에드바르 뭉크: 표현주의의 아버지를 이해하기 위한 20가지 뛰어난 작품

에드바르 뭉크(Edvard Munch)는 19세기에서 20세기로 넘어가는 과도기에 위치한 노르웨이의 화가로 표현주의의 아버지로 여겨진다. 많은 사람들에게 스캔들이었던 그의 작품은 젊은 예술가와 비전문 대중의 감탄을 불러 일으켰습니다. 이는 급속한 산업화와 지배적인 메커니즘에 의해 야기된 불안과 동일시되었다.

기성 예술가들에게 스캔들의 원인은 뭉크의 기술적 자유에 있었다. 보수적인 분야의 경우 화가가 섹스, 사랑, 무엇보다 질병과 죽음과 같은 주제를 공개적으로 다루었다는 사실에 근거했습니다. 그의 큰 집착.

그의 스타일은 후기 인상주의, 아르누보 및 전위 예술과 자유롭게 대화한 결과 정통하고 독창적인 언어를 만들어 냈다는 사실 덕분에 독특했습니다. 그렇기 때문에 뭉크는 표현주의의 문을 열었지만 어떤 운동에서도 그에게 낙인이 찍힐 수는 없다. 그의 가장 중요한 작품을 살펴보면 왜 뭉크가 독특하고 반복할 수 없는 예술가인지 이해할 수 있을 것입니다.

1. 비명, 1893

비명 가장 큰 스캔들을 불러일으킨 것은 뭉크의 작품이며, 그럼에도 불구하고 오늘날에는 모나리자 현대 미술의. 비명을 듣거나 내뱉은 후 최대의 표정으로 고뇌를 표현하는 양성애자를 상징한다. 따라서 주체는 세계를 기복이 심한 덩어리로 지각한다. 뭉크를 제외하고 아무도 예술 분야에서 이것을 한 적이 없습니다.

이 연극은 그의 자매 중 한 명이 자살 시도로 감옥에 갇힌 기간 이후에 구상되었는데, 이는 에피소드와 어느 정도 관련이 있음을 시사합니다. 에 대한 흥미로운 사실 비명 뭉크는 그 사이에 약간의 차이가 있는 네 가지 버전을 만들었는데, 이는 화가의 매우 일반적인 관행입니다. 가장 유명한 버전은 1893년 버전으로, 1994년에 도난당했다가 얼마 지나지 않아 복구되었습니다.

2. 걱정, 1894

예 비명 개인의 절망의 이미지다. 걱정 그것은 뭉크가 노르웨이인의 영혼에 포착한 집단적 고뇌의 표현이다. 따라서 뭉크는 개인의 불편함 등록에 국한된 예술가가 아니라 일반적인 불편함에 민감하다. 19세기 말 사회에 영향을 미치고 사회의 변화는 처리 능력보다 훨씬 빠릅니다. 변경.

캔버스 걱정 이전 뭉크 그림 두 점을 기반으로 합니다. 우리가 보는 풍경 걱정 캔버스에서 복구되었습니다 비명. 반면에 캐릭터는 다음에서 가져온 것입니다. 칼 요한 스트리트의 오후. 이전 프레임에서 요소를 가져오는 전략은 뭉크에서 반복됩니다. 화가는 장면을 "재현"할 뿐만 아니라 장면을 구성하는 요소를 자신의 상징으로 간주합니다.

3. 아픈 소녀, 1885-1886

아픈 소녀 인상주의에 접근하는 뭉크 작품의 초기 스타일에 해당합니다. 캔버스에는 결핵으로 임종한 뭉크의 여동생 소피가 그려져 있습니다. 그때, 그 젊은 여성은 약 15세였습니다.

그의 관습에 따라 뭉크는 이 노래의 다른 버전을 연주했는데, 이는 그에게 영구적인 고통과 죄책감의 원천이 되었습니다. 13세에 결핵을 앓던 화가가 동생이 아니라 자신이 죽었을 것이라고 생각했기 때문이다.

4. 사랑과 고통(뱀파이어), 1893

뭉크는 이 작품의 제목을 사랑과 고통. 그 속에서 그는 위로를 구하듯 무릎에 누운 남자를 안고 있는 여자를 표현했다. 뭉크는 작품의 개인적인 의미를 밝히지 않았지만 원래 제목은 많은 것을 말해줍니다. 그러나 이 작품이 공개되자 엄청난 스캔들을 불러일으켰다.

사람들은 그녀에게서 사도마조히즘적 징후를 보고 그 여자가 연인의 목을 물어뜯는 흡혈귀로 해석했습니다. 결과적으로 그림은 다음과 같이 알려지기 시작했습니다. 흡혈귀. 그러한 스캔들이 몇 년 후 나치의 노르웨이 점령 기간 동안 검열된 많은 뭉크 그림 중 하나가 되었습니다.

5. 성모 마리아, 1894

로 알려진 상자 성모 마리아 원래 제목이 연인 여자 또는 사랑하는 여자. 작업 이름 바꾸기 성모 마리아 그것은 의심할 여지 없이 도발이다. 뭉크는 이 작품의 알려진 버전을 5개 이상 제작했습니다.

작가는 여성의 아름다움과 섹슈얼리티가 일깨워주는 동경심을 전달하기 위해 마치 아이콘처럼 표현한다. 머리를 감싸고 있는 붉은 후광은 성행위가 끝나는 순간에도 사랑과 고통의 관계를 암시한다.

이 가설은 뭉크가 조각된 버전을 만들었기 때문에 정당화되는데, 그 프레임에는 무시무시한 태아에 수렴하는 정자의 장식적 모티브가 포함되어 있습니다. 결론적으로 그림은 섹슈얼리티, 출산, 죽음을 거치는 삶의 순환을 상징한다.

6. 재, 1894

재 선의 실과 채색으로 인해 뭉크의 미학적 아름다움이 가장 뛰어난 작품 중 하나로 꼽힌다. 구성에서 우리는 어둠과 죽음의 색인 검은 옷을 입은 남자를 봅니다. 남자는 머리에 손을 대고 부끄러움에 얼굴을 숨기는 것처럼 구석에서 길을 잃는다. 그것은 우리에게 낙담한 사람을 생각나게 한다. 사랑과 고통(뱀파이어).

그 뒤에는 순결의 색인 흰색 드레스를 입은 여성과 열정의 색인 붉은색 몸통을 한 여성도 손을 든다. 그의 얼굴은 슬픔과 걱정을 나타냅니다. 열정의 베일이 찢어졌습니다.

이미지와 제목의 관계는 역설을 가리킨다. 열정은 소모되면 소멸된다. 열정의 불은 재만을 남깁니다. 그러나 그에 더하여 등장인물들의 몸짓은 죄책감과 절망감을 불러일으킨다. 이것은 사건이 도덕 규범에 위배됨을 드러냅니다. 불륜인가요? 성폭행이었나? 그것을 해독하는 사람은 보는 사람이어야 합니다.

7. 사춘기, 1894-1895

의 위에 사춘기, 뭉크는 완전히 벗은 어린 십대를 묘사합니다. 젊은 여성은 겁에 질린 얼굴로 은밀한 부분을 숨깁니다. 몸짓은 겸손과 천진함의 상징 이상으로 두려움과 억압의 상징입니다. 뭉크가 어렸을 때 겪었던 섹슈얼리티는 아버지의 종교적 엄격함과 시대.

장면의 신비한 분위기는 일종의 잊혀지지 않는 환상처럼 보이는 배경의 해독 불가능한 그림자로 확인됩니다. 뭉크의 이 초기 작업의 중요성은 그것이 "인상파" 획과 예술가의 심리적 세계에 봉사하는 기술의 해방 사이의 전환점을 나타낸다는 사실에 있습니다.

8. 담배와 자화상, 1895

담배와 자화상 그것은 뭉크의 가장 유명한 작품 중 하나일 뿐만 아니라 그가 만든 많은 자화상 중에서 가장 잘 알려진 자화상입니다. 캔버스에서 작가는 어둠과 연기 속에서 빛의 빛을 표현하는 기법에 대한 이해와 절대적인 숙달을 보여줍니다.

이를 통해 뭉크는 얼굴과 손에 시선을 집중시키는 거의 신비로운 분위기를 자아낸다. 얼굴은 어리둥절함과 놀라움을 오가는 듯 하고, 손은 담배를 움켜쥔 채 심장 높이까지 올라간다. 얼굴이 감정의 불안정에 영향을 받는 주체의 내면적 정체성의 상징이라면 손은 조형예술가의 상징이다.

9. 방에서 죽음, 1895

어린 시절 에드바르 뭉크는 많은 가족 구성원이 결핵으로 사망하는 것을 보았습니다. 그의 어머니와 아버지가 그 중 일부입니다. 방에서 죽음 우리가 보지 못하는 여동생 소피를 잃은 가족의 고통을 상징합니다. 죽음보다 정서적 고통에 관객의 관심을 집중시키는 것은 작가의 천재성이다.

기도하는 자세로 손을 드는 사람은 독실한 개신교 신자인 그의 아버지입니다. 벽에 기대어 있는 남자는 뭉크로 여겨져 그 장면(죽음, 애정, 믿음)을 등지고 자신의 그림자를 똑바로 바라보고 있다. 가족의 각 구성원이 따로따로 고통을 겪는다는 사실을 강조합니다.

10. 두 사람 (외로운 사람), 1896

캔버스 두 인간 그것은 고독의 비유에 다름 아니다. 그 안에서 우리는 정체불명의 남자와 여자가 ​​관객에게 등을 대고 불활성 지평선을 관조하는 것을 봅니다. 둘 사이에는 넘을 수 없는 거리가 있는 것 같다.

뭉크의 다른 많은 작품과 마찬가지로 이 작품은 여러 번 다양한 기법으로 다루어졌습니다. 주제와 표현 방식 모두 작가의 불안하고 외롭고 우울한 성격을 확인시켜준다.

11. 키스, 1897

키스, 1897년부터 다음으로 알려진 그림의 버전 중 하나입니다. 창문 뒤의 키스뭉크 자신에 의해. 화가가 두 인물을 표현한 방식이 두드러진다. 그들은 그들 사이에 구분선이 없는 하나의 몸처럼 보입니다. 캐릭터는 정체성과 한계가 없습니다.

어둡고 묵직한 장면의 분위기가 죽음의 근접성을 암시하기 때문에 등장인물들의 융합을 낭만적으로 읽을 수 없다. 이 시리즈가 만든 영향은 유명한 작품에 영감을 주었습니다. 키스구스타프 클림트.

관심을 가질 수 있습니다. 분석 키스구스타프 클림트.

12. 비옥, 1898

캔버스에 비옥 뭉크(Munch)에서 우리는 나무의 풍부한 열매를 나르는 임신한 여자를 봅니다. 그녀의 앞에는 주저앉아 엎드린 남자가 대조를 이룬다. 그 옆에 쓰러진 지팡이가 보입니다. 사람과 나무 사이에는 연속성이 있는데, 전자가 나무 줄기에 발을 얹고 있기 때문입니다.

그 나무는 생명나무로 해석될 수 있다. 그러나 가지가 잘려 그루터기만 남았습니다. 열매를 맺기 위해 나무는 가지치기를 하고 잘랐습니다.

보다 급진적인 해석은 뭉크가 아이를 갖는 것에 대한 거부를 표현했음을 시사합니다. 그녀의 열매는 그의 열매의 끝을 나타낼 것입니다. 뭉크가 툴라 라르센과 결혼할 가능성에 직면했을 때 그 그림이 그려졌다는 해석에 따르면, 이는 결코 완성되지 않은 약속이다.

13. 우주에서의 만남, 1898

의 위에 우주에서의 만남 우리는 남자와 여자가 ​​우주에서 중력을 받는 것을 봅니다. 이 작품은 몸과 몸짓뿐만 아니라 정자가 인물 주위를 움직이는 것을 암시하는 선으로 구분되는 에로틱한 순간을 나타냅니다. 얼굴은 서로 멀리 떨어져 있습니다. 여자는 거의 무관심해 보인다. 남자는 배달 된 것 같습니다. 이 작품은 작가의 기술적 다재다능함과 상징과 표현 자원을 보여줍니다.

14. 삶의 춤, 1899

삶의 춤 그것은 삶과 사랑의 단계에 대한 은유입니다. 노르웨이 호수 위의 깊고 푸른 하늘을 배경으로 한 야외 장면입니다. 하늘에서 우리는 화가의 그림에서 일관되게 반복되는 상징 중 하나인 북쪽 태양과 물에 반사되는 태양을 봅니다.

전경에서 우리는 세 단계의 동일한 여성을 봅니다. 왼쪽에 흰색 옷을 입은 젊은 처녀가 있습니다. 오른쪽에는 검은 옷을 입은 외로운 여성이 있습니다. 그 중심에는 마치 세상이 존재하지 않는 것처럼 춤추는 여자와 그녀의 남자. 드레스의 빨간색은 삶과 열정을 상징합니다. 그 커플은 툴라 라슨과 뭉크가 될 수 있습니다.

그 주위에는 다른 캐릭터들이 춤을 춥니다. 검은 옷을 입은 여성 뒤에는 기괴한 남성이 여성을 학대할 준비가 되어 있는 것이 보입니다. 이 작품의 중요성은 뭉크가 사랑에 국한된 삶의 단계에 대한 내면의 고뇌의 복잡성을 전달하는 방식에 있습니다.

15. 마라의 죽음, 1907

뭉크는 일생 동안 다양한 버전의 작품을 만드는 데 전념했습니다. 마라의 죽음. 이 버전 중에서 1907년에 만들어진 버전을 소개합니다. Marat는 18세기 프랑스 언론인이자 정치인으로 Charlotte Corday에게 암살당했습니다.

이 시리즈는 뭉크 자신을 남성의 기준으로 삼아 화가 자신이 여성의 희생자라고 느꼈다는 생각을 공고히 하는 것 같다. 미학적인 면에서 이 작품은 채색의 한 형태로 선을 사용한 점이 두드러진다. 곡선의 모더니즘 스타일과 촘촘한 색채의 표면을 사용한 일종의 레이요니즘이다.

16. 목욕하는 남자, 1907

목욕하는 남자 드 뭉크는 그의 많은 캔버스의 기복이 심하고 어두운 분위기와 대조되는 활기차고 활기찬 성격이 두드러집니다. 장면은 뭉크가 회복 기간을 보내고 있던 누드 해변에서 한 무리의 남자를 묘사합니다.

뭉크는 해부학적 그림과 채색 능력을 과시합니다. 구현된 기법은 인상파와 레이온주의 원칙에 의해 강화되었으며 어떤 측면에서는 야수파와 대화하는 것처럼 보입니다.

17. 태양, 1909-1911

태양 오슬로 대학에서 발견된 에드바르 뭉크의 기념비적인 벽화입니다. 이를 통해 뭉크는 추상 아방가르드, 특히 Der Blaue Reiter 그룹의 대표 칸딘스키와 서정적 추상화에 더 가까워지는 새로운 조형 언어를 탐구합니다.

여기서 상징주의는 최대의 표현에 도달합니다. 태양은 세상에 빛을 발산하고 무지의 그림자를 없애는 신에 대한 은유가 됩니다. 이 작품을 통해 뭉크는 자신의 창의적인 자유를 다시 한 번 보여주는데, 이는 그가 하나의 스타일이나 동작으로 분류될 수 없는 이유를 설명해준다. 뭉크는 끊임없는 혁신을 통해 자신을 독특한 예술가로 드러냅니다.

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18. 질주하는 말, 1912

프레임에서 질주하는 말, 우리는 배에 사람과 함께 눈 썰매를 끄는 말을 봅니다. 눈길을 끄는 디테일은 위업에 비해 지나치게 좁은 트레일에 있습니다.

겁에 질린 말의 표정과 길가에 서 있는 사람들의 태도는 우리에게 임박한 위험을 이해하게 한다. 오른쪽에 있는 아이들은 도망치려 하고, 왼쪽에 있는 어른들은 의기양양하게 기다리며 움직이고 있습니다. 그것은 두려움과 불안의 주제에 대한 새로운 접근 방식이므로 저자에게 있습니다.

19. 눈 속의 노동자들, 1913

Edvard Munch는 또한 그를 둘러싼 사회적 현실에 민감했습니다. 이것의 증거는 그가 노동자들에 대해 그린 다른 그림들입니다. 눈 속의 노동자들.

전경에서 뭉크는 삽을 지렛대로 하여 관객 앞에 서 있는 세 명의 노동자를 나타냅니다. 그들에게서 당신은 힘을 느낄 수 있지만 피로와 노화도 느낄 수 있습니다.

중앙에 배치된 일꾼의 든 주먹은 주장이나 요구를 예고한다. 이 세 사람은 팔짱을 끼고 있는 것 같습니다. 이 세 인물 뒤에 다른 노동자들은 작가와 사회의 시선을 의식하지 않고 작업을 계속한다.

20. 시계와 침대 사이의 자화상, 1940-1943

시계와 침대 사이의 자화상 뭉크의 마지막 창작 단계의 그림이다. 뭉크는 죽음의 근접성을 상징하는 캔버스를 활용하여 할아버지 시계와 침대 사이에 자신의 인물을 배치했습니다. 시계는 멈출 수 없는 시간의 흐름을 나타내고, 침대는 마지막 침대, 영원한 안식으로서의 죽음을 나타냅니다.

대조적으로 한 가지 디테일이 눈에 띕니다. 시계는 앤티크한 디자인이고 침대 커버는 현대적인 기하학적 디자인입니다. 이를 통해 뭉크는 자신이 살아야 했던 시대의 극적인 변화에 대한 인식을 표현하고 있다.

뭉크의 이면에는 그의 예술적 삶의 참고 작품들이 함축되어 있는 일종의 방으로 구별될 수 있으며, 여기에 그가 온 힘을 기울였다.

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전기

에드바르 뭉크는 1863년 12월 12일에 태어나 1944년 1월 23일에 사망한 노르웨이의 화가이자 판화 제작자입니다.

그는 어려서부터 질병과 죽음을 견뎌야 했습니다. 결핵은 소년이 겨우 5살이었을 때 처음으로 그의 어머니인 로라 카트린 뭉크의 목숨을 앗아갔습니다. 나중에 그는 여동생 소피를 죽였습니다. 그의 삼촌의 것, 그리고 몇 년 후 그의 아버지인 크리스티안 뭉크의 것. 에드바르 뭉크 자신도 13세 때 이 병에 걸렸다.

이러한 사건들로 인해 화가는 질병과 질병에 대한 끔찍한 공포를 갖게 되었습니다. 그래서 평생 불안과 우울증에 시달렸고, 이것이 그의 질문을 결정지었습니다. 예술적.

뭉크는 1879년에 공학을 공부하기 시작했지만 곧 그림에 전념하기 위해 이 직업을 포기했습니다. 그는 파리 여행을 통해 19세기 프랑스 미술의 영향을 받았습니다. 1890년경에 그는 이 프로젝트를 그리기 시작했습니다. 삶의 프리즈, 자신의 경험을 바탕으로 인간 삶의 다양한 이정표를 묘사하는 일련의 그림.

그의 작품은 처음에는 스캔들의 근원이 되었지만 결국 그의 국가와 유럽의 박물관에서 중요한 위치를 차지했습니다. 그러나 나치의 노르웨이 점령 이후인 1940년경 뭉크의 그림은 침략자들에 의해 검열되어 전시에서 제외되었습니다.

그러나 1942년은 그의 생산적인 예술 작품을 인정하여 뉴욕에서 전시회의 대상이 됨으로써 그의 결정적인 국제 봉헌이 되었습니다. 2년 후, 뭉크는 완전한 외로움 속에서 세상을 떠났습니다.