10 ძირითადი მხატვრული მიმდინარეობა: რა არის ისინი?

გომბრიხმა თავის დიდებულ ხელოვნების ისტორიაში თქვა, რომ ხელოვნება არ არსებობს, მხოლოდ მხატვრები. გარკვეულწილად, ეს სრულიად მართალია, რადგან თითოეული შემოქმედი გამოხატავს თავისი სამყაროდან, უნიკალურ და გადამდები. თუმცა, არანაკლებ მართალია, რომ ხელოვანები დროს ვერ გაექცევიან. მაშასადამე, თითოეული მხატვრული გამოხატულება ექვემდებარება კონკრეტულ კონტექსტს და, რაც არ უნდა ცდილობდეს ხელოვანი საკუთარი თავის განცალკევებას, იგი მეტ-ნაკლებად ექვემდებარება მას.

შემდეგ ვაპირებთ პრაქტიკულ შეჯამებას, თუ რა არის ხელოვნების ისტორიაში ძირითადი მხატვრული მიმდინარეობები. ეს სტატია მხოლოდ ძირითადი მონახაზია; გავიხსენოთ, რომ არაფერია შავი და თეთრი და რომ არსებობს უამრავი ნიუანსი. ყველა კულტურა და ყველა დრო რაღაცნაირად გამოხატავდა ხელოვნებას.

ძნელია ასეთ პატარა სტატიაში შევაჯამოთ ყველა მათგანის არსებითი მახასიათებლები, მაგრამ შევეცდებით მოგცეთ მიმოხილვა, რომელიც შეიძლება იყოს პრაქტიკული, როდესაც საქმე ეხება ხელოვნების ევოლუციის გაგებას ისტორიის განმავლობაში. როგორც წერტილი, თქვით ეს ჩვენ სტატიაში ყურადღება გავამახვილეთ დასავლურ ხელოვნებაზე, ვინაიდან სრულიად შეუძლებელია უნივერსალური მხატვრული გამოხატულების შეჯამება ასე მცირე სივრცეში.

. ვიმედოვნებთ, რომ თქვენთვის სასარგებლო იქნება.

• გირჩევთ წაიკითხოთ: „რატომ შეიქმნა ხელოვნება? მოგზაურობა ისტორიაში"

რა არის მხატვრული მიმდინარეობა?

მხატვრული მიმდინარეობები (ასევე ცნობილი როგორც მხატვრული მოძრაობები) არის შემოქმედების ერთობლიობა, რომელიც გააზიარეთ კონტექსტი და მთელი რიგი ესთეტიკური მახასიათებლები, ასევე იდეოლოგიური მიზნები განსაზღვრული. ამ განსაზღვრების შემდეგ, მხატვრულ მიმდინარეობას ასევე შეგვიძლია ვუწოდოთ ის ხელოვნება, რომელიც შექმნილ იქნა დიდი უძველესი კულტურების მიერ, როგორიცაა ეგვიპტე, საბერძნეთი ან მესოპოტამია.

თუმცა, ეს მთლად სწორი არ არის. ზემოხსენებულ ცივილიზაციებში შექმნის სხვა შესაძლებლობა არ არსებობდა; ეს იყო მთლიანი კულტურის ნამდვილი გამოხატულება, ამიტომ გარკვეულწილად სარისკოა მას ვუწოდოთ მხატვრული ნაკადი.. ამიტომ ვაპირებთ ჩვენი მოგზაურობის დაწყებას შუა საუკუნეების ბოლო საუკუნეებიდან, როცა განსხვავებული კულტურული მოძრაობები სწრაფად იწყებენ ერთმანეთის მიყოლას და კულმინაციას მიაღწევენ სტილის მოზაიკაში, რომელიც მოხდა მეცხრამეტე საუკუნეში. და მეოცეში

1. რომანული

რომანული, ალბათ, პირველი სრულად ევროპული სტილია, გარკვეული გლობალური მახასიათებლებით.. და, მართალია, ეს არ იყო ისეთივე ერთგვაროვანი სტილი, როგორც სხვა გვიანდელი ტენდენციები, როგორიცაა ბაროკო ან რომანტიზმი, მართალია, ევროპის ყველა განედში იზიარებს ელემენტების სერიას, რაც მას მეტ-ნაკლებად სტილს აქცევს. კომპაქტური.

რომაული გაჩნდა დაახლოებით მე-11 და მე-12 საუკუნეებში ბურგუნდიაში; კონკრეტულად, კლუნის სააბატოში. იქიდან იგი გავრცელდა დანარჩენ ევროპაში, სადაც ყოველი ტერიტორია თავისებურ მახასიათებლებთან ერთად აბანავებდა მას. ჩვენ ვერ გავაკეთებთ სრულ ანალიზს, თუ რა არის რომაული, მაგრამ შეგვიძლია შევაჯამოთ, რომ არქიტექტურულად იგი მოიცავს რომაულ კონსტრუქციულ ელემენტებს (აქედან გამომდინარე, სახელი მიენიჭა მე-19 საუკუნეში) და რომ მისი საფუძველია ნახევარწრიული თაღი, ლულის სარდაფი და საზარდულის სარდაფი, სხვა მრავალ ელემენტთან ერთად. კონსტრუქციული.

არქიტექტურული რომანესკა ემორჩილება ევროპაში ლიტურგიის გაერთიანების აუცილებლობას და ე.წ. რომაულ შენობებში, ქანდაკება, როგორც წესი, ექვემდებარება არქიტექტურას, და ჩვენ ვხვდებით სკულპტურული დეკორაციის უფრო დიდ სიმრავლეს ყურის ბარბებზე და კარების არქივოლტებზე..

მეორეს მხრივ, რომაული მხატვრობა ეყრდნობა ბიზანტიურ ხატებს, რომლებიც ჯვაროსნული ლაშქრობებით აღმოსავლეთიდან მოვიდა, ისევე როგორც მოზარაბულ მინიატურებს. ეს არის იერატიკული ნახატები, ძალიან არარეალური, რომელთა მთავარი მიზანი იყო გზავნილის გადმოცემა და არა რეალობის კოპირება. ამ მიზეზით, რომაულ ფერწერულ სივრცეებში არ არის არც პერსპექტივა და არც მოცულობა და მიწიერი ელემენტები შერეულია სამოთხესა და ჯოჯოხეთში, სათანადოდ გამოყოფილი ნათელი ფერების ზოლებით.

2. გოთიკური

შემდეგი სრულიად ევროპული სტილი იყო გოთური. განსაკუთრებით ერთგვაროვანი იყო ეგრეთ წოდებული საერთაშორისო გოთიკა, რომელიც განვითარდა მეთოთხმეტე საუკუნეში და აღადგინა ბიზანტიური ოქროს ფონი იდეალურად სტილიზებული ფიგურებით. გოთიკურში წარმოდგენები იწყებენ რეალობით გამსჭვალვას და ფიგურები უფრო ადამიანური ხდებიან. ეს არის ქალაქების დრო, ვაჭრობის აურზაური, დიდი ტაძრები. გოთური ქალწულები იწყებენ ნამდვილ დედებს, შორს არიან ღვთისმშობლისა და ტახტის ქალწულებისგან, იერატიკული, რომლებიც არ ურთიერთობდნენ ბავშვთან. მეორეს მხრივ, ჯვარცმული, როგორც ფერწერული, ისე სკულპტურული, ნატურალიზებული ხდება და იწყებს ტკივილის ჩვენებას.

გოთიკის ყველაზე დამახასიათებელი ელემენტია, რა თქმა უნდა, ტაძრები. ამ შენობების არქიტექტურული ენა ძალიან ახალია; ამის მიუხედავად, ჯორჯო ვასარიმ მე-16 საუკუნეში ეს კონსტრუქციები „ბარბაროსულად“ (გოთიკურად) აღწერა. მფრინავი საყრდენები და საყრდენები მრავლდება, შექმნილია სტაბილურობის მისაცემად მზარდი სიმაღლის შენობას მეტი ღიობებით (საოცარი გოთური ვიტრაჟები). მნიშვნელოვანია გვახსოვდეს, რომ ისევე, როგორც რომაული, გოთური შენობები მთლიანად იყო პოლიქრომული, ფაქტი, რომელიც ასახავს იმ დიდ სიყვარულს, რომელიც შუა საუკუნეებში გრძნობდა ქრომატულ ტონებს განათებული.

3. რენესანსი

მიუხედავად იმისა, რომ კლასიკური კულტურა არ იყო დავიწყებული შუა საუკუნეებში, ეს იყო რენესანსის ეპოქაში შეგნებულად აღადგინეთ კლასიკური მცნებები, როგორიცაა რომაული ვიტრუვიუსის არქიტექტურული ტრაქტატები (I საუკუნე). მე ა. გ.). სწორედ ამ დროს ხდება მხატვრის ინტელექტუალიზაცია, რომელიც იწყებს აღქმას, როგორც რაღაც უფრო მეტს, ვიდრე უბრალო ხელოსანს.

რენესანსი იწყება ფლორენციაში მე-15 საუკუნის დასაწყისში, ისეთი სამუშაოებით, როგორიცაა ბაპტისტერიის კარები ან ბრწყინვალე გუმბათი, რომელიც ბრუნელესკიმ დააპროექტა საკათედრო ტაძრისთვის., რომლის დიამეტრი არ იყო მიღწეული ჩვენი წელთაღრიცხვის პირველ საუკუნეში პანთეონის აგების შემდეგ. გ. არქიტექტორები შთაგონებას ეძებენ ანტიკურ ნაგებობებში, ხოლო მხატვრები, არარსებობის შემთხვევაში. მოდელები (პომპეი და ჰერკულანეუმი ჯერ კიდევ არ იყო აღმოჩენილი) შთაგონებულია ფრესკებით, რომლებიც ამშვენებს Domus Aurea-ს ნერონი.

თუმცა, რენესანსის ყველაზე მნიშვნელოვანი ინოვაცია იყო მათემატიკური პერსპექტივა, რომელიც კოდირებულია ლეონ ბატისტა ალბერტი (1404-1472) თავის ტრაქტატში De pictura, რომლისთვისაც მან გამოიყენა იდეები ბრუნელესკი. მას შემდეგ, მხატვრობა შეეცდება იყოს ფანჯარა ღია სამყაროსკენ, სადაც პერსპექტივა მიიღწევა ერთი გაქრობის წერტილით, სადაც ყველა ხაზი იყრის თავს.

4. ბაროკოს

მე-16 საუკუნის ბოლო წლებში რენესანსი მთლიანად ამოწურულია და ამის ნაცვლად, ჩნდება მანერიზმი, რომელსაც მხატვრობაში ახასიათებს დრეკადობა და სტილიზაცია ფიგურები. მაგრამ მომდევნო საუკუნის დასაწყისში კონტრ-რეფორმაციულ ევროპაში ახალი ესთეტიკური ტენდენცია დაიწყო: ბაროკო.

შეიძლება ითქვას, რომ ბაროკო კათოლიკური ეკლესიის კონტრრეფორმაციის შვილია, რომელსაც თავისი რწმენისთვის გამოხატვის საშუალება სჭირდებოდა.. მიზანი იყო რომის ეკლესიაში მორწმუნეების შენარჩუნება და ლუთერანიზმისკენ მიგრაციის თავიდან აცილება. ბაროკოს ენა, მაშ, ამ ნების ანარეკლია; ფერწერაში ემოცია ტანჯვის გამოსახვის გზით ხდება ხელშეწყობა. წმინდანთა უცნაური ლეგენდები, რომელთა წინააღმდეგაც პროტესტანტები ქადაგებდნენ, აღმოფხვრილია და წმინდა ფიგურები წარმოდგენილია მათი ატრიბუტებით. რელიგია ხალხში დაქვეითებულია და ყოველდღიურ სცენებში ჩნდებიან ბიბლიური პერსონაჟები, რომელთა მოდელებიც პირდაპირ რეალობიდანაა აღებული.

არქიტექტურაში შეიძლება ითქვას, რომ ბაროკო ჯერ კიდევ ძალიან კლასიცისტურია, განსაკუთრებით საფრანგეთში. ვერსალის სასახლე ამ ელეგანტური ფრანგული კლასიციზმის შესანიშნავი მაგალითია. მეორეს მხრივ, და როგორც ეს ჩვეულებრივ ხდება ყველა სტილში, თითოეული ტერიტორია წარმოშობს განსხვავებულ ბაროკოს: მაგალითად, გაერთიანებულ პროვინციებში, სადაც არ არსებობს ხოლო კათოლიკურ ეკლესიას და სადაც მფარველები არიან ქალაქების ბურჟუები, განვითარებულია ინტიმური მხატვრობა, რომლის მაქსიმალური წარმომადგენელია იოჰანეს ვერმეერი.

5. როკოკო

არასწორად განიხილება, როგორც ბაროკოს გაგრძელება, როკოკო არის მე-18 საუკუნის პირველი ნახევრის, განმანათლებლობის ხანის ნამდვილი გამოხატულება. განათლებულ ფილოსოფოსებთან ერთად, ეს სტილი აღნიშნავს ცხოვრების სიტკბოს, ინტიმურ ურთიერთობას, სახლის კომფორტს და ყველაფერს, რაც მშვენიერია ყოველდღიურ ცხოვრებაში.

ამიტომ არის როკოკოს მოტივები ბედნიერი, სადღესასწაულო, სულაც არა დრამატული: პასტორალური, ბუკოლური, მასკარადი, გალანტური, ფლირტის სცენები და ა.შ. ერთი სიტყვით: როკოკო არის სიცოცხლის სიხარული, ცხოვრების სიხარული ძველი რეჟიმის მდიდარი კლასებისთვის..

6. ნეოკლასიციზმი

მრავალი თვალსაზრისით, ნეოკლასიციზმი აღნიშნავს როკოკოს შეწყვეტას. ასევე საფრანგეთში, ისევე როგორც მისი წინამორბედი, ეს ესთეტიკური მიმდინარეობა შესანიშნავი გამოხატულებაა საფრანგეთის ახალი რესპუბლიკისთვის: ფხიზელი, მკაცრი, ჰარმონიული და რესპუბლიკური სტილი. ნეოკლასიციზმი შთაგონებულია, რა თქმა უნდა, კლასიკური ხელოვნებით. ფერწერაში უპირატესობას ანიჭებს გრანდიოზულ და საზეიმო თემებს, რომლებიც ხალხისთვის სათნოების ნიმუშს წარმოადგენს; ამის შესანიშნავი მაგალითია დიდი ნეოკლასიკური მხატვრის ჟაკ-ლუი დავითის (1748-1825) ტილოები. მეორე მხრივ, ნეოკლასიკური არქიტექტურა პრაქტიკულად ძველი ბერძნული და რომაული ტაძრების იმიტაციაა; ამის გასაგებად საჭიროა მხოლოდ პარიზის მადლენის ეკლესიაზე ფიქრი.

ნეოკლასიკური სტილი ცხოვრობდა თავის ზენიტში ნაპოლეონის ეპოქაში, რადგან მისი რომაული და საბრძოლო ესთეტიკა ძალიან კარგად შეეფერებოდა იმპერიას, რომელიც დიდმა კორსიკელმა შექმნა.. ნაპოლეონის დაცემის შემდეგ, ნეოკლასიკური ფორმები მოძველდა და, მიუხედავად იმისა, რომ მათი ესთეტიკა ძალიან ცოცხალი დარჩა (განსაკუთრებით, არქიტექტურა) მთელი მე-19 საუკუნეში, საუკუნის პირველ ათწლეულებში პირველი გამონათქვამები რომანტიზმი.

7. რომანტიზმი

ხელოვნების ისტორიაში ხშირია სტილი, რომელიც ნაწილობრივ იბადება წინა სტილის საპასუხოდ. და მიუხედავად იმისა, რომ არაფერია შავი ან თეთრი და ამ განცხადებაში ბევრი ნიუანსია, ჩვენ ამის მტკიცებულებას ვპოულობთ ისეთ შემთხვევებში, როგორიცაა რომანტიზმის დაბადება. მაშინ როცა ნეოკლასიციზმი იყო რესპუბლიკური, ჯერ, და რომის იმპერიის აპოთეოზი, მოგვიანებით, ყველა დისციპლინა, რომელსაც ეს გულისხმობს, რომანტიზმი დაიბადა, როგორც ადამიანის სუბიექტურობის გამართლება და, შესაბამისად, ინდივიდუალური. ხელოვნება აღარასოდეს განიხილება, ყოველ შემთხვევაში ექსკლუზიურად, როგორც ძალაუფლებას დაქვემდებარებული; ეს არის მხატვარი, რომელიც ქმნის, ეს არის მისი მე, რომელიც იძლევა მხატვრულ გამოხატვას. ავთენტური შემოქმედი ეწინააღმდეგება აკადემიას და ყველა კორსეტულ ნორმას, რომელიც ახშობს ხელოვნებას.

ყველა შემდგომი მიმდინარეობა, რომელიც ამაღლებს შემოქმედებით ინდივიდუალიზმს, სვამს რომანტიზმისგან: პრერაფაელიტები, სიმბოლისტები, ექსპრესიონისტები და, რა თქმა უნდა, სიურრეალისტები.. ამ უკანასკნელის შემთხვევაში ისინი საზღვრამდე იკვლევენ ადამიანის ფსიქიკის სიღრმეებს, რასაც რომანტიკულები ასი წლით ადრე, როდესაც წარმოადგენენ საოცნებო სამყაროებს, საშინელ, აჩრდილებით, სამარხებითა და გამოსახულებებით სავსე ნაყოფს. დელირიუმი. მეორე მხრივ, რომანტიული მიმდინარეობა დიდ მნიშვნელობას ანიჭებს სამშობლოს და ერს, სანამ ასეა შედგება ინდივიდების მიერ, რომლებიც გადაწყვეტენ და მიდრეკილნი არიან ერების წარსულის იდეალიზაციას და მის გადაქცევას ლეგენდა.

8. რეალიზმი და ნატურალიზმი

დაახლოებით 1850 წელს რომანტიზმი იწურება. ეს არის პოზიტივიზმის, ტექნოლოგიური მიღწევების, მეორე ინდუსტრიული რევოლუციის დრო. ქალაქებში იზრდება ქარხნები და მრავლდება უბედური ადამიანები, რომლებიც არაადამიანურ პირობებში ცხოვრობენ. სწორედ მაშინ იწყებს ხელოვნება რომანტიკოსების მიერ გამოცხადებული იდეალური სამყაროების დავიწყებას და ინტერესდება სოციალური პრობლემებითა და კონფლიქტებით.

როგორც პლასტიკურ ხელოვნებაში, ასევე ლიტერატურაში, განმეორებადი თემაა სოციალური დენონსაცია. მშიერი მუშები, რომლებიც მოჩვენებებივით ტოვებენ ქარხნებს; გახეხილი და ბინძური ბავშვები; მეძავები, მათხოვრები, სამრეცხაოები, მომავლის გარეშე ახალგაზრდები. ამრიგად, რეალიზმი ერთგულია სოციალური რეალობის მიმართ..

მოგვიანებით, ფსიქოლოგიისადმი მზარდი ინტერესი აიძულებს რეალისტური მიმდინარეობის განვითარებას ნატურალიზმისკენ, რაც ობიექტურობასა და დაკვირვებას ზღვრამდე სწვდება. ნატურალისტი მხატვარი, რომელსაც ლიტერატურაში ბრწყინვალედ წარმოადგენს ემილ ზოლა (1840-1902), ხედავს. რეალობა, როგორც კვლევითი ლაბორატორია, სადაც არსებები მოქმედებენ სტიმულის საფუძველზე ნახევარი. ამ უაღრესად მეცნიერულ ხელოვნებაში არ არის ადგილი სუბიექტურობისთვის, მით უმეტეს თავად სილამაზისთვის.

9. ესთეტიზმის მიმდინარეობები

ამ ხელოვნების საპასუხოდ, რომელიც მეცნიერებად იქცა და რომელიც იგნორირებას უკეთებს სამყაროს სილამაზეს, მე-19 საუკუნის ბოლოს გაჩნდა მიმდინარეობების სერია, რომელიც გამოაცხადა ხელოვნება ხელოვნებისთვის. ეს არის პრერაფაელიტური ძმობის, დეკადანსის, პარნასიანიზმის, სიმბოლიზმისა და არტ ნოვოს შემთხვევა, რომელიც ესპანურ ქვეყნებში უფრო ცნობილია როგორც მოდერნიზმი.

ყველა ამ მიმდინარეობაზე აქ ვერ ვისაუბრებთ, მაგრამ შეგვიძლია აღვნიშნოთ, რა აქვთ მათ საერთო: ძლიერი ზიზღი პოზიტივიზმის, ტექნოლოგიური წინსვლის, ქარხნების, სამეცნიერო პროგრესის, როგორც სილამაზის კასტრატორის მიმართ. მაშასადამე, ყველა ამ ესთეტიკურ მიმდინარეობას მოუნდება, დაუბრუნდეს ხელოვნებას, როგორც სილამაზის ექსკლუზიურ შემოქმედს.

10. ავანგარდებს

ჩვენ კვლავ არ შეგვიძლია ვისაუბროთ ყველა ავანგარდზე, რომელიც მომრავლდა მე-19 საუკუნის ბოლო წლებში და მე-20 საუკუნის პირველ ათწლეულებში, მაგრამ მაინც შევეცდებით მათ დასახელებას. ოფიციალური ავანგარდები მე-20 საუკუნის დასაწყისში ჩნდებიან. მათგან პირველად ითვლება ფოვიზმი, მიმდინარეობა, რომელიც ფერს აფასებდა როგორც სუბიექტური გამოხატვის საშუალებას და არა როგორც რეალობის მიბაძვას. ფოვის შემდეგ, რომლებმაც გამართეს პირველი გამოფენა 1905 წელს, ავანგარდი ისე სწრაფად მიჰყვებოდა ერთმანეთს, რომ ზოგიერთი მათგანი გადაფარდა: ექსპრესიონიზმი, ფუტურიზმი, კუბიზმი, დადაიზმი, სიურრეალიზმი...

ავანგარდი მე-20 საუკუნის ხელოვნების მთავარი მახასიათებელია. ეს არის მოძრაობების სერია, რომელიც ეწინააღმდეგება დადგენილ ნორმებს, მახასიათებლების მქონე ხელოვანთა ჯგუფებს საერთო, რომლებიც იკრიბებიან და ქმნიან ერთგვარ ფერწერულ სკოლას, როგორც წესი, ძირითადი იდეოლოგიური მანიფესტით. ამჟამად ჩვენ ვცხოვრობთ ინდივიდუალობის ახალ ეპოქაში, რომელიც ქმნის მხატვრულ მიმდინარეობას დაბინდვა და დაქუცმაცება ათას ნაწილად, ასე რომ, ჩვენ ძნელად შეგვიძლია ვისაუბროთ მიმდინარეობაზე, მაგრამ იმაზე მხატვრები. მაგრამ არის თუ არა ის, რომ შესაძლოა, სიღრმეში (და როგორც გომბრიხმა თქვა) ყოველთვის ასე არ იყო?