인상주의: 그것이 무엇이며 이 예술적 스타일의 특징

인상주의의 세계는 벨 에포크. 시작, 1874년; 파리는 혁신과 변화로 들끓고 있었습니다. Boulevard des Capucines에서 전 사진 작가의 스튜디오는 밤 10 시까 지 매일 열려 있습니다. 내부에는 미술 평론가인 루이 르로이가 경멸적으로 "인상파"라고 불렀던 혁신적인 예술가들의 작품이 전시되어 있습니다. 이것이 그가 풍자 신문에 쓴 기사에서 인용한 방법입니다. 르 샤리바리: “인상파 전시회”. 종종 발생하듯이, 교단은 처음에는 조롱하고 저자들을 조롱하려는 유일한 의도를 가지고 시간을 초월하여 운동에 공식 명칭을 부여하게 됩니다.

1874년 4월, Boulevard des Capucines에서 전시를 하고 있던 그 젊은이들은(그렇게 젊지 않은) 누구였습니까? 공식 예술에 환멸을 느낀 예술가 그룹(그들이 자신의 창작물에 자유로이 고삐를 부여하는 것을 허용하지 않음)은 원래의 이름이 아닌 익명 예술가 협회, 페인트르, 조각가, 그라브르, 등. 전시회는 Leroy가 그룹에 이름을 부여하도록 영감을 준 작업을 보여주었습니다. 인상. 떠오르는 태양클로드 모네.

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인상주의의 특징: 반항적인 화가?

만약 이 예술가들이 공식 살롱 밖에서 전시해야 한다면 그것은 물론 그의 스타일은 호평을 받지 못했다. 그리고 실제로; 우리는 이미 비평가 Louis Leroy가 그의 기사에서 어떻게 그들을 가혹하게 공격하는지 언급했습니다. 그러나 이 화가 집단에게 주어진 반역의 명성은 Boulevard des Capucines(수년 후에 인상주의가 될 것의 배아)는 당연한. 왜냐하면 이 운동이 힘을 얻은 것은 이 1874년 전시회에서였다는 것은 사실이지만(그리고 그것과 함께 그것이 수행한 모든 반학문적 혐의도) 그렇지 않았기 때문입니다. 얼마 전까지만 해도 감히 붓놀림을 가볍게 하고 캔버스 위의 캔버스에 빛과 분위기를 포착한 다른 예술가들이 있었습니다. 모양.

인상주의의 아버지 에두아르 마네?

Édouard Manet(1832-1883)은 전통적으로 운동의 "영적 아버지"로 여겨져 왔으며, 예술가가 결코 그것과 완전히 동일시하거나 인상파와 함께 전시하지 않았다는 사실에도 불구하고. 물론,

마네는 자신의 두 작품이 상당한 파문을 불러일으켰음에도 불구하고 결코 자신을 "반란적인 예술가"라고 생각하지 않았습니다.. 우리는 실제로 잘 알려진 것에 대해 이야기하고 있습니다. 풀밭에서 점심 식사 (1863)에 의해 거부되었습니다. 라운지 공식적이고 그다지 유명하지 않은 올림피아, 같은 해에 만들어졌지만 1865년에 전시되었습니다.

전통적으로 스캔들은 신화나 알레고리와는 거리가 먼 맥락(허용된 유일한 맥락)에서 나체 여성을 제시하는 데서 비롯된 것으로 여겨져 왔지만, 최근 연구는 당시 발표된 비판에 비추어 볼 때 색상의 단조로운 사용과 캔버스에 포착된 방식에서 충격이 더 많이 왔다고 생각하는 경향이 있습니다.

마네의 작품은 인상파 그룹이 탄생하기 몇 년 전으로 구성되어 있습니다. 그리고 그가 이 운동을 촉진했고 일부 멤버(예: Claude Monet)의 친구였던 것은 사실이지만, 이 스타일의 영향은 그의 작품이 마지막 몇 년 동안 생산될 때까지 그의 작품에서 볼 수 없습니다. 이러한 후기 인상주의 작품의 몇 가지 예는 다음과 같습니다. 파리지앵 (1882), 그가 죽기 1년 전에 그린, 또는 호기심 많은 캔버스 스터드 (1880).

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"인상주의"의 오랜 역사

사실 인상주의의 기원을 찾는 것은 어렵고도 위험하다. 선례가 분명한 다른 운동들과 달리, 우리가 인상주의라고 부르는 것의 궤적은 바로 17세기까지 확장될 수 있습니다.. 장엄한 것을 더 이상 생각할 것이 없습니다 로마의 빌라 메디치 정원의 전망, 디에고 벨라스케스(1630년경 실행)가 인상주의 기법이 19세기 마지막 수십 년을 훨씬 넘어서 확장되었음을 확인하기 위해.

Velázquez는 빠르고 느슨한 브러시 스트로크로 로마 빌라의 외관을 캡처하여 "정경" 인상파 그림과 유사한 방식으로 형태를 흐릿하게 만들고 그림 물감.

물론, 시대를 앞서간 진정한 선구자 윌리엄 터너(1775-1851)의 붓놀림도 인상파다., 헛되이 알려진 "빛의 화가". 터너는 이미 1812년에 그림을 완성했습니다. 알프스를 넘는 한니발, 광란의 붓놀림 사이로 떠오르는 태양은 필연적으로 *인상을 상기시킨다.

모네의 라이징 선*. 그의 작품은 여전히 ​​"인상파" 비, 증기 및 속도, 1844 년으로 그룹 이름보다 30 년 앞서 이미 완전한 인상파 그림으로 간주 될 수 있습니다.

Boulevard des Capucines의 인상주의자들로부터 매뉴얼이 수집한 "표준" 선례는 John-Barthold입니다. 노르망디에 기반을 둔 네덜란드 화가 Jongkind(1819-1891)는 바다 풍경을 통해 노르망디의 분위기를 완벽하게 포착했습니다. 바다; Eugène Boudin (1824-1898), 그림을 그린 최초의 예술가 중 한 명 오 야외 (야외에서) 첫 번째 모네에게 큰 영향을 미쳤습니다.

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인상파의 특징

인상주의의 배경을 간단히 둘러보고 그것이 어떻게, 어디에 있었는지 설명한 후 "공식" 그룹을 만들었으므로 이 그룹의 특징이 무엇인지 지정하는 것이 필요하다고 생각합니다. 운동.

분위기와 빛

우리는 이미 가장 눈에 띄는 요소 중 하나로 느슨하고 빠른 브러시 스트로크에 대해 언급했습니다. 19세기 인상파는 학문적 예술에서 벗어나 다른 예술 언어를 찾았다.; 그들은 대기와 따라서 빛의 포획에서 이 새로운 경로를 찾습니다. 인상파에게 주제는 더 이상 중요하지 않습니다. 그림에서 정말 중요한 것은 현실을 표현하는 방식이다.

이 끊임없이 변화하는 분위기를 포착하기 위해 인상파 화가들은 빛의 모든 뉘앙스를 포착할 수 있는 빠르고 눈에 띄는 붓놀림이 필요했습니다. 이러한 뉘앙스는 매우 중요하여 이러한 아티스트 중 일부는 동일한 주제의 "시리즈"를 만들게 됩니다. 하루 중 다양한 시간에 건물의 외관을 포착한 30점 이상의 그림으로 구성된 클로드 모네가 루앙 대성당에 헌정한 것이 유명합니다.

그러나 시간의 흐름(따라서 빛의 변화)만이 인상주의자들을 매료시키는 것은 아닙니다. 서로 다른 대기 현상이 같은 장소에 주는 서로 다른 환경에도 관심을 갖는다. 스페인 화가 Fernando de Amárica(1866-1956)는 1905년에 그의 작품을 인상파 스타일로 발전시켰습니다. 태양이 있는 도시, 밝은 날 Vitoria-Gasteiz에 있는 Plaza de la Virgen Blanca의 관점; 1년 후 그는 폭우가 내리는 도시의 정확히 같은 지점을 그렸다(비가 내리는 도시, 1906).

전체 공기

그리고 빠르고 느슨한 붓놀림이 인상주의 작품을 만드는 데 필수적인 요소였다면 야외는 말할 것도 없다. 스튜디오 내부에서 빛의 변화를 포착하는 것은 완전히 불가능하므로 예술가들은 방을 떠나 자연 속으로, 도시 속으로, 삶 속으로 몸을 던지기 시작합니다..

플레인에어 페인팅의 발전에 있어서(오 야외, 프랑스어로)는 2차 산업혁명을 주도한 기술 향상과 많은 관련이 있었습니다. 브러시에는 강모를 나무에 단단히 고정시키는 금속 조각이 포함되어 훨씬 더 저항력이 있습니다. 한편, 튜브와 캔으로 포장된 페인트가 판매되기 시작하여 예술가가 안료를 준비하는 지루함을 덜었습니다. 또한 이러한 컨테이너는 물론 훨씬 더 "착용 가능"했습니다.

섞이는 것은 화가가 아니라 눈이다

다루기가 훨씬 쉽기 때문에 압연 튜브의 페인트는 안료 적용을 강조했습니다. 의 광학 이론과 직접적으로 관련된 혼합 없이 캔버스에 직접 순간.

인상주의 캔버스에서 색상은 혼합되지 않고 전략적으로 배열되어 색상을 혼합하는 보는 사람의 눈이 됩니다. 그렇기 때문에 이 작품들 중 하나를 너무 자세히 들여다보면 무의미한 색의 합일 뿐임을 인지할 수 있을 뿐이다. 그러나 우리가 필요한 조치를 취하면... 마법이 완성됩니다! 그 장면이 우리 앞에 나타납니다.

물론 공식 학술 예술에서 제공하는 것처럼 날카롭고 선명한 장면은 아니다. 많은 사람들에게 인상파는 그림을 "파괴"하여 완성된 그림으로 "스케치"를 제공했습니다. 요컨대, 그들은 대중을 비웃었습니다.. 놀랄 것도 없이 서론에서 이미 인용한 루이 르로이에 대한 신랄한 비판에서 그는 전시장에 가서 전시된 그림들 앞에서 안경을 벗고 닦는다. 더러운.

Leroy의 리뷰에서 불쌍한 화가가 알지 못했던(또는 모르고 싶었던) 것은 1830년대 사진이 발명된 후 "사실적인" 그림이 더 이상 의미가 없다는 것입니다. 이러한 새로운 움직임의 탄생과 20세기 미술사에서 사진 카메라가 지녔던 엄청난 무게는 부정할 수 없다. 그런데 1874년에 열렸고 많은 농담의 대상이 되었던 최초의 인상파 전시회가 오래된 사진 스튜디오에서 열렸다는 것은 여전히 ​​아이러니합니다.

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이 예술 운동의 위대한 주인공들

우리는 이미 마네를 인상주의의 아버지로 추정되는 인물로 언급했습니다(정확히 그렇지는 않다는 것을 이미 보았지만). 그러나 1874년 4월 15일 Boulevard des Capucines에서 처음으로 전시한 화가들은 누구였습니까?

그중에서 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 많은 사람들에게 이 운동의 최대 대표자이자 영혼입니다. 그의 집에 있는 연못의 꽃을 바탕으로 한 일련의 그림인 그의 유명한 수련은 인상주의의 진정한 상징이 되었습니다. 인상. 떠오르는 태양, 스타일에 이름을 부여했습니다.

하지만, 카미유 피사로(1830-1903)는 그룹을 하나로 묶고 이를 더욱 적극적으로 추진한 인물이다., 1880년대에 그가 Seurat의 점묘법 이론에 의지했다는 사실에도 불구하고. 반면 발레리나 그림으로 유명한 에드가 드가(1834-1917)는 사실 절대적인 인상주의자는 아니었지만, Ingres의 그림처럼 고전적이거나 우키요에 판화처럼 이국적인 모델에서 영감을 얻었기 때문입니다. 일본어.

Pierre-Auguste Renoir(1841-1919)는 인상주의의 또 다른 위대한 이름입니다. 그러나 그것은 또한 움직임의 본질에서 다소 거리를 두는 요소를 제시합니다. 파티의 기쁨을 완벽하게 묘사한 그의 파티 그림이 유명합니다. 벨 에포크; 물랭 드 라 갈레트에서 춤추기 (1876)은 그의 가장 특징적인 작품 중 하나이다.

반대로, Alfred Sisley(1839-1899)는 가장 잊혀진 이름 중 하나이지만 많은 학자들이 그에게 "가장 순수한" 인상파라는 영예를 안겨줍니다.. 주로 파리 주변(특히 Moret-sur-Loing 지역)의 아름다운 풍경에 초점을 맞춘 그의 작품은 빛과 하늘의 분위기를 완벽하게 포착합니다. 인생에서 거의 또는 전혀 감사하지 않은 Sisley는 가난하게 죽었고 그의 죽음 이후에만 그의 작품은 가치있는 것으로 간주되기 시작했습니다.

마지막으로 우리는 위대한 인상파 여성들을 언급하지 않고 이 글을 끝낼 수 없다. Berthe Morrisot (1841-1895), Manet의 제자, 모델 및 시누이 (그녀는 그의 형제 Eugène와 결혼)는 가장 저명한 인물 중 하나입니다. 분명히 르누아르의 영향을 받은(또는 그 반대의 경우도...) 그의 화려한 작품은 이 운동에서 눈에 띄는 위치에 있어야 합니다. 불행하게도 종종 그렇듯이 Berthe의 이름은 인상주의를 미국에 수출한 화가 Mary Cassatt(1845-1927)와 같은 방식으로 너무 오랜 세월 가입했습니다.