르네상스의 가장 대표적인 그림 25점을 이해하는 데 도움이 됩니다.

르네상스의 위대한 그림 혁명은 콰트로첸토로 알려진 15세기에 구체적으로 일어났습니다. 지적 호기심이 커지는 환경에서 유화의 발전과 보급으로 캔버스를 지지대로 사용하여 그림이 벽에서 벗어날 수 있도록 했으며 수집을 선호했습니다. 특정한.

그리하여 아직 독립된 장르는 아니지만 초상화와 같은 새로운 장르가 생겨나면서 풍경과 정물에 대한 관심이 생겨났다. 누드와 비기독교 신화, 역사적, 우화적 주제도 등장했습니다. 종교적인 주제는 계속해서 그 시대의 질서를 유지했지만 인간 중심적 접근 방식에서 비롯되었습니다.

다음으로 우리는 각 예술가의 공헌과 혁신, 그리고 시간이 지남에 따라 스타일의 진화를 포착하기 위해 르네상스의 가장 유명한 그림을 연대순으로 둘러볼 것입니다.

1. 동정녀, 성 요한, 기증자들과 함께하는 삼위일체, Masaccio (1425-1427)

르네상스 회화 — 마사치오: *동정녀, 성 요한, 기증자들과 함께하는 삼위일체* (조각), 1425-1427, 프레스코, 667 × 317 cm, 피렌체 산타 마리아 노벨라 대성당

신선한 성모님, 성 요한, 기증자들과 함께 하는 성 삼위일체 당시의 거대한 플라스틱과 문화적인 변화가 함께 어우러져 르네상스의 출발점을 나타냅니다. 선형 원근법, 키아로스쿠로 및 트롱프뢰유 기법이 두드러집니다. 로마 영감의 배럴 볼트는 르네상스 건축의 변화를 예상합니다. 신성한 캐릭터와 함께 기증자가 묘사되어 종교적 주제를 인간 중심적인 느낌으로 만듭니다. 이것은 그 세대가 스스로에 대해 가지고 있던 존경심을 드러냅니다.

2. 선언문, 프라 안젤리코 (1425-1426)

의 위에 예고Fra Angélico는 중세에서 초목의 세부 사항에 대한 취향을 계승하지만 르네상스에서 자원을 가져옵니다. 그는 냉정한 그레코-라틴 건축을 사용했고 그 선을 이용하여 원근감을 강조했습니다. 더 큰 공간적 깊이를 얻기 위해 그는 겹쳐진 평면을 만드는 다양한 개구부를 열었습니다. 문은 방으로 연결되고, 이것은 뒤쪽에 눈에 잘 띄지 않는 창을 보여줍니다. 왼쪽에 있는 동산은 아담과 이브의 낙원에서 쫓겨난 것을 의미합니다. 맨 아래에서 우리는 Mary의 삶의 한 장면을 봅니다. 프레임의 베이스에 장면 시퀀스가 있는 이러한 유형의 라인을 프리 파일이라고 합니다.

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3. 아르놀피니 결혼, 얀 반 에이크(1434)

얀 반 에이크(Jan van Eyck)는 유화를 완성하고 확산을 도운 플랑드르 화가였습니다. 이 특별한 작품은 역사상 가장 초기의 초상화 초상화 중 하나입니다. 상징을 담아 사회적 지위가 높은 인물의 소중함과 위엄을 전달한다. 그러나 Van Eyck의 천재성은 거기에 없습니다.

화가는 재현의 평면과 함께 작동하는 배경에 거울을 도입합니다. 메인 씬에서는 보이지 않는 두 캐릭터의 반영을 보여주어 보는 이들의 위치를 점유하고 있는 듯한 착각을 불러일으킨다. 이 리소스는 아마도 영감을 주었을 것입니다. 메니나스 200여 년 후 Velázquez에 의해.

4. Canon Van der Paele의 동정녀얀 반 에이크(1434-1436)

Canon Van der Paele의 동정녀 르네상스 시대에 널리 사용된 장르에 해당합니다. 신성한 대화 (성스러운 대화), 동정녀가 친밀한 환경에서 성도들과 대화를 나누는 것입니다. 이 경우 기증자는 Saint George가 제공한 Canon Van der Paele이 포함됩니다. 그는 자신이 영적인 힘에 종속되어 있음을 기억하며 대성전을 밟습니다. 그러나 현장에서의 그의 존재는 세속적 권력에서 그의 사회적 역할을 입증합니다.

캔버스는 옷의 처리와 디테일의 풍부함을 강조합니다. 성 조지의 갑옷의 반짝임은 얀 반 에이크가 반사를 사용할 핑계를 제공합니다. 신성한 은총의 흠 없는 거울로 잉태된 예술가와 동정녀의 모습을 볼 수 있습니다.

5. 산 로마노 전투, 파올로 우첼로(c. 1438)

산 로마노 전투 파올로 우첼로(Paolo Ucello)의 작품은 롬바르디아 전쟁 중 피렌체가 시에나를 물리친 전투의 장면을 담은 삼부작입니다. 원래 Bartolini 가족이 의뢰한 이 제품은 곧 Medici 컬렉션으로 넘어갔습니다. 묘사를 강조하는 풍부한 세부 사항과 같은 중세 요소가 여전히 존재합니다. 그러나 원근법과 단축법을 사용한 점에서 걸작으로 평가받고 있다.

단축법은 보는 사람과 수직인 각도로 대상을 표현하는 것으로 구성됩니다. 패널에서 자세히 볼 수 있습니다. 베르나르디노 델라의 무장해제 시아다, 씩씩한 말과 오른쪽의 백마에서와 같이 타락한 말에서.

6. 동정녀의 대관식, 프라 필리포 리피(Fra Filippo Lippi)(1439-1447)

동정녀의 대관식 필리포 리피가 산 암브로시오 교회를 위해 프란체스코 모링기에게 의뢰한 제단화입니다. 천상의 공간 대신 모든 것이 연극 공간에서 일어나는 것처럼 보이며 성인, 기증자 및 Lippi 자신이 초대 된 왕실을 연상시킵니다. 보시다시피, 이탈리아 르네상스는 하늘에 대한 인간 중심적 비전을 주장했습니다.

7. 십자가에서 내려옴, Rogier van der Weyden(c. 1443)

Rogier van der Weyden은 플랑드르 화가였습니다. 그의 가장 잘 알려진 작품은 십자가에서 내려옴, 원래 루뱅 성벽 밖의 성모 예배당을 위해 그렸습니다. 해부학은 형식적인 우아함을 선호하도록 의도적으로 수정되었기 때문에 excata가 아닙니다.

비율은 또한 구성 전체에 바디를 분배하기 위해 의도적으로 변경됩니다. 성모 마리아와 예수는 서로를 반영하는 것 같습니다. 어머니처럼, 아들처럼; 아들, 어머니처럼. 그림은 표현, 의복 및 질감 처리에서 승리합니다.

8. 그리스도의 채찍질, 피에로 델라 프란체스카(1455-1460)

의 위에 그리스도의 채찍질, 피에로 델라 프란체스카(Piero della Francesca)는 종교적인 장면을 배경으로 하고 있으며 그 차가움이 특징입니다. 캐릭터에 감정이 없다. 테마는 르네상스 플라스틱 프로그램의 개발에 대한 거의 사과로 보입니다. 선형 관점에서, 구성 기하학 및 건축의 고양 고전주의자. 그것은 아직 정체성이 정해지지 않은 세 명의 동시대 인물들의 대화에서 확인된다.

9. 멜룬 딥티크, 장 푸케(H. 1450)

장 푸케(Jean Fouquet)는 플랑드르와 이탈리아 회화의 영향을 받아 프랑스의 예술적 언어를 새롭게 한 프랑스 화가입니다. 문제의 작품은 교장인 에티엔 슈발리에(Étienne Chevalier)의 아내 무덤을 위한 이중화로 생각되었습니다. 두 테이블은 서로 대조됩니다.

왼쪽 패널에서 화가는 Etienne Chevalier와 그의 후원자인 Saint Stephen을 대표하며 고전 건축 공간에 있습니다. 오른쪽에는 아기와 천사가 있는 성모님. 마리아의 벌거벗은 가슴은 그녀를 인류의 간호사라고 부른다. Virgin의 얼굴은 교장의 연인인 Agnès Sorel의 얼굴이었다는 믿음이 있습니다. 주제는 겉보기에는 신성하지만 강한 모독적 성격을 가지고 있습니다.

10. 동방박사의 여정, 베노초 고졸리(1459)

피렌체의 메디치 리카르디 궁전(Palazzo Medici Riccardi)에는 동방박사의 기병대와 관련된 Gozzoli의 세 프레스코화를 암시하는 동방박사의 예배당이라는 방이 있습니다. 작품은 복잡한 구성으로 인해 걸작일 뿐만 아니라 실제로는 등장인물에서 얼굴을 볼 수 있는 메디치 가문이 휘두르는 권력의 승영 대표.

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11. 배우자의 집, Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna는 이 프레스코에서 트롱프뢰유(trompe l'oeil)와 같은 르네상스 기법을 사용하여 회화와 현실 사이의 경계를 흐리게 하려는 분명한 노력을 보여줍니다. 우리가 보는 이미지는 벽 중 하나에만 해당합니다. 남편들의 방. 다른 곳과 마찬가지로 당대의 위대한 후원자였던 곤자가 가문의 영광을 기념합니다.

12. 죽은 그리스도에 대한 애가, Andrea Mantegna (1475-1478)

언제든지 Andrea Mantegna가 자신을 능가한다면 죽은 그리스도에 대한 애가. 이 작품은 단축법을 능숙하게 사용한 것이 눈에 띕니다. 이 리소스를 통해 Mantegna는 시청자를 장면에 통합하고 전통적인 구성 모델에 도전합니다. 등장인물들의 진영 표현도 눈에 띈다. 마리아는 어린 처녀가 아니라 고통으로 늙어가는 얼굴입니다. 장면의 엄격함은 애도자들에게 죽음과 황폐함의 끔찍한 본성을 강조합니다.

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13. 산 비센테의 폴리프티크, 누노 곤살베스(1470-1480)

산 비센테의 폴리프티크 포르투갈 르네상스의 걸작 중 하나입니다. Nuno Gonçalves에 기인하여 중앙 패널에 복제된 것처럼 보이는 Saint Vincent와 함께 58명의 캐릭터를 반영합니다.

포르투갈 사회의 다양한 계층을 상황에 따른 태도와 몸짓으로 표현한 것이 눈에 띕니다. 왼쪽에서 오른쪽으로 우리는 수사들의 패널을 가지고 있습니다. 어부 패널; 인판테 돈 엔리케(Enrique the Navigator) 패널; 대주교의 패널; 기사 패널과 유물 패널.

14. 동방박사의 경배, 산드로 보티첼리(1475)

동방박사의 경배 de Botticelli는 이탈리아 Quatrocento의 기본 참조를 구성합니다. 보티첼리 전까지는 사그라다 파밀리아 성당이 한쪽에 서서 다른 쪽에서 숭배자들을 환영했습니다. 보티첼리는 그것을 구도의 중앙과 피라미드의 꼭지점에 놓고 숭배자들을 좌우로, 심지어 한 사람 앞에서도 배치하였다.

화가는 또한 Medici 가족의 얼굴로 동방 박사를 묘사했습니다: Cosimo와 그의 아들 Piero il Gottoso 및 Giovanni. 다른 가족들과 그 동료들의 모습이 그려지고, 시청자를 바라보는 캐릭터에는 보티첼리 자신도 포함된다.

15. 성 베드로에게 천국 열쇠 전달, 페루지노 (1482)

페루지노의 이 작품은 시스티나 예배당을 건축한 교황 식스토 4세의 의뢰로 제작되었습니다. 프레스코는 성 베드로로 대표되는 하나님으로부터 교회로 권위를 전달한다는 개념에 해당합니다. 이 작품은 화가 자신의 조감도 작업과 깊이의 대가인 표현이다. 전경에서 우리는 주요 인물인 예수, 사도 및 다양한 르네상스 인물을 봅니다. 마지막 건물은 교황권의 보편성을 상징하는 팔각형 중앙 평면도 건물이다.

16. 비너스의 탄생, 산드로 보티첼리(1482-1485)

비너스의 탄생, 산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)의 작품은 원래 가구의 일부였으며, 그렇기 때문에 풍경의 완전한 발전을 보지 못하는 것 같습니다. 그것이 받는 관심은 더 이상 신성한 주제가 아닌 주제를 다루는 것과 부분적으로 관련이 있습니다. 우리는 다산과 에로티시즘의 여신인 비너스 또는 아프로디테의 기원에 대한 신화에 참석합니다.

이 작품을 통해 보티첼리는 세속적인 주제에 대한 예술에서 전신 여성 누드의 표현을 정당화했습니다. 그러나 비너스는 여기에 완전히 드러낸 캐릭터가 아니라 그녀의 머리카락으로 그녀의 "수치"를 덮는 겸손한 비너스입니다. 따라서 이 누드는 당시의 철학적 사고의 맥락에서 미덕의 표현으로 정당화되었습니다.

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17. 바위의 성모, 레오나르도 다빈치(1483-1486)

Leonardo의 이 작품은 San Donato의 수도사들이 주문한 것으로, 종교적 주제의 중심성을 설명합니다. Leonardo는 르네상스 전통의 요소를 수정했습니다. 건축 풍경 대신 바위가 많은 자연 풍경에 장면을 구성했습니다. 그림은 피라미드를 형성하고 화가의 가장 유명한 도박 중 하나인 스푸마토.

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18. Giovanna degli Albizzi Tornabuoni의 초상화, Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Ghirlandaio의 이 작품은 르네상스 시대 초상화 장르의 대표적인 표현입니다. 되살아난 고대의 가치에 따라 이상적인 비율과 특징, 절제되거나 결여된 표현력을 보여줍니다. 캐릭터의 특성을 보여주기 위해 몇 가지 개인 아이템이 포함됩니다. 그의 공적 삶에 대한 설명, 기도서와 묵주는 그의 삶에 대한 설명 영적인.

19. 마지막 식사, 레오나르도 다빈치(1498)

마지막 식사 Leonardo의 가장 잘 알려진 작품 중 하나입니다. 그것은 장면에 통합된 지적이고 철학적인 언급뿐만 아니라 드라마에서도 두드러집니다. 르네상스의 균형을 포기하지 않으면서 이 작품은 등장인물의 감정적, 심리적 긴장으로 가득 차 있으며, 이전의 많은 작품들의 겉보기에 차가움에 도전한다. 보존 상태가 좋지 않은 것은 부분적으로 레오나르도가 회반죽을 수정하기 위해 온도와 기름을 혼합하려는 시도의 결과입니다.

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20. 산토 도밍고와 알비젠스 또는 불의 시험, Pedro Berruguete(1493-1499)

스페인어 Pedro Berruguete는 Santo Domingo de Guzmán이 제안했을 구절을 나타냅니다. 알비시에 이단자들의 책을 시험하기 위해 모닥불을 피우고, 프랑스. 불은 이단의 책을 태우고 정경의 책은 공중에 떠 있습니다.

이단과 싸워 왕국의 통일을 추구했던 천주교 군주 시대의 정치적 정신을 표현한 작품이다. 형식적으로는 고딕 양식에서 파생되어 초기 르네상스 시대에 높이 평가된 도금 맛뿐만 아니라 플라멩코에서 영감을 받은 디테일의 귀중함이 두드러집니다.

21. 자화상, 알브레히트 뒤러(1500)

알브레히트 뒤러는 독일 르네상스의 거장이었다. 언뜻 보기에 예수 그리스도의 성화처럼 보이는 이 유명한 자화상은 두 가지 주요 비문을 보여줍니다. 오른쪽에는 "나는 지울 수 없는 색으로 나를 칠합니다"라고 쓰여 있습니다. 왼쪽에 그의 나이를 나타내는 날짜, 28세.

그의 초상화의 정면은 상당히 대담합니다. 이 포즈를 예수의 아이콘으로 남겨둔 전통을 무시하고 손짓도 약간, 변경된-, Dürer는 종교적 지시 대상과 정체성의 반전을 수행하고 의도적으로 혼동합니다. 뷰어.

22. 총독 레오나르도 로레단, 조반니 벨리니(1501)

베니스 공화국에 봉사하는 화가인 조반니 벨리니(Giovanni Bellini)는 레오나르도 로레단 도제(Doge Leonardo Loredan)의 이 장엄한 초상화를 제공합니다. 이 화려한 작품에서 그는 풍부한 표정과 질감과 의복의 섬세한 처리 덕분에 위계적인 느낌을 극복했습니다. 후자와 관련하여 Bellini가 동양 직물의 광채를 어떻게 표현하는지 놀랍습니다.

23. 모나리자, 레오나르도 다빈치(1503-1506)

그만큼 모나리자 의심할 여지 없이 레오나르도 다빈치의 가장 유명한 작품입니다. 그녀는 chiaroscuro 및 chiaroscuro의 기술 측면에서 Leonardesque 스타일의 성숙을 표현합니다. Esfumato는 그림의 가장자리를 흐리게 하여 통합하여 우주. 마찬가지로 배경의 풍경화 기법을 뽐내며 공간을 열어 깊이를 더한다. 그러나 이 작품과 레오나르도의 모든 작품은 콰트로첸토에 속하지 않고 제2의 르네상스라고도 불리는 전성기 르네상스에 속한다.

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24. 아테네 학교, 라파엘 산치오(1510-1511)

르네상스의 문화적 정신을 나타내는 것이 있다면 그것은 프레스코 아테네 학교, 라파엘 산치오의 "바티칸 방" 또는 "라파엘 방"의 한 장면. 우리는 선형 원근법의 능숙한 처리와 열린 공간으로 열리는 배럴 볼트의 개구부로 강조된 깊이를 봅니다.

명확한 고전적 영감의 건축 환경에서 수많은 철학적, 과학적 참고 자료는 이성과 지식의 가치를 상기시킵니다. 플라톤과 아리스토텔레스가 그 주인공이다. 우리는 또한 프톨레마이오스, 헤라클레이토스, 히파티아, 호메로스, 그리고 여느 때와 같이 현대인의 얼굴을 봅니다. Apelles로 묘사 된 Rafael 자신도 빠질 수 없었습니다.