7 principali artisti della rinascita e le loro opere eccezionali

Oppure la rinascita, che, dal Trecento al Seicento, fu un periodo di grande effervescenza culturale in Europa e teatro di grandi maestri d'arte, come Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello e Tiziano.

Oppure il ruolo degli artisti rinascimentali è essenziale per i valori e le idee dell'epoca (come valorização do homem e da ciência) fossem trasmesso al pubblico in modo impressionante e armonioso.

Per questo, usano risorse come simmetria, equilibrio, prospettiva e ispirazione non ideale della bellezza classica della cultura greco-romana.

1. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci può essere considerato il più famoso artista rinascimentale italiano. Foi o chi è chama de polymat, una persona con diverse abilità e conoscenze in vari campi dell'arte e della scienza.

Sua ricerca i capelli con conoscenze scientifiche e la creazione di opere d'arte di estrema bellezza e perfezione o Ho innalzato il mio status di genio, essendo lo stesso difficile capire quanto fosse di dimensioni eccezionali possibile.

Sono stato allievo di un noto artista di nome Andrea del Verrochio, dove ha appreso tecniche di pittura e scultura, prospettiva e composizione cromatica.

Da Vinci ha la sede della conoscenza e cerca risposte alle tue domande in modo pratico, indagando attraverso esperimenti, non solo attraverso mezzi accademici.

Assim, cercando una maggiore comprensione del corpo umano, diffonde maggiormente il trinta corpos (incluso condurre studi su o crescita di feti non uterini), o che ho permesso di ritrarre con perfeição per figura umana

Ha condotto numerose ricerche in settori quali ingegneria, architettura, urbanistica, idraulica, matematica, geologia e chimica. Nel frattempo, ci sono alcune arti che si sono distinte di più.

I suoi studenti aspirano ad acquisire maggiori informazioni e padronanza della natura in modo da poter svolgere la loro arte in modo più coerente.

Dessa forma, o artista ganhou enormi projeção e reconhecimento na renascença, pois nessa epoch to era in evidenza la valorizzazione della ragione, della scienza e dell'essere umano, o che si manifestava nelle sue lavoro.

Da Vinci morì nel 1519, in Francia, all'età di 67 anni. Si può dire che sia stato un genio incompreso, nonostante l'immenso riconoscimento.

Monna Lisa (La Monnalisa, in origine), risale al 1503 ed è l'opera più famosa di Leonardo da Vinci, che integra la collezione del Museu do Louvre, na França. Una tela, di dimensioni ridotte (77 x 56 cm), mostra l'immagine di una moça da region di Florença.

O un'opera impressionante per il suo realismo, armonia e atmosfera misteriosa. Un giovane ha una feição piuttosto intrigante che non è mai stata studiata da molti ricercatori, preoccupati di indagare quali sarebbero le emozioni mostrate sul tessuto.

Una donna è ritratta con estrema armonia ed equilibrio, simboleggiando lo stesso tempo o enigma dell'esistenza umana. Per questo motivo è considerata un'importante opera d'arte rinascimentale, dato che in nessun periodo queste caratteristiche furono molto apprezzate.

Una tecnica utilizzata dall'artista foi o sfumato (sviluppato da lui), in cui la luce degrada solo leggermente, conferendo maggiore fedeltà all'effetto della profondità. Successivamente, questo metodo verrà utilizzato anche da altri artisti.

2. Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

O italiano Michelangelo Buonarroti é também um dos maiores nomes do renascimento no Cinquecentto, ultima fase di Renascença, o correre dal 1500.

Da artista importante per questo periodo, puoi tradurre nella sua arte tutta la sensibilità e l'abilità nella rappresentazione dell'essere umano.

O fatto ovvio nelle parole di Giorgio Vasari, un altro artista di quel tempo:

L'idea di questa straordinaria dimora era il comportamento del corpo umano e le sue perfette proporzioni, una prodigiosa diversità dei suoi atteggiamenti e una totalità di persone ed esaltazione dell'anima.

La sua carriera artistica cameçou cedo. All'età di tredici anni fu allievo del maestro Domenico Ghirlandaio, che gli trasmise le conoscenze tecniche della pittura fresca e del disegno. Intanto un artista curioso cerca ispirazione anche in altri nomi, come Giotto, Massaccio e Donatello.

Michelangelo, come da Vinci, si dedicò anche alla ricerca dell'anatomia umana, analizzando i cadaveri e districandosi dalle loro osservazioni. Tornou-profonda conoscenza del corpo, riproducendo alla perfezione disegni e sculture di persone in angoli insoliti.

Ha prodotto opere in vari linguaggi artistici, come la pittura, la scultura e l'architettura, essendo considerato così talentuoso da essere chiamato O Divino.

Michelangelo ebbe una vita lunga e fallimentare nel 1564, all'età di 88 anni. La sua tomba si trova nella Igreja da Santa Cruz de Florença, in Italia.

Spiccano alcune opere importanti e che testimoniano l'abilità di Michelangelo nella rappresentazione di figure umane e Pietà.

Una scultura è stata realizzata nel 1499 in marmo con dimensioni di 174 x 195 cm, che può essere vista nella Basilica di São Pedro, non in Vaticano.

Qui, a cena esibita nel momento in cui Maria era sicura filho Jesus, já sem vida, we braços. I corpi sono mostrati come exatidão.

L'artista è riuscito a trasformare il marmo rigido in rappresentazioni di muscoli, sguardi ed espressioni facciali in modo impressionante e armonioso.

Un'altra caratteristica degna di nota non funziona sulla composizione in formato piramidale, comune nelle opere in rinascita.

Per isso, un'opera è uno dei più conhecidos dele, e il prossimo Davide e due frutta fresca Capela Sistina, trasformato in un'icona della cultura rinascimentale feita pelas mãos do mestre.

3. Raffaello Sanzio (1483-1520)

Rafael Sanzio era un artista che ha dimostrato il suo talento quando ancora studiava nell'ufficio del famoso maestro Pietro Perugino, nella regione italiana dell'Umbria.

Come artista che sviluppò con grande successo alcune caratteristiche della pittura rinascimentale, come o equilibrio di forme, nuclei e composizione, vendo simmetria un punto importante da essere lavorato.

Intorno al 1504 visitò Florença, dove Michelangelo e Da Vinci avevano provocato grandi trasformazioni artistiche. Rafael, porém, non si è lasciato intimidire e ha approfondito la sua conoscenza della pittura.

L'artista era noto per dipingere molte immagini di Virgem Maria (come Madonas). Queste tele hanno un carattere e una spontaneità, oltre che la personalità del pittore.

In quel momento Raffaello fu invitato a recarsi a Roma e fece molte opere per il Vaticano, su richiesta di papa Giulio II, e poi di Leone X.

Rafael Sanzio morì nel 1520, a 37 anni, non nel giorno del suo anniversario, il 6 aprile.

Alcune delle opere che spiccano di più nella sua produção é Alla Scuola di Atene (1509-1511). O pannello di 770 x 550 cm, fu ordinato e ritrovato nei Palazzi Vaticani.

Una cena mostra un locale dove sono presenti diverse personalità di intellettualità e filosofia grega, come Platão e Aristóteles, o che evidenzia la valorizzazione dell'attuale cultura classica not rinascita.

Un altro punto importante in questo lavoro è come l'ambiente è stato esposto, ritraendo grandi domini di prospettiva e profondità.

Per saperne di più sull'artista, leggi: Rafael Sanzio: opere principali e biografia.

4. Donatello (1386?-1466)

Donatello, il cui nome era Donato di Niccoló di Betto Bardi, era un artista della regione di Florença, considerato uno dei due scultori più famosi del suo tempo.

Mi occupo anche di importanti trasformazioni artistiche del periodo Quatrocentto (Seculum XV), pois afastava-se dà caratteristiche dell'arte gotica, non comum medievale.

Attraverso diverse opere è possibile osservare l'enorme senso immaginifico di Donatello, così come la sua capacità di trasmettere l'idea di movimento alla scultura, poiché rimane ferma e vigoroso.

Fece molte statue di santi e figure bibliche, inserendole in un'atmosfera umana, come era proprio della rinascita.

Lavorando con materiali come il marmo e il bronzo, produce opere che eccellono principalmente nella rappresentazione del corpo umano e dei due gesti.

Conquistò la sua ricostituzione durante la sua vita e morreu nel 1466 a Florença, dove è sepolto.

Alcune delle sue opere, più di quanto noterete David, feita em bronze tra il 1444 e il 1446. Una peça rappresenta un passaggio biblico in cui David esegue il gigante Golia.

Questa è stata la prima opera che espone nudiz depois di un periodo di mille anni, ispirata all'arte classica greco-romana. Nell'opera, David è raffigurato come un giovane che porta una spada e una pietra ogni pochi giorni ed è a capo dei suoi anni nefasti.

Donatello utilizza una risorsa statutaria chiamata contropost, che consiste nel collocare la figura sostenuta in un due pés, enquanto o peso ed equilibrata, non il resto del corpo. Tale manufatto garantisce maggiore armonia e naturalezza alla scultura.

5. Sandro Boticcelli (1446-1510)

Il fiorentino Sandro Boticcelli fu un importante artista del Quattrocento che riuscì a trasmettere sulle sue tele un'aura armoniosa e aggraziata.

Attraverso la rappresentazione di cene bibliche o mitologiche, il pittore ha rivelato il suo ideale di bellezza, ispirato dalla cultura classica dei tempi antichi.

Così le figure ritratte hanno la bellezza delle divinità unita ad una certa malinconia.

O nascita di Venere (Nascita di Venere) Ci sono alcuni tessuti in cui possiamo vedere queste caratteristiche, essendo forse uno dei punti salienti di Boticcelli.

L'opera è stata concepita nel 1484, misura 172,5 x 278,5 cm e integra la collezione della Galleria degli Uffizi, in Italia. Nela è ritratta alla cena mitologica dell'emergere dell'amore, Vênus, che emerge da una conchiglia in rame del suo sesso con i capelli.

O opera fu commissionata da un ricco mecenate della famiglia Medici ed espone il giovane in posizione serena, Essere ricevuto come una chuva di fiori da entità alate e una ragazza che offre un manto di cor-de-rosa.

Non possiamo osservare alcun quadrato di grazia e leggerezza, che si rivela da figure giovani e belle. È presente una bellezza che non si notano alcuni difetti in termini di composizione corporea, come il pesce allungato e le spalle leggermente cadenti della figura principale.

6. Tiziano (1485-1576)

Tiziano era due affermati pittori del Rinascimento veneziano. La sua città d'origine e il Cadore, ma anche bambino, nasce a Veneza e la segrega imparando a dipingere.

Ebbe grande fama per tutta la vita, divenendo un'arte di un miscuglio di nuclei con la stessa abilità che il suo contemporaneo Michelangelo conosceva o meritava.

Ha usato i nuclei con saggezza, ottenendo attraverso di essi una composizione coerente e armoniosa.

Aliás, la composizione dell'opera di Tiziano è qualcosa da percepire come una rottura nell'arte che è stata prodotta. O pittore è passato a inserire in noi gli elementi in modo sorprendente e insolito.

Sono stato inoltre premiato per anni dai suoi ritratti e dalla sua capacità di trasmettere la sensazione di vivacità delle persone, esibite come olhares espressivi e potenti.

La sua vita fu lunga, morendo nel 1576 a Veneza, in Italia, vittima della peste che devastò l'Europa un tempo.

Un assunção da Virgem È una delle sue opere eccezionali, si dice che Tiziano avvii un costume più indipendente di influenza da altri maestri, come Giorgione, suo grande riferimento.

Un grande pannello fu dipinto nella Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frai nel 1518 ed espone la Vergine Maria che sale all'età degli apostoli per osservarmi.

Una luce che banha a cena è di una bellezza paradisiaca e tutta composizione e feita in modo da dirigere o olhar il pubblico dal basso verso l'alto.

7. Tintoretto (1518-1594)

Jacopo Robusti era detto Tintoretto e fu pittore della seconda meta del XV secolo, di un movimento noto come Maniirismo.

L'artista percepisce un'usura nel modo in cui le forme e le anime sono state presentate in questo momento, con semplicità e bellezza, ma ancora viste, con molta emozione.

Allo stesso tempo, portano un carico più drammatico ed espressivo alle cene che si prefiggono di rappresentare, per lo più bibliche e mitologiche.

Per entrambi risorse come un marcato contrasto tra luci e ombre, gesti e movimenti eccentrici e cuori meno teneri. Il suo obiettivo era creare tensione ed emozione non da parte dello spettatore, senza preoccuparsi eccessivamente della tecnica.

Em Ultimo ceia possiamo vedere lo stile di Tintoretto in modo evidente. L'opera mostra la cena biblica in cui Gesù fa l'ultimo riferimento alla compagnia dei suoi discepoli e risale al 1594, ultimo anno della sua vita.

Questa composizione ha grandi dimensioni di 3,65 m x 5,69 m, situata a Veneza, nella Basilica di San Giorgio Maggiore.

I colori usati come capelli del pittore sono scuri e rivelano un'atmosfera cupa, mistica e drammatica. Possiamo dire che la combinazione di colori è un elemento essenziale per comprendere l'immagine.

Além disso, poiché i personaggi presentano un'aura luminosa attorno ai loro corpi, in particolare Gesù, o che fornisce un grande contrasto e impatto visivo. Il tavolo ceia è disposto in diagonale, tracciando un uso insolito della prospettiva tradizionale.

Gli elementi che vengono mostrati non verranno mostrati in seguito, verranno approfonditi, non un movimento che vedo seguire, o barocco.

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Riferimenti bibliografici:

• GOMBRICH, E. h. Una storia regala l'arte. Rio de Janeiro: LTC - Libri tecnici e scientifici.
• PROENÇA, Graça. Storia dell'arte. San Paolo: Editora Ática.