클로드 모네: 작품, 분석, 의미

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)는 인상주의를 대표하는 프랑스 화가로, 빛을 다루는 과정에서 발견한 회화적 발견, 그 이름을 부여할 그림을 만든 것에 대해 운동.

다른 예술가들과 함께 모네는 빛의 처리와 색에 대한 인식 연구를 통해 조형 언어의 독창성에 문을 여는 역할을 담당했습니다. 이 기사에서 그의 가장 중요한 작업 중 일부에 대해 알아보도록 하겠습니다.

1. 잔디에서 점심, 1865-1866

1863년 비평가들은 그의 작품 때문에 공식 파리 살롱에서 에두아르 마네를 파괴했습니다. 잔디에서 아침 식사. 그러나 Claude Monet은 이 작품에 매료되어 논란의 여지가 있는 화가에 대한 찬사로 자신의 버전을 만들기로 결정했습니다. 모네는 높이 4미터, 길이 20미터의 야심찬 크기를 갖습니다. 동시에 도전이기도 했다.

그는 그림을 그리기 시작했다 잔디에서 점심 1865년, 1866년 살롱에 참가하기 위해 지켜보고 있었습니다. 그의 불안정한 경제는 그를 프로젝트를 포기하게 만들었고 임대료 지불을 위한 보증으로 그것을 제공해야 했습니다. 캔버스는 1884년 모네가 회수할 때까지 임시 소유자에 의해 말아서 보관되었습니다. 눈에 띄는 악화를 감안할 때 축소해야했습니다. 작품의 두 부분만 남아 있습니다: 중앙 부분과 왼쪽 부분.

장면에서 화가는 비공식적이고 일상적인 분위기에서 피크닉 점심을 나타냅니다. 에두아르 마네(Edouard Manet)와 거리를 두면서 그는 누드를 벗고 모든 등장인물에게 옷을 입힙니다. 의상은 그들의 라이프스타일을 드러냅니다. 인물들은 분명히 스캔들 없이, 의미 없이 삶의 향연을 축하하는 부르주아들이다. 모네는 조형 언어보다 주제적 논쟁에 더 이상 관심이 없습니다.

원본이 완전히 보존되지는 않았지만, 잔디에서 점심 공부. 가장 확연한 차이는 식탁보 위에 앉아 있는 수염 없는 청년이다. 이 캐릭터는 사실주의 화가 Gustave Coubert를 참조하는 것처럼 보이는 수염 난 남자로 대체됩니다. 모네가 작업실에서 일하던 시절에 자신의 작업실에 그를 방문하고 싶어했던 모네를 매우 존경했습니다. 초안.

2. 녹색 드레스를 입은 카밀, 1866

그림 녹색 드레스를 입은 카밀 Claude Monet의 작품은 1866년 공식 살롱에 전시되었고 널리 받아들여졌는데, Edourad Manet은 Monet과 혼동하여 실수로 축하를 받은 것이 마음에 들지 않았습니다. 또한 마네는 1863년에 비판의 대상이 되었고 공식 살롱은 1865년 그의 그림 때문에 그를 거부했습니다. 올림피아.

그의 책에서 인상주의, 폴 스미스는 그림을 비교 녹색 드레스를 입은 카밀 작업과 함께 장갑을 낀 여인 화가 David의 제자이자 파리의 왕당파 그룹에 정기적으로 참여하는 Carolus-Duran의 작품입니다. Carolus-Duran의 작품은 Monet의 작품보다 나중에 있지만 비교를 통해 Smith는 다음과 같은 결론을 내릴 수 있습니다. 모네는 그레이트 홀에서 널리 평가되는 사실적인 회화 언어의 중요한 부분을 차지했습니다. 공무원. 따라서 인정되었습니다.

그의 분석에서 Smith는 Monet이 패션 일러스트레이션의 전형적인 인공 포즈를 사용하여 드레스를 입게 만들었다는 것을 구별합니다. 동시에 캐릭터를 강조하기 위해 장면에 인공 조명을 제공했습니다. 모네는 쿠베르의 빛과 따뜻함, 그리고 그에게 큰 영향을 준 마네의 라인을 연상시키는 요소를 드러낸다.

3. 정원의 여성, 1867

Paul Smith는 캔버스를 비교합니다. 정원의 여성 모네와 함께 미네르바와 감사 모네가 한동안 작업한 작업실인 찰스 그레이어(Charles Greyre)의 작품. 이를 통해 Smith는 인상파 세대의 진정한 혁명을 강조합니다.

예술에서 관례적인 것처럼 Greyre는 플라톤의 이상을 영속화하려는 문학적 서사적 성격의 에피소드를 나타냅니다. 지혜의 여신 미네르바의 신화와 미의 상징인 3개의 은총을 표현하여 아름다움과 선함을 표현하였습니다. 내용 속으로 파고들면 화가의 기법이 보이지 않게 되어 선의 흔적도 남기지 않고 대상이 빛난다.

1년 후, 모네는 식물 환경에 있는 네 명의 여성을 나타내는 캔버스를 실행했지만 이들은 평범한 여성일 것입니다. 화가는 영원한 가치가 아니라 덧없고 덧없는 순간, 부르주아적 삶을 축하하는 친구들의 재미있는 만남을 상징한다. 그들은 자신의 가치를 구축하려는 새로운 중산층의 상징입니다.

모네는 캔버스에 기법을 숨기지 않습니다. 오히려 그는 그것을 전시하고, 선을 보여주며, 그레이어와 모든 전통적 화가들이 의도적으로 숨겨온 조형적 언어에 관객의 주의를 이끈다.

발아 스타일의 전형인 모네는 파란색과 녹색을 활용하여 캐릭터의 피부를 음영 처리하고 수정합니다. 현장을 장악하는 강렬한 여름 빛을 그리기 전에. 그렇다면 중요한 것은 회화적 언어가 될 것이다.

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4. 라 그르누이예르, 1869.

라 그르누이에르 다양한 각도와 순간의 다양한 해양형 회화의 연속이다. 이 캔버스에서 모네는 빛의 처리와 물체에 미치는 영향에 광범위하게 관여합니다. 그것은 인상주의의 완전한 형태로 신속하게 전달됩니다.

직장에서 맑은 공기, 오일 튜브의 발명 덕분에 그 당시에만 가능했던 일인 모네는 성급한 선을 이용하여 순간의 빛나는 인상과 덧없음에 생명을 불어넣었습니다. 관객은 또 한 사람으로서 현장에 참석한다. 도덕적 판단도 없고 주제적 의미도 없습니다. 관심이 플라스틱 언어로 바뀌었습니다.

르누아르는 이 같은 장면을 모네와 함께 만들었습니다.

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5. 양귀비의 들판, 1873

1871년 모네는 아르장퇴유에 임시로 정착했고 그곳에서 그 도시가 제공한 풍경 덕분에 자신이 발견한 스타일을 확고하게 발전시켰습니다. 이 단계부터 작업 양귀비의 들판, 8개의 다른 작품과 함께 1874년 거부된 자의 홀에 전시되었습니다.

비스듬한 선으로 구분된 두 섹션이 표에서 구분됩니다. 왼쪽의 양귀비 밭에서는 빨간색이 우세하고 오른쪽에서는 청록색이 우세합니다. 장면에서 양귀비 밭은 두 쌍의 여자와 아이가 교차합니다. 전경에서 눈에 띄는 것은 모네의 아내 카미유와 그의 그림의 모델로 자주 활동했던 아들 장이다.

6. 떠오르는 태양의 인상, 1872

모네가 거부당한 자의 전당에서 발표 한 그림 중 하나는 실제 스캔들을 일으켰습니다. 떠오르는 태양의 인상. 영국의 낭만주의 화가 윌리엄 터너의 작품에 영향을 받은 모네는 두꺼운 붓놀림을 적용했는데, 거의 형상을 거의 암시하지 않는 얼룩이었습니다. 색상의 보완 원칙은 입구를 엽니 다. 나란히 배치된 색상은 완전한 색조의 인식을 만듭니다.

대기는 흐리고 작은 배의 통과에 따라 물이 움직이는 것 같습니다. 목가적인 풍경과는 거리가 먼 모네는 증기 기관과 기타 구조물이 하늘의 안개에 개입하는 산업화된 항구를 배경으로 나타냅니다. 그는 아무것도 숨기지 않았습니다. 인생은 화가가 묘사할 수 있는 곳입니다. 그 구조물에 손을 대지 않는 태양은 바다의 파도에 주황색 흔적을 남깁니다.

1874년 전시회가 끝난 후 미술 평론가 루이 르로이(Louis Leroy)는 도발적인 리에조(liezo)라는 이름에서 시작하여 모네가 자신을 단순한 "인상파"에 국한시켰다고 비난했습니다. 가장 위엄 있는 모네와 그의 세대는 이 자격 상실을 운동의 이름으로 여겼습니다.

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7. 세리에 Saint-Lazare 역, 1877

1877년경 모네는 파리로 돌아가 자신의 그림을 그리는 화가가 되고자 하는 열망에 부응하여 시간은 산업도시의 일상적인 세계를 제쳐두는 대신 캔버스. 모네가 증기의 광도와 질감을 계속 탐구할 수 있는 기회를 제공하는 것은 생라자르 역이 될 것입니다. 화가는 Saint-Lazare 역에 7개의 캔버스를 바칠 것입니다.

모네가 같은 풍경을 서로 다른 대기 변수 아래에서 묘사하는 다른 시리즈와 달리 루앙 대성당, 의 위에 Saint Lazare 역 Monet은 다른 분위기뿐만 아니라 역에서의 삶의 다른 목표, 설정 및 관점을 묘사할 것입니다.

8. 세리에 건초더미, 1890-1891

1883년경에 모네는 카미유가 1879년에 세상을 떠난 후 그의 새로운 파트너인 앨리스 오슈데와 함께 지베르니로 이사했습니다. 그곳에서 그는 지역 풍경이 그에게 제공하는 새로운 가능성을 탐구하는 데 전념합니다. 그런 계획도 없이 그는 자신의 가장 유명한 시리즈 중 하나를 개발하게 되었고, 건초더미, 총 25개의 캔버스를 포함합니다. 모네는 밀 더미에서 연중 각 시기를 구별하는 빛의 다양성을 포착합니다.

모네의 미학적 야망은 시간이 지남에 따라 커졌습니다. 이 사진 중 일부는 더 높은 수준의 완벽함에 도달하기 위해 나중에 스튜디오에서 수정되었습니다. 실제로 그는 조명 효과를 묘사하는 것뿐만 아니라 조화로운 구성과 미학적으로 통일된 시리즈를 만드는 것이 필요했다고 Paul Smith는 말합니다.

9. 세리에 루앙 대성당, 1890-1894

프랑스가 가톨릭에 대한 관심의 부활을 목격하고 있을 때 모네는 프랑스 지역에 위치한 루앙 대성당에서 영감을 받은 이 시리즈를 개발하기 위해 노르망디.

건너편에 빌린 스튜디오의 창밖 풍경이었다. 이 시리즈에는 30개 이상의 작품이 있었고 그 중 8개는 전시되기 전에 판매되었습니다.

그의 작품의 특징적인 요소인 광도를 포착하는 것 외에도 모네는 종교 건물의 석조 외관의 다공성과 질감을 능숙하게 포착합니다.

10. 세리에 의회 런던, 1900년 ~ 1904년

아내 앨리스와 함께 런던에 머무는 동안 모네는 템스 강과 주변 풍경을 담을 수 있는 세인트 토마스 병원의 풍경을 그리는 데 전념합니다. 시리즈의 런던 의회 또한 Charing Cross Bridge와 Waterloo 다리도 있습니다.

그에 관한 시리즈에서 런던 의회, 모네는 도시의 특징적인 안개와 엮인 건물을 표현합니다. 그러나 이번에는 의회가 거의 환상적일 것입니다. 장엄하고 흐린 배경에서 열리는 실루엣이 그림자로 바뀌었습니다. 윌리엄 터너의 작품이 생각납니다.

몇 년 후 그는 같은 일을 할 것입니다. 베니스 시리즈, 그는 예술 애호가 그룹의 손에 아내와 함께 방문하고 상징적 인 도시의 다양한 장면을 포착합니다.

11. 세리에 릴리 패드, 1883-1924.

지베르니에 머무는 동안 모네는 일본 다리가 있는 아름다운 정원을 가꾸었습니다. 그 지베르니 정원은 모네만의 취미가 아니었습니다. 그것은 또한 특히 그의 생애 마지막 몇 년 동안 영감의 원천이었습니다.

수년에 걸쳐 화가는 자신의 캔버스에 정원의 경이로움인 수련을 묘사하는 진정한 열정을 키웠습니다. 이 시리즈는 총 250개의 캔버스에 도달했으며 오늘날 전 세계의 많은 방과 갤러리에 배포됩니다.

부분의 릴리 패드 모네의 그림은 1차 세계대전 즈음에 그려졌습니다. 모네는 사적이고 조용한 세계에 있었지만 Paul Smith는 그의 집에서 탄약이 실린 기차가 지나가는 소리가 들렸다고 말합니다. 연구원에 따르면, 이 연작은 전쟁이 파괴하겠다고 위협한 세계를 보존하기 위한 화가의 노력으로 해석될 수 있다.

사실, 모네는 1918년 11월 11일에 서명된 콩피에뉴 휴전 협정에 서명한 직후에 평화의 상징으로 프랑스 국가에 시리즈의 일부를 기부하게 되었습니다. 오늘날 Orangerie 박물관에 보존되어 있는 이 샘플은 "인상파 시스티나 성당".

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