Claude Monet: opere, analisi e significati

Claude Monet (1840-1926) è stato un pittore francese rappresentante dell'impressionismo, riconosciuto sia per il suo riscontri pittorici nel trattamento della luce, come per aver realizzato il dipinto che avrebbe dato il nome al movimento.

Insieme ad altri artisti, Monet è stato responsabile di aprire le porte all'originalità del linguaggio plastico attraverso il trattamento della luce e lo studio della percezione del colore. Conosciamo alcune delle sue opere più importanti in questo articolo.

1. Pranzo sull'erba, 1865-1866

Nel 1863, i critici distrussero Edouard Manet al Salone Ufficiale di Parigi a causa del suo lavoro Colazione sull'erba. Tuttavia, Claude Monet era rimasto affascinato dall'opera e decise di realizzare la sua versione come tributo al controverso pittore. Quello di Monet avrebbe le dimensioni ambiziose di quattro metri di altezza per venti metri di lunghezza. Era, allo stesso tempo, una sfida.

Ha iniziato a dipingere il Pranzo sull'erba nel 1865, guardando a partecipare al salone del 1866. La sua precaria economia gli fece abbandonare il progetto e dovette offrirlo come garanzia del pagamento dell'affitto. La tela è stata arrotolata e conservata dal suo proprietario temporaneo fino a quando Monet non l'ha recuperata nel 1884. Dato il notevole deterioramento, ha dovuto tagliarlo. Dell'opera restano solo due frammenti: quello centrale e il fianco sinistro.

Nella scena, il pittore rappresenta un pranzo al sacco in un'atmosfera informale e quotidiana. Segnando le distanze con Edouard Manet, toglie il nudo e veste tutti i personaggi, i cui costumi rivelano il loro stile di vita. I personaggi sono certamente borghesi che celebrano la festa del vivere, senza scandalo, senza significato. Monet non è interessato alla controversia tematica più che al linguaggio plastico.

Sebbene il pezzo originale non sia riuscito a essere completamente conservato, a Studio per pranzo sull'erba. La differenza più evidente sta nel giovane senza barba che appare seduto sulla tovaglia. Questo personaggio è sostituito da un uomo barbuto che sembra un riferimento a Gustave Coubert, un pittore realista molto ammirato di Monet che si sarebbe degnato di visitarlo nella sua bottega nei giorni in cui Monet lavorava nel in bozza.

2. Camille con il vestito verde, 1866

Immagine Camille con il vestito verde di Claude Monet fu esposto nel Salone Ufficiale del 1866 e fu ampiamente accettato, cosa che non piacque a Edourad Manet che, confondendosi con Monet, ricevette per errore le congratulazioni. Inoltre, Manet era stato nell'occhio della critica nel 1863 e il Salone Ufficiale lo aveva respinto nel 1865 a causa della sua pittura Olimpia.

Nel suo libro Impressionismo, Paul Smith confronta l'immagine Camille con il vestito verde con il lavoro La signora con un guanto di Carolus-Duran, discepolo del pittore David e assiduo frequentatore dei circoli monarchici parigini. Sebbene il pezzo di Carolus-Duran sia successivo a quello di Monet, il confronto consente a Smith di concludere che Monet aveva preso una parte importante del linguaggio pittorico realistico, ampiamente apprezzato nella grande Sala Ufficiale. Quindi è stato ammesso.

Nella sua analisi, Smith distingue che Monet ha fatto indossare l'abito, utilizzando una posa artificiale tipica delle illustrazioni di moda. Allo stesso tempo, ha fornito alla scena una luce artificiale per accentuare il personaggio. Monet rivela elementi che richiamano l'illuminazione e il calore di Coubert e la linea di Manet, che su di lui esercitò una grande influenza.

3. Donne in giardino, 1867

Paul Smith confronta la tela Donne in giardino di Monet con Minerva e grazie di Charles Greyre, nella cui bottega Monet lavorò per qualche tempo. Con questo Smith mette in luce la vera rivoluzione della generazione impressionista.

Come era consuetudine nell'arte, Greyre rappresenta un episodio di natura letterario-narrativa, cercando di eternare gli ideali platonici di bellezza e bontà attraverso la rappresentazione del mito di Minerva, dea della saggezza, e delle tre Grazie, simbolo della bellezza. Rivolta al contenuto, la tecnica del pittore diventa invisibile in modo che il soggetto risplenda, senza lasciare traccia della sua linea.

Un anno dopo, Monet eseguì una tela che rappresenta anche quattro donne in un ambiente vegetale, ma queste saranno donne normali. Il pittore non rappresentava un valore eterno, ma un momento fugace e fugace, un divertente incontro tra amici che celebrano la vita borghese. Sono il simbolo della nuova borghesia che cerca di costruire il proprio valore.

Monet non nasconde la tecnica su tela. Al contrario, lo espone, mostra la linea, guida l'attenzione dello spettatore verso il linguaggio plastico che Greyre e tutti i pittori tradizionali hanno volutamente nascosto.

Come era tipico dello stile germinativo, Monet sfrutta i colori blu e verde per sfumare e modificare la pelle dei personaggi. Prima di ritrarre l'intensa luce estiva che invade la scena. Ciò che conta, allora, sarà il linguaggio pittorico.

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4. La Grenouillère, 1869.

La Grenouillère È una serie di vari dipinti di tipo marino da diverse angolazioni e momenti. In questa tela, Monet è ampiamente coinvolto nel trattamento della luce e dei suoi effetti sugli oggetti. Viene consegnato, rapidamente, alla piena forma dell'impressionismo.

Dal lavoro a aria frescaCosa possibile all'epoca solo grazie all'invenzione dei tubi dell'olio, Monet approfittò di una linea affrettata per dare vita alle impressioni luminose e alla caducità del momento. Lo spettatore assiste alla scena come uno in più. Non c'è giudizio morale, non c'è significato tematico. L'interesse si è rivolto al linguaggio plastico.

Renoir ha realizzato una versione di questa stessa scena con Monet.

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5. Campo di papaveri, 1873

Nel 1871 Monet si stabilì temporaneamente ad Argenteuil, dove sviluppò solidamente lo stile che stava scoprendo, grazie anche ai paesaggi che quella cittadina gli offriva. Da questa fase è il lavoro Campo di papaveri, esposto nella Sala dei Respinti nel 1874 insieme ad altri 8 pezzi.

Nella tabella si distinguono due sezioni separate da linee oblique. A sinistra, nel campo di papaveri, predomina il rosso, mentre a destra predomina il verde bluastro. Nella scena, il campo di papaveri è attraversato da due coppie di donne e bambini. Quella che spicca in primo piano è la moglie di Monet, Camille, e il loro figlio Jean, che erano spesso modelli per i suoi dipinti.

6. Impressione del sole nascente, 1872

Tra i dipinti che Monet ha presentato nella Sala dei Respinti, uno ha suscitato un vero scandalo: Impressione del sole nascente. Influenzato dall'opera del pittore romantico inglese William Turner, Monet ha applicato pennellate spesse, quasi macchie che accennano appena alla figurazione. Il principio di complementarietà dei colori ne fa aprire l'ingresso. I colori, accostati, creano la percezione di tonalità complete.

L'atmosfera appare nuvolosa e le acque sembrano muoversi al passaggio di piccole imbarcazioni. Lontano da un paesaggio bucolico, Monet rappresenta sullo sfondo un porto industrializzato, dove macchine a vapore e altre strutture intervengono nella nebbia celeste. Non ha nascosto nulla. La vita è lì per il pittore da ritrarre. Il sole, che resiste a toccare quelle strutture, lascia la sua scia arancione sulle onde del mare.

Dopo la mostra del 1874, il critico d'arte Louis Leroy, partendo dal nome del provocatorio liezo, accusò Monet di limitarsi a un mero "impressionismo". Con la massima dignità, Monet e la sua generazione hanno assunto questa squalifica come nome del movimento.

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7. Serie Stazione di Saint-Lazare, 1877

Intorno al 1877 Monet tornò a Parigi e, rispondendo al suo desiderio di essere un suo pittore tempo, invece di lasciare da parte il mondo quotidiano della città industriale, lo incorpora nella sua tele. Sarà la stazione di Saint-Lazare a offrire a Monet l'opportunità di continuare a esplorare la luminosità e le trame del vapore. Il pittore dedicherà sette tele alla stazione di Saint-Lazare.

A differenza di altre serie in cui Monet ritrae lo stesso paesaggio sotto diverse variabili atmosferiche, come Cattedrale di Rouen, sopra Stazione Saint Lazare Monet ritrarrà non solo diverse atmosfere, ma diversi obiettivi, ambientazioni e prospettive di vita in stazione.

8. Serie mucchi di fieno, 1890-1891

Intorno al 1883 Monet si trasferì a Giverny con la sua nuova compagna, Alice Hoschedé, dopo la morte di Camille nel 1879. Lì si dedica ad esplorare le nuove possibilità che il paesaggio locale gli offre. Senza pianificarlo in quel modo, ha finito per sviluppare una delle sue serie più famose, mucchi di fieno, per un totale di 25 tele. Monet riesce a catturare la leggera diversità che contraddistingue ogni periodo dell'anno, sui cumuli di grano.

Le ambizioni estetiche di Monet sono cresciute nel tempo. Alcune di queste immagini sono state successivamente ritoccate in studio, per raggiungere un livello di perfezione superiore. In realtà, aveva bisogno, dice Paul Smith, non solo di ritrarre un effetto luminoso, ma di creare una composizione armoniosa e una serie esteticamente unificata.

9. Serie Cattedrale di Rouen, 1890-1894

In un momento in cui la Francia stava assistendo a un risveglio di interesse per la cattolicità, Monet dedica per sviluppare questa serie ispirata alla Cattedrale di Rouen, situata nella regione francese di Normandia.

Era la vista dalla finestra di uno studio che aveva affittato dall'altra parte della strada. La serie contava più di trenta pezzi e otto di questi furono venduti prima di essere esposti.

Oltre a catturare la luminosità, elemento caratteristico del suo lavoro, Monet riesce a catturare magistralmente la porosità e la trama della facciata in pietra dell'edificio religioso.

10. Serie Parlamento Londra, dal 1900 al 1904

Durante un periodo di soggiorno a Londra con la moglie Alice, Monet si dedica a ritrarre la veduta dal St. Thomas Hospital, che gli permette di catturare il fiume Tamigi e il paesaggio circostante. La serie di Parlamento di Londra e anche il ponte di Charing Cross e il ponte di Waterloo.

Nella serie su di lui Parlamento di Londra, Monet riesce a rappresentare l'edificio intrecciato con la caratteristica nebbia della città. Ma questa volta il parlamento sarà quasi una fantasmagoria, una sagoma che si apre in uno sfondo carico e nebuloso, trasformato in ombra. Ci ricorda le opere di William Turner.

Anni dopo avrebbe fatto lo stesso nel Serie Venezia, che avrebbe visitato insieme alla moglie nelle mani di un gruppo di appassionati d'arte, e in cui avrebbe catturato varie scene della città emblematica.

11. Serie ninfee, 1883-1924.

Durante il suo soggiorno a Giverny, Monet coltivò un bellissimo giardino con un ponte giapponese. Quel giardino di Giverny non era solo l'hobby di Monet. Fu anche la sua fonte di ispirazione, soprattutto negli ultimi anni della sua vita.

Negli anni il pittore sviluppò una vera passione per la raffigurazione sulle sue tele delle meraviglie del suo giardino: le ninfee. La serie raggiungerebbe un totale di 250 tele, oggi distribuite in molte sale e gallerie di tutto il mondo.

Parte di ninfee Monet sono stati dipinti intorno al periodo della prima guerra mondiale. Nonostante Monet fosse in un mondo privato e tranquillo, Paul Smith racconta che da casa sua si sentiva il passaggio dei treni con le munizioni. Secondo il ricercatore, è possibile interpretare questa serie come uno sforzo del pittore per preservare il mondo che la guerra minacciava di distruggere.

Monet finirebbe infatti per donare una parte della serie allo Stato francese come simbolo di pace, subito dopo la firma dell'Armistizio di Compiègne, firmato l'11 novembre 1918. Questo esemplare, oggi conservato nel Museo dell'Orangerie, è considerato il "Cappella Sistina dell'Impressionismo".

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