I 25 dipinti più rappresentativi del Rinascimento per capire i loro contributi

La grande rivoluzione pittorica del Rinascimento avviene concretamente nel XV secolo, noto come Quattrocento. In un ambiente di crescente curiosità intellettuale, il miglioramento e la diffusione della pittura ad olio ha permesso l'uso di la tela come supporto, in modo che il dipinto potesse liberarsi dalle pareti, e questo favoriva il collezionismo particolare.

Nacquero così nuovi generi come la ritrattistica e nacque l'interesse per il paesaggio e la natura morta, anche se non ancora come generi indipendenti. Sono comparsi anche i nudi e i temi mitologici, storici e allegorici non cristiani. I temi religiosi sono rimasti all'ordine del giorno, ma da un approccio antropocentrico.

Successivamente faremo un tour cronologico dei dipinti più famosi del Rinascimento, al fine di catturare i contributi e le innovazioni di ciascun artista e l'evoluzione dello stile nel tempo.

1. Santissima Trinità con la Vergine, San Giovanni e donatori, di Masaccio (1425-1427)

Fresco Santissima Trinità, con la Vergine, San Giovanni e donatori Rappresenta il punto di partenza del Rinascimento, poiché i grandi cambiamenti plastici e culturali dell'epoca si incontrano. Spiccano la prospettiva lineare, il chiaroscuro e la tecnica del trompe l'oeil. La volta a botte, di ispirazione romana, anticipa i mutamenti dell'architettura rinascimentale. Insieme ai personaggi sacri, sono raffigurati i donatori, il che conferisce al tema religioso un aspetto antropocentrico. Questo rivela la stima che quella generazione aveva di se stessa.

2. L'annunciazione, di Beato Angelico (1425-1426)

Sopra L'annunciazioneFra Angélico eredita dal Medioevo il gusto per i dettagli della vegetazione, ma porta risorse dal Rinascimento. Ha usato la sobria architettura greco-latina e ha sfruttato le sue linee per accentuare la prospettiva. Per ottenere una maggiore profondità spaziale, ha aperto diverse aperture che creano piani sovrapposti: una porta conduce in una stanza e, questa, mostra una discreta finestra sul retro. Il giardino a sinistra si riferisce alla cacciata dal paradiso di Adamo ed Eva. In basso, vediamo una serie di scene della vita di Maria. Questo tipo di linee con sequenze di scene alla base dei fotogrammi sono chiamate predelas.

3. Il matrimonio Arnolfinifini, di Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck è stato un pittore fiammingo che ha perfezionato la pittura ad olio e ha contribuito a diffonderla. Questo particolare lavoro è uno dei primi ritratti pittorici della storia. Caricato di simboli, trasmette l'importanza e la dignità dei personaggi, che ricoprono una buona posizione sociale. Tuttavia, il genio di Van Eyck non c'è.

Il pittore introduce sullo sfondo uno specchio che gioca con i piani di rappresentazione. In esso, mostra il riflesso di due personaggi che non sono visibili nella scena principale, creando l'illusione che occupino le posizioni dello spettatore. Questa risorsa probabilmente avrà ispirato Meninas di Velázquez, più di duecento anni dopo.

4. La Vergine del Canonico Van der Paeledi Jan van Eyck (1434-1436)

La Vergine del Canonico Van der Paele corrisponde a un genere molto diffuso nel Rinascimento, chiamato Conversazione Sacra (sacro colloquio), in cui la Vergine intrattiene un colloquio con i santi in un ambiente intimo. In questo caso è compreso il donatore, il canonico Van der Paele, presentato da San Giorgio. Calpesta la casula del canonico, ricordando di essere subordinato al potere spirituale. Tuttavia, la sua presenza sulla scena rivendica il suo ruolo sociale nel potere temporale.

La tela mette in risalto il trattamento degli abiti e la profusione dei dettagli. Il luccichio dell'armatura di San Giorgio fornisce a Jan van Eyck una scusa per usare i riflessi. Si vede il riflesso dell'artista e della Vergine, concepiti come specchio immacolato della grazia divina.

5. La battaglia di San Romano, di Paolo Uccello (c. 1438)

La battaglia di San Romano di Paolo Ucello è un trittico con scene della battaglia in cui Firenze sconfisse Siena durante le guerre di Lombardia. Originariamente commissionato dalla famiglia Bartolini, passò presto alla collezione dei Medici. Sono ancora presenti elementi medievali, come la profusione di dettagli che ne accentuano il descrittivo. Tuttavia, è considerato un capolavoro per l'uso della prospettiva e dello scorcio.

Lo scorcio consiste nella rappresentazione di un oggetto con un angolo perpendicolare allo spettatore. Li vediamo in dettaglio nel pannello Il disarmo di Bernardino della Ciarda, sia nei cavalli caduti, come nel cavallo brioso e nel cavallo bianco a destra.

6. L'incoronazione della Vergine, di Fra Filippo Lippi (1439-1447)

L'incoronazione della Vergine Si tratta di una pala d'altare che Filippo Lippi commissionò a Francesco Moringhi per la chiesa di San Ambrosio. Invece che in uno spazio celeste, tutto sembra svolgersi in uno spazio teatrale, evocativo di una sala reale, alla quale sono stati invitati i santi, il donatore e lo stesso Lippi. Come si vede, il Rinascimento italiano ha insistito su una visione antropocentrica del cielo.

7. La discesa dalla croce, di Rogier van der Weyden (c. 1443)

Rogier van der Weyden è stato un pittore fiammingo. Il suo lavoro più noto è La discesa dalla croce, originariamente dipinto per la Cappella della Madonna fuori le mura di Lovanio. L'anatomia non è excata, perché è stata volutamente corretta per favorire l'eleganza formale.

Anche le proporzioni sono deliberatamente alterate per distribuire i corpi in tutta la composizione. La Vergine Maria e Gesù sembrano riflessi l'uno dell'altro: come la madre, il figlio; come il figlio, la madre. Il dipinto vince nel trattamento dell'espressione, dell'abbigliamento e delle trame.

8. La flagellazione di Cristo, di Piero della Francesca (1455-1460)

Sopra La flagellazione di Cristo, Piero della Francesca riserva la scena religiosa sullo sfondo, e si caratterizza per la sua freddezza. Non c'è emozione nei personaggi. Il tema sembra quasi una scusa per lo sviluppo del programma plastico rinascimentale, basato su in prospettiva lineare, geometrizzazione compositiva ed esaltazione dell'architettura classicista. È confermato nella conversazione di tre personaggi contemporanei, la cui identità non è ancora determinata.

9. Dittico Melun, di Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet è stato un pittore francese che ha rinnovato il linguaggio artistico della Francia attraverso l'influenza della pittura fiamminga e italiana. L'opera in questione è stata concepita come un dittico per la tomba della moglie di Étienne Chevalier, suo preside. Entrambe le tabelle sono in contrasto tra loro.

Nel pannello di sinistra, il pittore ha rappresentato Etienne Chevalier e Santo Stefano, suo patrono, collocati in uno spazio architettonico classico. A destra, la Vergine con il Bambino e angeli. Il petto nudo di Maria si riferisce a lei come l'infermiera dell'umanità. Si ritiene che il volto della Vergine fosse quello dell'amante del cliente, Agnès Sorel. Sebbene il soggetto sia in apparenza sacro, ha un forte carattere profano.

10. Viaggio dei Magi, di Benozzo Gozzoli (1459)

Nel Palazzo Medici Riccardi, a Firenze, è presente una sala detta Cappella dei Magi, in allusione ai tre affreschi del Gozzoli che raccontano le cavalcate dei Magi. Oltre ad essere un capolavoro per la sua complessità compositiva, l'opera è in realtà un esaltazione del potere esercitato dalla famiglia Medici, i cui volti si ritrovano nei personaggi rappresentato.

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11. La Casa degli Sposi, di Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna si distingue in questo affresco per l'utilizzo di tecniche rinascimentali come il trompe l'oeil, nel chiaro tentativo di sfumare i confini tra pittura e realtà. L'immagine che vediamo corrisponde ad una sola delle pareti di La camera dei mariti. Come il resto, celebra le glorie della famiglia Gonzaga, grandi mecenati del loro tempo.

12. Compianto sul Cristo morto, di Andrea Mantegna (1475-1478)

Se in qualsiasi momento Andrea Mantegna supera se stesso, è nel Compianto sul Cristo morto. Il pezzo si distingue per l'uso magistrale della tecnica dello scorcio. Con questa risorsa, Mantegna incorpora lo spettatore nella scena e sfida il modello compositivo tradizionale. Spicca anche la rappresentazione delle fazioni dei personaggi. Maria non è una fanciulla, ma un volto invecchiato dal dolore. L'austerità della scena sottolinea la terribile natura della morte e della desolazione per i dolenti.

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13. Polittico di San Vicente, di Nuno Gonçalves (1470-1480)

Il Polittico di San Vicente È uno dei capolavori del Rinascimento portoghese. Attribuito a Nuno Gonçalves, rappresenta cinquantotto personaggi insieme a San Vincenzo, che appare duplicato nei riquadri centrali, come se fosse un riflesso.

Si distingue per la rappresentazione dei diversi strati della società portoghese, in atteggiamenti e gesti secondo la loro condizione. Da sinistra a destra abbiamo il pannello dei frati; il pannello dei pescatori; la tavola dell'Infante Don Enrique (Enrique il Navigatore); il pannello arcivescovile; il pannello dei cavalieri e il pannello delle reliquie.

14. L'Adorazione dei Magi, di Sandro Botticelli (1475)

L'Adorazione dei Magi de Botticelli costituisce un riferimento fondamentale del Quatrocento italiano. Fino a Botticelli, la Sacra Famiglia stava da una parte della scena, dall'altra accoglieva i fedeli. Botticelli lo collocò al centro della composizione e all'apice di una piramide, disponendo i fedeli da una parte all'altra e anche uno di loro davanti.

Il pittore ha anche raffigurato i Magi con i volti della famiglia Medici: Cosimo ei suoi figli, Piero il Gottoso e Giovanni. Vengono ritratti altri membri della famiglia e i loro alleati, e lo stesso Botticelli è incluso nel personaggio che guarda lo spettatore.

15. Consegna delle chiavi del cielo a San Pietro, dal Perugino (1482)

Quest'opera del Perugino fu commissionata da Papa Sisto IV, costruttore della Cappella Sistina. L'affresco corrisponde all'idea della trasmissione dell'autorità da Dio alla Chiesa, rappresentata da San Pietro. L'opera è un'espressione magistrale del lavoro prospettico aereo e della profondità del pittore. In primo piano vediamo i personaggi principali: Gesù, gli apostoli e varie figure rinascimentali. Nell'ultimo, l'edificio a pianta centrale ottagonale, simbolo dell'universalità del papato.

16. La nascita di Venere, di Sandro Botticelli (1482-1485)

La nascita di Venere, di Sandro Botticelli, faceva originariamente parte di un mobile, ed è probabilmente per questo che non vediamo uno sviluppo così esaustivo del paesaggio. L'attenzione che riceve ha in parte a che fare con la trattazione del soggetto, che non è più un soggetto sacro. Assistiamo al mito dell'origine di Venere o Afrodite, dea della fertilità e dell'erotismo.

Con quest'opera Botticelli ha legittimato la rappresentazione del nudo femminile a figura intera nell'arte su soggetti profani. Ma Venere non è qui un personaggio totalmente esibito, ma una Venere modesta, che con i suoi capelli copre la sua "vergogna". Quindi, questo nudo è stato giustificato come una rappresentazione della virtù nel contesto del pensiero filosofico del tempo.

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17. Vergine delle Rocce, di Leonardo da Vinci (1483-1486)

Questo pezzo di Leonardo è stato ordinato dai monaci di San Donato, il che spiega la centralità del tema religioso. Leonardo ha modificato un elemento della tradizione rinascimentale: invece di un paesaggio architettonico, ha inquadrato la scena in un paesaggio naturale roccioso. Le figure formano una piramide, e sono delineate con delicatezza grazie a uno dei giochi d'azzardo più riconosciuti del pittore: la tecnica di sfumato.

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18. Ritratto di Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, di Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Quest'opera del Ghirlandaio è un'espressione esemplare del genere ritrattistico rinascimentale. In linea con i valori rivisti dell'antichità classica, mostra proporzioni e caratteristiche idealizzate, nonché un'espressività contenuta o assente. Per mostrare i tratti del tuo carattere, sono inclusi alcuni oggetti personali: gioielli regala conto della sua vita pubblica, mentre il libro di preghiere e il rosario danno conto della sua vita spirituale.

19. L'ultima Cena, di Leonardo da Vinci (1498)

L'ultima Cena È una delle opere più note di Leonardo. Si distingue per i riferimenti intellettuali e filosofici incorporati nella scena, ma anche per la sua drammaticità. Senza rinunciare all'equilibrio rinascimentale, l'opera si carica di tensione emotiva e psicologica nei suoi personaggi, sfidando l'apparente freddezza di molte composizioni precedenti. Il suo cattivo stato di conservazione è in parte dovuto al tentativo di Leonardo di mescolare tempera e olio per apportare correzioni all'intonaco.

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20. Santo Domingo e gli Albigesi o La prova del fuoco, di Pedro Berruguete (1493-1499)

Lo spagnolo Pedro Berruguete rappresenta un passaggio secondo il quale Santo Domingo de Guzmán avrebbe proposto accendere un falò per testare i libri dei gruppi eretici nella città di Albi, Francia. Il fuoco consuma i libri eretici, mentre il libro canonico fluttua nell'aria.

L'opera esprime la mentalità politica dell'epoca dei Re Cattolici, che cercavano l'unità del regno combattendo l'eresia. Esalta formalmente la preziosità dei dettagli, di chiara ispirazione flamenca, nonché il gusto per l'oro, derivato dal gotico, e molto apprezzato nel primo Rinascimento.

21. Auto ritratto, di Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer è stato un grande maestro del Rinascimento tedesco. Questo famoso autoritratto, che a prima vista per un'icona di Gesù Cristo, mostra due iscrizioni chiave: a destra si legge "Mi dipingo con colori indelebili". A sinistra, la data che mostra la sua età, 28 anni.

La frontalità del suo ritratto è piuttosto audace. Sfidando la tradizione, che riservava questa posa alle icone di Gesù - e anche il gesto della mano, leggermente alterato-, Dürer gioca il capovolgimento dell'identità con il referente religioso e confonde volutamente il spettatore.

22. Il Doge Leonardo Loredan, di Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, pittore al servizio della Repubblica di Venezia, consegna questo magnifico ritratto del Doge Leonardo Loredan. In questo brillante lavoro riesce a superare il sentimento di ieratismo grazie alla ricchezza espressiva del volto e al fine trattamento delle trame e degli abiti. Riguardo a quest'ultimo, è sorprendente come Bellini riesca a rappresentare la brillantezza dei tessuti orientali.

23. Monna Lisa, di Leonardo da Vinci (1503-1506)

Il Monna Lisa È senza dubbio l'opera più famosa di Leonardo da Vinci. È espressione della maturità dello stile leonardesco in termini di tecniche chiaroscurali e chiaroscurali. Esfumato, che consiste nello sfocare i bordi delle figure in modo che l'integrazione nella spazio. Sfoggia anche la tecnica del paesaggio sullo sfondo, che apre lo spazio per dare maggiore profondità. Tuttavia, quest'opera, così come tutta l'opera di Leonardo, non appartiene al Quattrocento, ma all'Alto Rinascimento, a volte chiamato anche Secondo Rinascimento.

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24. La Scuola di Atene, di Rafael Sanzio (1510-1511)

Se qualcosa rappresenta lo spirito culturale del Rinascimento, è l'affresco La Scuola di Atene, di Rafael Sanzio, una delle scene delle "Stanze Vaticane" o "Stanze di Raffaello". Vediamo una magistrale gestione della prospettiva lineare, e una profondità enfatizzata dalle aperture delle volte a botte che si aprono sull'open space.

In un ambiente architettonico di chiara ispirazione classica, una moltitudine di riferimenti filosofici e scientifici richiamano il valore della ragione e della conoscenza. Platone e Aristotele sono i protagonisti. Vediamo anche Tolomeo, Eraclito, Ipazia, Omero e, come al solito, alcuni volti contemporanei. Non poteva mancare lo stesso Rafael, ritratto come Apelle.

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25. Affreschi del soffitto della Cappella Sistina, di Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Parlare di Michelangelo Buonarroti, così come dei pittori del Cinquecento italiano, è entrare nell'Alto Rinascimento. Ci avviciniamo quindi al Manierismo, di cui il Buonarroti sarà uno dei suoi esponenti. Gli affreschi della Cappella Sistina sono la sua opera pittorica più celebre.

Sono nove le scene che narrano brani della Genesi, e tutte portano al Giudizio Universale, una parete dipinta circa due decenni dopo il soffitto. Su questa parete San Bartolomeo, martire scorticato, appende la sua antica pelle. Ma in esso puoi vedere il volto di Michelangelo. Come si vede, l'artista è anche ritratto, ma non come gli artisti del Quattrocento che celebravano le loro glorie terrene, ma in riconoscimento della loro indegnità.

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