Andy Wharhol: 7 opere iconiche del genio della Pop Art

Andy Warhol è considerato il padre della pop art, movimento artistico emerso a metà del XX secolo che ha incorporato nel repertorio i temi della cultura di massa delle arti e ruppe l'aura di intellettualità con cui si assumeva l'arte, soprattutto dopo movimenti come l'Espressionismo astratto di Jackson Pollock.

Warhol era un artista provocatorio e scandaloso, non interessato a nascondere il suo interesse per il denaro. Il suo genio stava nella capacità di rompere gli stereotipi artistici, applicare all'arte criteri di comunicazione pubblicitaria e svelare l'ipocrisia del campo delle arti.

In questo articolo vi invitiamo a fare un giro tra le opere più emblematiche dell'autore che hanno segnato un prima e un dopo nella storia della cosiddetta arte contemporanea. Queste opere hanno dato luogo a numerose e inesauribili discussioni sul ruolo e la funzione dell'arte nei tempi moderni.

Serie Lattine di zuppa Campbell

Chi ha detto che una lattina di zuppa può essere un tema artistico? Quella fu una delle prime polemiche che Andy Warhol suscitò con questo lavoro provocatorio. Dalla riproduzione individuale della zuppa alla formazione della serie, Warhol si trova ironicamente davanti alla realtà della società dei consumi e davanti alla comunità artistica che non vuole affrontalo.

Se l'arte deve rappresentare la realtà simbolica o la condizione umana, perché rifiuta di riconoscere il marchio onnipresente dell'industria e della cultura del consumo nella società? La cultura del consumo non è una realtà dei costumi degli anni '60? Dopotutto, lo stesso Warhol ha affermato di aver mangiato questa zuppa ogni giorno per 20 anni.

Questo oggetto di consumo, un alimento industrializzato non poetico, è diventato un argomento di discussione sulla scena culturale. Ma l'audacia di Warhol non era sola nel tema scelto. Così è stata la modalità di rappresentazione e la tecnica utilizzata: una riproduzione seriale di immagini basata sulla stampa serigrafica.

Con questo Warhol darebbe un colpo a due grandi punti cardine del mondo delle belle arti: l'importanza del soggetto e il valore dell'oggetto artistico “unico” e “originale”.

Serie Marilyn Monroe

Nel 1962 Marilyn Monroe morì nel pieno della sua giovinezza. Marilyn era diventata un'icona della cultura pop americana ed esercitava un'enorme influenza sull'immaginario sociale. Ma non per questo Marilyn era pienamente valorizzata. A differenza di.

Warhol inizia una serie di ritratti di Marilyn Monroe applicando la tecnica della serigrafia, in cui i seguenti sono stampati da un'immagine originale. Più volte l'immagine viene riprodotta, più diventa sfocata o deformata.

Così, Warhol mette in luce la grande ipocrisia del mondo hollywoodiano: Marilyn era un'icona distrutta attraverso la ripetuta esposizione della sua bellezza come presunto valore unico.

Guarda anche: Pop art o pop art: caratteristiche, artisti e opere più importanti.

Auto ritratto

Warhol ha trascorso molti anni della sua vita ossessionato dal fare soldi, e questo lo ha portato a cercare di imporsi sul mondo artistico applicando le regole della pubblicità e ignorando deliberatamente le regole dell'arte convenzionale.

Così, Warhol si è trattato come un'icona della cultura pop attraverso una serie di autoritratti come mostrato nell'immagine. Tuttavia, l'autore ha applicato diversi concetti e tecniche di autoritratto per tutta la sua vita.

rivolta razziale

La maggior parte dei temi esplorati da Warhol aveva a che fare con i simboli della cultura pop, che egli rivendica come temi di rappresentazione. Questa caratteristica gli valse la reputazione di essere superficiale, ma Warhol non era una personalità ignara di ciò che accadeva intorno a lui.

Dopo gli scontri razziali del 1963, Warhol interviene con una serie di immagini provocatorie dove denuncia l'ipocrisia di una nazione che pretende di difendere l'uguaglianza ma continua a mostrare segni di discriminazione razziale.

Per farlo Warhol riproduce una fotografia degli eventi e interviene con i colori blu, rosso e bianco, tipici della bandiera americana. Il gesto sarebbe frontale: se la cultura nordamericana è rappresentata dalla zuppa e da Marilyn, anche la discriminazione.

Per realizzare quest'opera, Warhol si è appropriato di una fotografia di Charles Moore pubblicata sulla rivista Vita, che era una causa per violazione del copyright.

In realtà, questa immagine, così come La nascita di Venere dopo Botticelli o le loro versioni del Monna Lisa rivelare uno degli elementi costitutivi dell'arte contemporanea sin dal pop Art trasformare il mondo delle belle arti: appropriarsi dei simboli disponibili nell'ambiente per dare loro un nuovo significato.

Mao Tse-Tung

Gli anni Sessanta corrispondono al periodo della Guerra Fredda, quando il mondo stava vivendo la minaccia di un possibile scontro nucleare tra i paesi capitalisti e comunisti. A quel punto, la sinistra radicale aveva molti aderenti nei ranghi dell'intellighenzia occidentale, Ma si cominciavano a conoscere anche i terribili crimini avvenuti al chiuso nei paesi. comunisti.

Oltre a prendere l'immagine di artisti affermati e intervenire con le loro tecniche di riproduzione, Warhol usava anche prendere l'immagine di figure pubblici non artistici e li ha incorporati nel "pantheon" delle icone pop, sia per sottolinearne la consacrazione, sia per ironizzare e trasgredire il significato.

Un evento politico suscitò l'interesse di Warhol a rappresentare il leader del comunismo cinese: solo nel 1972, ancora in contesto della Guerra Fredda, il presidente Richard Nixon decise di visitare Pechino per avvicinarsi alla Cina e avviare un processo di parla. Warhol vedrebbe in questo approccio un'opportunità artistica. Ha preso l'immagine del famoso libro rosso, lo riprodusse e vi intervenne.

Ormai Warhol aveva già fatto lo stesso con personaggi del mondo politico come Jackie e J. f. Kennedy, Che Guevara.

Cranio

Negli anni '70 Warhol sviluppò una serie di teschi (Teschi) applicando le tecniche che aveva già sviluppato nel decennio precedente. Essendo Warhol un artista così concentrato sulle icone pop, ha attirato l'attenzione della critica quando ha pubblicato questa serie.

Gli esperti hanno sviluppato diverse spiegazioni per comprendere l'aspetto di questo tema nel contesto pop dell'artista. Una di queste spiegazioni si basa su un evento della vita di Warhol avvenuto nel 1968. In quest'anno, Warhol fu vittima di un attacco con arma da fuoco per mano della scrittrice femminista Valerie Jean Solanas, che ormai soffriva di schizofrenia. L'attacco ha lasciato Warhol sull'orlo della morte.

Un'altra parte della critica attribuisce questa serie alla "semplice" necessità di rappresentare la condizione umana nell'unico aspetto veramente universale: la possibilità della morte.

La nascita di Venere dopo Botticelli

Se Warhol era a conoscenza di qualcosa, è che non solo le icone pop perdono il loro significato dopo l'esacerbata reiterazione nei mass media. Lo svuotamento di significato non è esclusivo delle masse. Anche dalla cultura d'élite il significato si perde, si offusca grazie alla mera ripetizione del segno svuotato del suo contesto. Lo dimostra la sua serie La nascita di Venere dopo Botticelli.

A proposito di Andy Warhol

Andy Warhol (1928-1987) è nato negli Stati Uniti da una famiglia di origine slovacca. È noto per il suo lavoro di artista plastico e regista, in particolare per aver fatto parte del movimento pop art o pop Art, insieme ad artisti come Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Roy Lichtenstein, tra gli altri. Inoltre, Warhol è stato promotore di diverse figure artistiche degli anni '70 e '80 come Jean Basquiat.

Fin da bambino soffriva di una malattia popolarmente conosciuta come il ballo di San Vito, che lo costringeva a trascorrere lunghi periodi di riposo, tempo che sfruttava per sviluppare la sua creatività.

La morte prematura di suo padre ha significato un'infanzia di povertà, quindi Warhol ha deciso di diventare un uomo ricco nella sua maturità, proprio come ha fatto.

Warhol è stato un artista controverso, per diversi aspetti, tra i quali possiamo annoverare:

• L'incorporazione dei simboli della cultura di massa nel circuito delle belle arti.
• L'uso di tecniche di riproduzione seriale che mettono in discussione il concetto di originale nell'art.
• Demistificazione dell'idea che solo un arduo e lungo processo di creazione dia valore all'opera d'arte.
• Una comprensione del mondo dell'arte priva della sua aura mistica per riconoscervi il suo carattere di mercato, negato dai discorsi tradizionali.

Tutti questi aspetti promossi da Warhol proprio nel contesto della Guerra Fredda significarono un'importante trasformazione nell'orientamento degli interessi artistici del suo tempo.

Warhol ha fatto emergere l'onnipresenza della cultura di massa e dell'industria culturale, e ne ha approfittato per catapultarsi socialmente ed economicamente.

Così, mentre il suo lavoro era un grande discorso ironico sulle incongruenze sociali, lui stesso divenne deliberatamente un'icona pop.