stilu ili pokretu. Munch se otkriva kao jedinstveni umjetnik u stalnim inovacijama.

Možda će vas također zanimati: Ekspresionizam: karakteristike, djela i autori.

18. Konj u galopu, 1912

U kadru Konj u galopu, vidimo konja kako vuče sanjke za snijeg s čovjekom na brodu. Upečatljiv detalj nalazi se na stazi koja se ističe kao pretjerano uska za podvig.

Prestrašeni izraz konja i raspoloženje ljudi na cesti daju nam da shvatimo neposrednu opasnost. Djeca s desne strane pokušavaju pobjeći, dok odrasli s lijeve strane čekaju neustrašivo prije kretanja. Riječ je o novom pristupu temi straha i tjeskobe, toliko prisutnom kod autora.

19. Radnici na snijegu, 1913

Edvard Munch također je bio osjetljiv na društvenu stvarnost koja ga je okruživala. Dokaz za to su različite slike koje je napravio o radnicima, poput ovog platna Radnici na snijegu.

U prvom planu Munch predstavlja trojicu radnika koji stoje ispred gledatelja, a njihove lopate su uporište. U njima možete osjetiti snagu, ali i umor i starenje.

Podignuta šaka radnika smještena u sredini, predosjeća zahtjev ili zahtjev. Čini se da su ova trojica muškarci u rukama. Iza ova tri lika, ostali radnici nastavljaju svoj posao, nesvjesni pogleda umjetnika i društva.

20. Autoportret između sata i kreveta, 1940-1943

Autoportret između sata i kreveta to je slika iz Munchove posljednje kreativne faze. Munch je iskoristio platno da simbolizira blizinu smrti, postavivši svoj lik između djedovog sata i kreveta. Sat predstavlja nezaustavljiv protok vremena, a krevet predstavlja smrt kao posljednji krevet, kao vječni počinak.

Jedan se detalj ističe kontrastom: dok je sat antičkog dizajna, pokrivač kreveta ima moderan geometrijski dizajn. Ovim Munch izražava svijest o dramatičnoj promjeni vremena koje je morao živjeti.

Iza Muncha može se razlikovati svojevrsna soba u kojoj se podrazumijeva prisutnost referencijalnih djela njegovog umjetničkog života, čemu je posvetio sve napore.

Vidi također: Analiza okvira Vrisak Edvarda Muncha.

Biografija

Edvard Munch norveški je slikar i grafičar koji je rođen 12. prosinca 1863., a umro 23. siječnja 1944. godine.

Od malih nogu morao se nositi s bolešću i smrću. Tuberkuloza je prvi put odnijela život njegove majke Laure Cathrine Munch, kada je dječak imao samo 5 godina. Kasnije je uzrokovao smrt svoje mlađe sestre Sophie; onog njegovog ujaka i, godinama kasnije, i njegovog oca, Christiana Muncha. Čak je i sam Edvard Munch bolovao od te bolesti u 13. godini.

Ti su događaji naveli slikara da razvije užasan teror bolesti i bolesti. smrt, i zato je cijeli život patio od tjeskobe i depresije, što je određivalo njegove upite umjetnički.

Munch je započeo studij tehnike 1879. godine, ali je ubrzo napustio ovu karijeru kako bi se posvetio slikarstvu. Na njega je utjecala francuska umjetnost 19. stoljeća zahvaljujući putovanjima u Pariz. Oko 1890. počeo je slikati projekt Friz života, serija slika koje prikazuju različite prekretnice u ljudskom životu, temeljenu na vlastitim iskustvima.

Iako je u početku njegov rad bio izvor skandala, na kraju je stekao važno mjesto u muzejima njegove zemlje i Europe. Međutim, nakon nacističke okupacije Norveške, oko 1940. godine, Munchove su slike napadači cenzurirali i uklonjene sa izložbi.

Međutim, 1942. godina obilježila je njegovo konačno međunarodno posvećenje time što je bio predmet izložbe u New Yorku kao priznanje za njegov plodan umjetnički rad. Dvije godine kasnije, Munch je umro u krajnjoj usamljenosti.