Le 10 principali correnti artistiche: cosa sono?

Gombrich diceva nella sua grande Storia dell'Arte che l'arte non esiste, solo gli artisti. In una certa misura, questo è del tutto vero, poiché ogni creatore esprime dal proprio mondo, unico e non trasferibile. Tuttavia, non è meno vero che gli artisti non possono sfuggire al loro tempo. Ogni espressione artistica, quindi, è soggetta a un contesto specifico e, per quanto l'artista cerchi di dissociarsi, ne rimane soggetto in misura maggiore o minore.

Successivamente, faremo un riassunto pratico di quelle che sono le principali correnti artistiche della storia dell'arte. Questo articolo è solo uno schema di base; Ricordiamo che niente è bianco o nero e che le sfumature sono tantissime. Tutte le culture e tutti i tempi hanno espresso l'arte in qualche modo.

Difficile riassumere in un articolo così piccolo le caratteristiche essenziali di tutte, ma cercheremo di dare una panoramica che può essere pratica quando si tratta di comprendere l'evoluzione dell'arte attraverso la storia. Come punto, dillo

Abbiamo incentrato l'articolo sull'arte occidentale, dal momento che è del tutto impossibile riassumere l'espressione artistica universale in così poco spazio.. Ci auguriamo che lo trovi utile.

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Cos'è una corrente artistica?

Le correnti artistiche (dette anche movimenti artistici) sono l'insieme delle creazioni che condividono contesto e una serie di caratteristiche estetiche, oltre che obiettivi ideologici determinato. Seguendo questa definizione, potremmo anche chiamare corrente artistica l'arte creata dalle grandi culture antiche, come l'Egitto, la Grecia o la Mesopotamia.

Tuttavia, questo non è del tutto corretto. Nelle suddette civiltà non c'era altra possibilità di creazione; era l'espressione genuina della cultura nel suo insieme, quindi è un po' azzardato definirla una corrente artistica. Pertanto, inizieremo il nostro viaggio dagli ultimi secoli del Medioevo, quando il diverso i movimenti culturali iniziano a susseguirsi rapidamente per culminare nel mosaico di stili che si è verificato nel XIX secolo e nel ventesimo

1. il romanico

Il romanico è forse il primo stile pienamente europeo, con alcune caratteristiche globali molto specifiche.. E, anche se è vero che non era uno stile così omogeneo come altre tendenze successive, come il barocco o il Romanticismo, è vero che a tutte le latitudini d'Europa condivide una serie di elementi che ne fanno più o meno uno stile compatto.

Il romanico apparve intorno all'XI e XII secolo in Borgogna; precisamente nell'abbazia di Cluny. Da lì si è diffuso nel resto d'Europa, dove ogni territorio lo ha bagnato con le proprie caratteristiche. Non possiamo fare un'analisi completa di cosa sia il romanico, ma possiamo riassumere che, architettonicamente, include elementi costruttivi romani (da qui il nome datogli nel XIX secolo) e che le sue basi sono l'arco semicircolare, la volta a botte e la volta a crociera, tra molti altri elementi costruttivo.

Il romanico architettonico obbedisce all'esigenza di unificazione della liturgia in Europa e alla comparsa delle cosiddette chiese di pellegrinaggio, con una struttura ben precisa. Negli edifici romanici, la scultura è solitamente subordinata all'architettura, e troviamo una maggiore profusione di decorazioni scultoree sui timpani e sugli archivolti delle porte.

La pittura romanica, invece, attinge alle icone bizantine giunte dall'Oriente con le crociate, oltre che alle miniature mozarabiche. Sono dipinti ieratici, molto irrealistici, il cui obiettivo principale era trasmettere un messaggio, non copiare la realtà. Per questo negli spazi pittorici romanici non esiste né prospettiva né volume, e gli elementi terreni si mescolano al cielo e all'inferno, opportunamente separati da strisce di colori vivaci.

2. il gotico

Il successivo stile completamente europeo era il gotico. Particolarmente uniforme fu il cosiddetto gotico internazionale, che si sviluppò nel Trecento e riprese i fondi dorati bizantini con figure idealmente stilizzate. Nel gotico le rappresentazioni cominciano a impregnarsi di realtà e le figure tendono a diventare più umane. È il tempo delle città, del trambusto dei commerci, delle grandi cattedrali. Le Vergini gotiche cominciano ad essere vere e proprie madri, ben lontane dalle Vergini Theotokos o Vergini del trono, ieratiche, che non interagivano con il Bambino. D'altra parte, il Crocifisso, sia pittorico che scultoreo, si naturalizza e comincia a mostrare dolore.

L'elemento più caratteristico del gotico sono, ovviamente, le cattedrali. Il linguaggio architettonico di questi edifici è molto nuovo; Nonostante ciò, Giorgio Vasari, nel XVI secolo, definì queste costruzioni "barbariche" (gotiche). Proliferano archi rampanti e contrafforti, pensati per dare stabilità a un edificio sempre più alto e con più aperture (le meravigliose vetrate gotiche). È importante ricordare che, allo stesso modo del romanico, gli edifici gotici erano completamente policromia, fatto che concretizza il grande amore che il Medioevo nutriva per i toni cromatici illuminato.

3. Il Rinascimento

Sebbene la cultura classica non sia stata dimenticata nel Medioevo, è durante l'era rinascimentale che essa recuperare consapevolmente i precetti classici, come i trattati di architettura del romano Vitruvio (I sec.). io un. C.). È anche in questo momento che si intellettualizza l'artista, che comincia a essere visto come qualcosa di più di un semplice artigiano.

Il Rinascimento inizia a Firenze all'inizio del XV secolo, con opere come le porte del Battistero o la magnifica cupola che Brunelleschi progettò per la cattedrale., il cui diametro non era stato raggiunto dalla costruzione del Pantheon nel I secolo d.C. C. Gli architetti cercano ispirazione nelle costruzioni dell'antichità, mentre i pittori, nell'assenza di modelli (Pompei ed Ercolano non erano ancora stati scoperti) si ispirano agli affreschi che decorano la Domus Aurea in Nerone.

Eppure l'innovazione più importante del Rinascimento fu la prospettiva matematica, codificata da Leon Battista Alberti (1404-1472) nel suo trattato De pictura, per il quale attinge alle idee di Brunelleschi. Da quel momento in poi la pittura cercherà di essere una finestra aperta sul mondo, dove la prospettiva si realizza attraverso un unico punto di fuga dove convergono tutte le linee.

4. Barocco

Negli ultimi anni del Cinquecento il Rinascimento si esaurisce del tutto e, invece, Appare il Manierismo, che in pittura è caratterizzato da un allungamento e da una stilizzazione del figure. Ma all'inizio del secolo successivo una nuova tendenza estetica iniziò a impossessarsi dell'Europa della controriforma: il barocco.

Si può dire che il barocco è figlio della Controriforma della Chiesa cattolica, che aveva bisogno di un veicolo di espressione per la sua fede.. L'obiettivo era mantenere i fedeli nella Chiesa romana e impedire loro di migrare al luteranesimo. Il linguaggio barocco è, quindi, un riflesso di questa volontà; Nella pittura, l'emozione è promossa attraverso la rappresentazione della sofferenza. Le bizzarre leggende dei santi, contro cui predicavano i protestanti, vengono eliminate e le figure sacre vengono rappresentate con i loro attributi. La religione è abbassata al popolo e nelle scene quotidiane compaiono personaggi biblici, i cui modelli sono presi direttamente dalla realtà.

In architettura si può dire che il barocco è ancora molto classicista, soprattutto in Francia. La Reggia di Versailles è un grande esempio di questo elegante classicismo francese. D'altra parte, e come di solito accade in tutti gli stili, ogni territorio dà vita a un barocco diverso: nelle Province Unite, ad esempio, dove non c'è e alla Chiesa cattolica e dove i committenti sono i borghesi delle città, si sviluppa una pittura intima, il cui massimo rappresentante è Johannes Vermeer.

5. rococò

Erroneamente trattato come un'estensione del barocco, il rococò è un'autentica espressione della prima metà del XVIII secolo, l'età dell'Illuminismo. Mano nella mano con filosofi illuminati, questo stile celebra la dolcezza della vita, l'intimità, il comfort domestico e tutto ciò che è bello nella vita di tutti i giorni.

Ecco perché i motivi rococò sono allegri, festosi, per niente drammatici: scene pastorali, bucoliche, mascherate, galanti, civettuole, ecc. In una parola: il rococò è la joie de vivre, la gioia di vivere, delle classi benestanti dell'Antico Regime.

6. Neoclassicismo

In molti modi, il neoclassicismo segna una rottura con il rococò. Emersa anche in Francia, come il suo predecessore, questa corrente estetica è l'espressione perfetta per la nuova Repubblica francese: uno stile sobrio, austero, armonioso e repubblicano. Il neoclassicismo si ispira, ovviamente, all'arte classica. Nella pittura predilige i temi grandiosi e solenni, che servono da modello di virtù al popolo; grandi esempi di ciò sono le tele di Jacques-Louis David (1748-1825), il grande pittore neoclassico. D'altra parte, l'architettura neoclassica è praticamente un'imitazione degli antichi templi greci e romani; basta contemplare la chiesa della Madeleine a Parigi per rendersene conto.

Lo stile neoclassico visse il suo apice durante l'era napoleonica, poiché la sua estetica romana e marziale si adattava molto bene all'impero che il Gran Corso aveva creato.. Dopo la caduta di Napoleone, le forme neoclassiche divennero obsolete e, nonostante la loro estetica rimase molto viva (soprattutto, in architettura) per tutto l'Ottocento, nei primi decenni del secolo le prime espressioni del Romanticismo.

7. Il romanticismo

Nella storia dell'arte è comune che uno stile nasca in parte come risposta allo stile precedente. E, sebbene nulla sia bianco o nero e ci siano molte sfumature in questa affermazione, ne troviamo la prova in casi come la nascita del Romanticismo. Mentre il Neoclassicismo fu un'apoteosi del repubblicano, prima, e dell'impero romano, poi, con tutto il disciplina che questo implica, il Romanticismo nasce come rivendicazione della soggettività umana e, quindi, della individuale. L'arte non sarà mai più vista, almeno esclusivamente, come qualcosa di soggetto al potere; è l'artista che crea, è il suo io che dà origine all'espressione artistica. L'autentico creatore è contro l'Accademia e tutte le norme in corsetto che strangolano l'arte.

Tutte le successive correnti che esaltano l'individualismo creativo bevono dal Romanticismo: i preraffaelliti, i simbolisti, gli espressionisti e, naturalmente, i surrealisti.. Nel caso di quest'ultimo, esplorano le profondità della psiche umana fino al limite, qualcosa che il quelli romantici di cento anni prima quando rappresentavano mondi onirici, terribili, pieni di spettri, tombe e immagini frutto del delirio. D'altra parte, la corrente romantica attribuisce grande importanza alla patria e alla nazione, purché lo sia costituito da individui che decidono, e tende a idealizzare il passato delle nazioni ea trasformarlo in leggenda.

8. realismo e naturalismo

Intorno al 1850, il romanticismo inizia a scadere. È il tempo del positivismo, dei progressi tecnologici, della seconda rivoluzione industriale. Nelle città crescono le fabbriche e si moltiplicano i miserabili che vivono in condizioni subumane. È allora che l'arte inizia a dimenticare i mondi ideali proclamati dai romantici e si interessa ai problemi e ai conflitti sociali.

Sia nelle arti plastiche che nella letteratura il tema ricorrente è la denuncia sociale. Lavoratori affamati che escono dalle fabbriche come fantasmi; bambini cenciosi e sporchi; prostitute, mendicanti, lavandaie, giovani senza futuro. Il realismo è impegnato, quindi, nella realtà sociale..

Successivamente, il crescente interesse per la psicologia fa evolvere la corrente realista verso il naturalismo, che porta al limite l'obiettività e l'osservazione. L'artista naturalista, che in letteratura è magnificamente rappresentato da Émile Zola (1840-1902), vede realtà come laboratorio di ricerca, dove le creature agiscono in base agli stimoli del metà. In quest'arte altamente scientifica non c'è quindi posto per la soggettività, tanto meno per la bellezza stessa.

9. Le correnti dell'estetismo

In risposta a quest'arte che è diventata scienza e che ignora la bellezza del mondo, alla fine dell'Ottocento sono comparse una serie di correnti che proclamavano l'arte per l'arte. È il caso della confraternita preraffaellita, della decadenza, del parnassianesimo, del simbolismo e dell'Art Noveau, meglio conosciuto nei paesi ispanici come modernismo.

Non possiamo parlare qui di tutte queste correnti, ma possiamo sottolineare cosa hanno in comune: una forte avversione al positivismo, al progresso tecnologico, alle fabbriche, al progresso scientifico come castratore della bellezza. Pertanto, tutte queste correnti estetiche vorranno tornare all'arte come esclusiva creatrice di bellezza.

10. le avanguardie

Di nuovo, non si può parlare di tutte le avanguardie proliferate negli ultimi anni dell'Ottocento e nei primi decenni del Novecento, ma cercheremo almeno di nominarle. Le avanguardie ufficiali compaiono all'inizio del XX secolo. Il primo di questi è considerato il fauvismo, una corrente che valorizzava il colore come mezzo di espressione soggettiva, non come imitatore della realtà. Dopo i Fauves, che tennero la loro prima mostra nel 1905, le avanguardie si sono succedute così velocemente che alcune di esse si sono sovrapposte: espressionismo, futurismo, cubismo, dadaismo, surrealismo...

L'avanguardia è la caratteristica principale dell'arte del XX secolo. Sono una serie di movimenti che vanno contro le norme stabilite, gruppi di artisti con caratteristiche quelli comuni che si uniscono per formare una sorta di scuola pittorica, solitamente con un manifesto ideologico di base. Attualmente viviamo in una nuova era di individualità che crea correnti artistiche sfocare e frammentare in mille pezzi, quindi difficilmente possiamo parlare di correnti, ma di artisti. Ma forse, in fondo (e come diceva Gombrich) non è sempre stato così?