Edvard Munch: 20 Karya Cemerlang untuk Memahami Bapak Ekspresionisme

Edvard Munch adalah seorang pelukis Norwegia yang berada dalam transisi dari abad ke-19 ke abad ke-20, dan dianggap sebagai bapak Ekspresionisme. Karyanya, yang memalukan bagi banyak orang, membangkitkan kekaguman para seniman muda dan publik yang tidak terspesialisasi. Ini diidentifikasi dengan kecemasan yang dihasilkan oleh industrialisasi yang cepat dan mekanisme yang berlaku.

Untuk seniman mapan, penyebab skandal adalah kebebasan teknis Munch. Untuk sektor konservatif, itu didasarkan pada fakta bahwa pelukis secara terbuka membahas subjek seperti seks, cinta, dan, di atas segalanya, penyakit dan kematian, obsesi besarnya.

Gayanya unik berkat fakta bahwa itu menciptakan bahasa yang otentik dan asli, konsekuensi dari berdialog secara bebas dengan post-impresionisme, art nouveau, dan avant-garde. Itu sebabnya, meski Munch membuka pintu ekspresionisme, dia tidak bisa dicap dalam gerakan apa pun. Melihat karya-karyanya yang paling penting, kita akan mengerti mengapa Munch adalah seniman yang unik dan tidak dapat diulang.

1. Jeritan, 1893

Jeritan Ini adalah karya Munch yang melepaskan skandal paling banyak dan, bagaimanapun, hari ini dianggap sebagai Mona lisa dari seni kontemporer. Ini mewakili orang androgini yang wajahnya mengekspresikan kesedihan dalam ekspresi maksimalnya setelah mendengar atau mengucapkan teriakan. Subjek, akibatnya, memandang dunia sebagai massa yang bergelombang dan melengking. Tidak seorang pun kecuali Munch yang pernah melakukan ini sebelumnya dalam seni.

Drama itu disusun setelah periode di mana salah satu saudara perempuannya dipenjara karena percobaan bunuh diri, menunjukkan beberapa hubungan dengan episode tersebut. Fakta aneh tentang Jeritan adalah bahwa Munch membuat empat versi dengan sedikit perbedaan di antara mereka, praktik yang sangat umum di kalangan pelukis. Versi yang paling terkenal adalah tahun 1893, yang dicuri pada tahun 1994, dan dipulihkan segera setelahnya.

2. Kegelisahan, 1894

Iya Jeritan Ini adalah gambaran dari keputusasaan individu Kegelisahan itu adalah ekspresi penderitaan kolektif yang ditangkap Munch dalam jiwa orang Norwegia. Oleh karena itu, Munch bukanlah seorang seniman yang terbatas pada daftar ketidaknyamanan individu, tetapi sensitif terhadap ketidaknyamanan umum yang mempengaruhi masyarakat pada akhir abad ke-19, yang transformasinya jauh lebih cepat daripada kemampuannya untuk memproses perubahan.

Kanvas Kegelisahan Hal ini didasarkan pada dua lukisan Munch sebelumnya. Pemandangan yang kita lihat di Kegelisahan telah pulih dari kanvas Jeritan. Karakter, di sisi lain, telah diambil dari Sore di Jalan Karl Johan Johan. Strategi mengambil elemen dari frame sebelumnya berulang di Munch. Pelukis tidak hanya "mewakili" adegan, tetapi elemen-elemen yang membentuknya dipahami sebagai simbol mereka sendiri.

3. Gadis yang sakit, 1885-1886

Gadis yang sakit sesuai dengan gaya awal dalam karya Munch, mendekati impresionisme. Kanvas itu menggambarkan adik perempuan Munch, Sophie, di ranjang kematiannya karena TBC. Saat itu, wanita muda itu berusia sekitar 15 tahun.

Seperti kebiasaannya, Munch membawakan versi berbeda dari lagu ini, yang merupakan sumber rasa sakit dan rasa bersalah permanen baginya. Hal ini dikarenakan pelukis yang menderita TBC pada usia 13 tahun itu merasa bahwa dialah yang harus mati, bukan adiknya.

4. Cinta dan Rasa Sakit (Vampir), 1893

Munch memberi judul karya ini Cinta dan rasa sakit. Di dalamnya, dia mewakili seorang wanita yang memeluk seorang pria yang berbaring di pangkuannya, seolah mencari kenyamanan. Meskipun Munch tidak pernah mengungkapkan makna pribadi dari karya tersebut, judul aslinya berbicara banyak. Namun, ketika bagian ini terungkap, itu memicu skandal besar.

Orang-orang melihat tanda-tanda sadomasokistik dalam dirinya, dan menafsirkan bahwa wanita itu menggigit leher kekasihnya sebagai vampir. Akibatnya, lukisan itu mulai dikenal sebagai vampir. Skandal itulah yang, bertahun-tahun kemudian, adalah salah satu dari banyak lukisan Munch yang disensor selama pendudukan Nazi di Norwegia.

5. Madona, 1894

Kotak yang dikenal sebagai Madona awalnya berjudul Wanita kekasih atau Wanita yang mencintai. Ganti nama pekerjaan Madona itu tidak diragukan lagi provokasi. Munch menghasilkan setidaknya lima versi yang diketahui dari karya ini.

Seniman membuat representasi perempuan seolah-olah menjadi ikon, untuk menyampaikan rasa pemujaan sehingga kecantikan dan seksualitasnya terbangun. Lingkaran merah yang mengelilingi kepalanya menyinggung hubungan antara cinta dan rasa sakit, bahkan selama penyempurnaan tindakan seksual.

Hipotesis ini dibenarkan karena Munch membuat versi ukiran, yang bingkainya menyertakan motif dekoratif sperma yang menyatu pada janin yang mengerikan. Kesimpulannya, lukisan adalah simbol dari siklus kehidupan yang melewati seksualitas, prokreasi dan kematian.

6. abu, 1894

abu Ini dianggap sebagai salah satu karya dengan keindahan estetika terbesar Munch karena penjaluran garis dan pewarnaannya. Dalam komposisi, kita melihat seorang pria berbaju hitam, warna kegelapan dan kematian. Pria itu tersesat di sudut, seolah menyembunyikan wajahnya karena malu, dengan tangan di kepala. Itu mengingatkan kita pada pria yang sedih Cinta dan rasa sakit (Vampir).

Di belakangnya, seorang wanita dalam gaun putih, warna kemurnian, dan dengan korset merah, warna gairah, juga mengangkat tangannya. Wajahnya menyiratkan kesedihan dan kekhawatiran. Tabir nafsu telah terkoyak.

Hubungan antara gambar dan judul menunjukkan sebuah paradoks: ketika gairah dikonsumsi, itu menghilang. Api gairah hanya menyisakan abu. Namun selain itu, gerak tubuh para karakter membangkitkan rasa bersalah dan putus asa. Ini mengungkapkan bahwa peristiwa tersebut bertentangan dengan kode moral. Apakah itu perzinahan? Apakah itu pemerkosaan? Pasti pemirsa yang mengartikannya.

7. Masa pubertas, 1894-1895

Di Masa pubertas, Munch menggambarkan seorang remaja muda yang benar-benar telanjang. Wanita muda itu memiliki wajah ketakutan dan menyembunyikan bagian pribadinya. Lebih dari simbol kesopanan dan kepolosan, gerak tubuh adalah simbol ketakutan dan penindasan dalam menghadapi seksualitas, yang diderita Munch di masa mudanya, mengingat kekakuan agama ayahnya dan konteks context masa.

Suasana misterius dari adegan tersebut dikonfirmasi oleh bayangan yang tidak dapat diuraikan di latar belakang, yang terlihat seperti semacam phantasmagoria yang menghantui. Pentingnya karya awal Munch ini terletak pada kenyataan bahwa karya ini mewakili titik perubahan antara pukulan "impresionis" dan pembebasan teknik untuk melayani dunia psikologis seniman.

8. Potret diri dengan rokok, 1895

Potret diri dengan rokok Ini adalah salah satu karya Munch yang paling terkenal, serta menjadi potret dirinya yang paling terkenal di antara banyak karya yang dia buat. Di atas kanvas, penulis mendemonstrasikan pemahaman dan penguasaan mutlak atas teknik merepresentasikan pancaran cahaya di tengah kegelapan dan asap.

Dengan melakukan itu, Munch membangun suasana yang hampir misterius yang menarik perhatian ke wajah dan tangannya. Wajah tampak antara bingung dan heran, sementara tangan, selain memegang rokok, naik ke tingkat hati. Jika wajah adalah tanda identitas batin subjek, dipengaruhi oleh ketidakstabilan emosional, tangan adalah simbol seniman plastik.

9. Kematian di kamar, 1895

Selama masa kecilnya, Edvard Munch melihat banyak anggota keluarga meninggal karena TBC: ibu dan ayahnya adalah beberapa kasus. Kematian di kamar mewakili penderitaan keluarganya karena kehilangan adik perempuannya, Sophie, yang tidak kita lihat. Adalah kejeniusan penulis untuk memfokuskan perhatian pemirsa pada penderitaan emosional daripada kematian.

Orang yang mengangkat tangan dalam sikap berdoa adalah ayahnya, seorang penganut Protestan yang keras. Pria yang bersandar di dinding itu diyakini sebagai Munch, membelakangi tempat kejadian (kematian, kasih sayang, dan iman), sambil menatap lurus ke bayangannya sendiri. Ini menyoroti fakta bahwa setiap anggota keluarga menderita secara terpisah.

10. Dua manusia (Yang kesepian), 1896

Kanvas Dua manusia itu tidak lain adalah alegori kesepian. Di dalamnya kita melihat seorang pria dan seorang wanita tanpa identitas, dengan punggung menghadap penonton, merenungkan cakrawala lembam. Antara keduanya tampaknya ada jarak yang tidak dapat diatasi.

Karya tersebut, seperti banyak karya lainnya oleh Munch, diliput berkali-kali dan dalam teknik yang berbeda. Baik tema maupun cara merepresentasikannya menegaskan karakter cemas, kesepian, dan depresi dari sang seniman.

11. Ciuman, 1897

Ciuman, dari tahun 1897, adalah salah satu versi lukisan yang dikenal sebagai Ciuman di balik jendelaoleh Munch sendiri. Cara pelukis merepresentasikan dua sosok itu menonjol. Mereka terlihat seperti satu tubuh, tanpa garis pemisah di antara mereka. Karakter tidak memiliki identitas, batas mereka sendiri.

Perpaduan karakter tidak dapat dibaca secara romantis, karena suasana adegan yang gelap dan berat juga menunjukkan kedekatan dengan kematian. Dampak yang dihasilkan oleh seri ini sedemikian rupa sehingga mengilhami karya terkenal Ciumanoleh Gustav Klimt.

Ini mungkin menarik bagi Anda: Analisis dari Ciumanoleh Gustav Klimt.

12. Kesuburan, 1898

Di atas kanvas Kesuburan dari Munch kita melihat seorang wanita hamil, tegak, membawa buah-buah pohon yang melimpah. Di depannya, pria yang duduk, kecewa dan bungkuk, kontras. Tongkat yang jatuh terlihat di sebelahnya. Ada kesinambungan antara manusia dan pohon karena yang pertama meletakkan kakinya di batang pohon.

Pohon itu bisa diartikan sebagai pohon kehidupan. Namun, cabang telah dipotong, yang hanya tinggal tunggul. Untuk menghasilkan buah, pohon itu dipangkas, dipotong-potong.

Interpretasi yang lebih radikal menunjukkan bahwa Munch mengungkapkan penolakannya untuk memiliki anak. Buahnya akan mewakili akhir dari buahnya. Penafsiran itu didasarkan pada kenyataan bahwa lukisan itu dilukis ketika Munch dihadapkan pada kemungkinan menikah dengan Tulla Larsen, sebuah komitmen yang tidak pernah terwujud.

13. Pertemuan di luar angkasa, 1898

Di Pertemuan di luar angkasa kita melihat seorang pria dan seorang wanita gravitasi di luar angkasa. Karya tersebut mewakili momen erotis, yang dibatasi tidak hanya oleh tubuh dan gerak tubuh, tetapi juga oleh garis-garis yang merujuk pada gerakan sperma di sekitar sosok. Wajah-wajah itu saling berjauhan. Wanita itu tampaknya hampir acuh tak acuh. Laki-laki itu tampaknya tersampaikan. Karya ini menunjukkan keserbagunaan teknis penulis, serta simbol dan sumber ekspresif.

14. Tarian kehidupan, 1899

Tarian kehidupan itu adalah metafora untuk tahapan kehidupan dan cinta. Ini adalah pemandangan luar ruangan, dengan latar belakang langit biru tua di atas danau Norwegia. Di langit, kita melihat matahari utara dan pantulannya di air, salah satu simbol yang secara konsisten diulang dalam lukisan pelukis.

Di latar depan, kita melihat wanita yang sama dalam tiga tahap: seorang gadis muda berbaju putih di sebelah kiri. Di sebelah kanan, seorang wanita kesepian berpakaian hitam. Di tengah, wanita dan pria menari seolah-olah dunia tidak ada. Merah gaun melambangkan kehidupan dan gairah. Pasangan itu bisa jadi Tulla Larsen dan Munch.

Di sekitar mereka, karakter lain menari. Di belakang wanita berpakaian hitam, seorang pria aneh terlihat siap untuk melecehkan seorang wanita. Pentingnya karya ini terletak pada cara Munch berhasil menyampaikan kompleksitas penderitaan batinnya di sekitar tahapan kehidupan, yang ia batasi dengan cinta.

15. Kematian Marato, 1907

Selama periode hidupnya, Munch mendedikasikan dirinya untuk membuat berbagai versi Kematian Marato. Di antara versi-versi ini, kami menyajikan satu yang dibuat pada tahun 1907. Marat adalah seorang jurnalis dan politisi Prancis abad ke-18, yang dibunuh oleh Charlotte Corday.

Serial ini tampaknya menjadikan Munch sebagai referensi laki-laki, sehingga mengkonsolidasikan gagasan bahwa pelukis merasa dirinya sebagai korban perempuan. Dari segi estetika, karya ini menonjol karena penggunaan garis sebagai bentuk pewarnaan. Ini adalah jenis rayonisme yang pecah dengan gaya modernis dari garis lengkung dan dengan penggunaan permukaan berwarna padat.

16. Pria mandi, 1907

Pria mandi de Munch menonjol karena karakternya yang hidup dan bersemangat, yang bertentangan dengan atmosfer bergelombang dan gelap dari banyak kanvasnya. Adegan menggambarkan sekelompok pria di pantai telanjang, di mana Munch menghabiskan masa pemulihan.

Munch memamerkan keahliannya dalam menggambar anatomi, serta keahliannya dalam mewarnai. Teknik yang diterapkan dipupuk oleh prinsip impresionis dan rayonis dan, dalam beberapa aspek, tampaknya berdialog dengan Fauvisme.

17. Matahari, 1909-1911

Matahari adalah mural monumental karya Edvard Munch yang ditemukan di Universitas Oslo. Dalam hal ini, Munch mengeksplorasi bahasa plastik baru yang membawanya lebih dekat ke avant-garde abstrak, terutama Kandinsky, perwakilan grup Der Blaue Reiter, dan abstraksi liris.

Simbolisme di sini mencapai ekspresi maksimalnya. Matahari menjadi metafora untuk yang ilahi, yang memancarkan cahayanya ke dunia dan membersihkan bayang-bayang ketidaktahuan. Dengan karya ini, Munch sekali lagi menunjukkan kebebasan berkreasinya, yang menjelaskan mengapa ia tidak bisa dilabeli dalam satu gaya atau gerakan. Munch mengungkapkan dirinya sebagai seniman yang unik dalam inovasi yang konstan.

Anda mungkin juga tertarik dengan: Ekspresionisme: karakteristik, karya, dan pengarang.

18. kuda berderap, 1912

Di dalam bingkai kuda berderap, kita melihat seekor kuda menarik kereta luncur salju dengan seorang pria di dalamnya. Detail yang menarik ada di jalan setapak, yang menonjol karena terlalu sempit untuk prestasi itu.

Ekspresi ketakutan kuda dan watak orang-orang di sisi jalan memberi kita pemahaman tentang bahaya yang akan segera terjadi. Anak-anak di sebelah kanan mencoba melarikan diri, sementara orang dewasa di sebelah kiri menunggu tanpa gentar sebelum bergerak. Ini adalah pendekatan baru untuk subjek ketakutan dan kecemasan, begitu hadir dalam diri penulis.

19. Pekerja di salju, 1913

Edvard Munch juga peka terhadap realitas sosial yang mengelilinginya. Buktinya adalah lukisan-lukisan yang berbeda yang dibuatnya tentang para pekerja, seperti kanvas ini yang disebut Pekerja di salju.

Di latar depan, Munch mewakili tiga pekerja yang berdiri di depan penonton, dengan sekop mereka sebagai tumpuan. Di dalamnya Anda bisa merasakan kekuatan, tetapi juga kelelahan dan penuaan.

Tinju terangkat dari pekerja yang diatur di tengah, membuat firasat klaim atau permintaan. Ketiga pria ini tampaknya sedang bersiap-siap. Di balik ketiga karakter tersebut, para pekerja lain melanjutkan pekerjaannya, tanpa menghiraukan tatapan seniman dan masyarakat.

20. Potret diri antara jam dan tempat tidur, 1940-1943

Potret diri antara jam dan tempat tidur itu adalah lukisan dari tahap kreatif terakhir Munch. Munch memanfaatkan kanvas untuk melambangkan kedekatan kematian, menempatkan sosoknya di antara jam kakek dan tempat tidur. Jam melambangkan perjalanan waktu yang tak terhentikan, dan ranjang melambangkan kematian sebagai ranjang terakhir, sebagai istirahat abadi.

Satu detail menonjol secara kontras: sementara jam memiliki desain antik, bed cover memiliki desain geometris modern. Dengan ini, Munch mengungkapkan kesadaran tentang perubahan dramatis waktu yang harus dia jalani.

Di belakang Munch, semacam ruangan dapat dibedakan di mana kehadiran karya referensial dari kehidupan artistiknya tersirat, di mana ia telah mencurahkan semua usahanya.

Lihat juga: Analisis bingkai Jeritan oleh Edvard Munch.

Biografi

Edvard Munch adalah seorang pelukis dan pembuat grafis Norwegia yang lahir pada 12 Desember 1863, dan meninggal pada 23 Januari 1944.

Sejak kecil ia harus menghadapi penyakit dan kematian. Tuberkulosis pertama kali merenggut nyawa ibunya, Laura Cathrine Munch, ketika bocah itu baru berusia 5 tahun. Kemudian, dia menyebabkan kematian adik perempuannya, Sophie; pamannya dan, bertahun-tahun kemudian, ayahnya, Christian Munch. Bahkan Edvard Munch sendiri menderita penyakit tersebut pada usia 13 tahun.

Peristiwa ini membuat pelukis mengembangkan teror yang mengerikan dari penyakit dan penyakit. kematian dan, oleh karena itu, menderita kecemasan dan depresi sepanjang hidupnya, yang menentukan pertanyaannya artistik.

Munch mulai belajar teknik pada tahun 1879, tetapi ia segera meninggalkan karir ini untuk mendedikasikan dirinya untuk melukis. Dia dipengaruhi oleh seni Prancis abad ke-19 berkat perjalanannya ke Paris. Sekitar tahun 1890 ia mulai melukis proyek Keseruan hidup, serangkaian lukisan yang menggambarkan berbagai tonggak sejarah dalam kehidupan manusia, berdasarkan pengalamannya sendiri.

Meskipun karyanya pada awalnya menjadi sumber skandal, akhirnya mendapatkan tempat penting di museum negaranya dan Eropa. Namun, setelah pendudukan Nazi di Norwegia, sekitar tahun 1940, lukisan Munch disensor oleh penjajah dan dikeluarkan dari pameran.

Namun, tahun 1942 menandai pentahbisan internasional definitifnya dengan menjadi objek pameran di New York sebagai pengakuan atas karya seninya yang berbuah. Dua tahun kemudian, Munch meninggal dalam kesepian.