아비뇽의 여인들: 피카소 회화의 분석과 특징

그림 아비뇽 여성분들 라고도 알려진 파블로 피카소의 아비뇽의 처녀들 또는 (거리) Avinyó의 아가씨들, 20세기 입체파 운동의 각성으로 간주된다. 말라가 출신 화가의 원형 입체파 단계에 삽입되어 있습니다.

이미 다양한 예술적 단계를 거친 피카소에게는 한계가 있었다. 나는 예술에서 모든 것이 이루어지고 과거의 거장들의 작품을 능가할 수 없다고 생각했다. 그는 필연적으로 예술의 역사뿐만 아니라 자신의 예술적 길로 단절, 혁명을 만졌다. 그렇게 그는 1906년에 이 작업을 시작하여 1907년에 완성되었습니다.

작품의 첫 번째 전시회는 1916년 파리의 Salon de Antin에서 열렸습니다. 제목이 없었지만 피카소가 그것을 불렀던 것 같습니다. 철학적 매춘업소. 이름 아비뇽 여성분들 (레 드모아젤 다비뇽) 화가이자 비평가인 André Salmon이 그에게 수여한 것은 바르셀로나의 Avinyó 거리에 있는 매춘업소를 떠올리게 했기 때문입니다.

제1차 세계 대전 중에 열린 그 전시회에서 캔버스는 눈에 띄지 않게 사라졌고 Jacques Doucet가 그것을 구입하기 위해서는 Breton과 Aragon과 같은 인물의 개입이 필요했습니다. 1921. 1937년 국제 박람회에 출품되었고 마침내 1939년에 뉴욕현대미술관(MoMA), 미국에서 현재까지 남아 있습니다.

분석

산티아고 세바스티안은 그의 책에서 말합니다. "게르니카"와 피카소의 다른 작품: 도상학적 맥락, 피카소는 확인을 기대했던 동료 화가를 제외하고는 작업실을 방문하는 모든 방문객이 제작 과정에서 자신의 그림을 볼 수 없도록 했습니다. 그러나 대부분은 그를 심하게 비판했습니다.

화가 난 마티스는 이 그림이 현대 미술에 대한 모욕이자 조롱이라고 생각했고, 조르주 브라크(Georges Braque)는 다음과 같은 논평을 남겼습니다. 석유". Apollinaire는... "그들은 자연의 확장과 같으며... 지성을 통과하지 않습니다."라고 말했습니다. (산티아고 세바스찬)

그러나 연구원은 이해, 수용 및 이 Picassian 캔버스의 판촉: Kahnweiler와 Wilhelm Uhde, 화가. 그들은 이 작품에서 어떤 가치를 찾았습니까? 왜 상자 아비뇽 여성분들 예술의 역사를 바꾸다?

도상학적 설명

243.9 × 233.7 cm의 캔버스에 Pablo Picasso는 다섯 명의 나체 또는 거의 벌거 벗은 여성을 묘사합니다. 완전히 알몸으로 두 그룹으로 분류 할 수 있습니다. 왼쪽과 권리.

왼쪽에 있는 그룹은 서 있는 세 명의 여성으로 구성됩니다. 카운터 포스트, 암시적인 튜닉이나 천으로 간신히 옷을 입고 있습니다. 그 중 첫 번째는 프로필에서 포즈를 취하고 있습니다. 몸의 중앙은 어깨에서 엉덩이까지 덮고 가슴과 다리를 노출시키는 분홍색 튜닉의 존재를 나타내는 것 같습니다.

두 번째와 세 번째는 더 많은 것을 보여줍니다. 두 번째는 보는 사람을 완전히 마주하고 있는 반면, 한쪽 허벅지가 튜닉에 거의 감겨서 섹스는 남에게 맡긴다. 노출되지 않은 세 번째 반쪽 프로필은 반투명 천으로 엉덩이와 생식기를 덮고 있습니다. 그.

왼쪽 그룹에는 두 명의 여성이 있습니다. 한 명은 서 있고 다른 한 명은 앉아 있습니다. 그들의 인간의 얼굴은 일그러졌다. 완전히 벗은 얼굴은 아프리카 가면처럼 보이기 때문에 두드러집니다. 앉아있는 여성은 다리를 벌리고 성을 공개적으로 드러내고 있지만 이것은 화가가 자세히 설명하지 않았지만 평평한 표면으로 대체되었습니다.

펀드는 모든 중요성을 잃었습니다. 여성들은 천장에 매달린 천에 싸인 것처럼 보이지만 볼륨은 사라졌다. 모든 여성들 앞에서 그림의 아래쪽 여백에 과일 바구니가 있는 테이블이 보입니다. 테이블은 프레임의 중앙을 향해 기울어져 있습니다. 과일 그릇에는 사과, 배, 포도 한 송이, 멜론이 있습니다. 그들은 누구에게 제공됩니까? 아마도 고객(관중), 아마도 여성?

스타일

의 미학적 공식 아비뇽 여성분들 그것은 미술사를 바꿀 20세기 최초의 위대한 아방가르드 운동인 큐비즘을 예고했다. 그것은 이전에 학문적 예술의 전통에 어느 정도 고정된 다양한 단계를 거쳐온 피카소가 걸어온 예술적 길의 결과였습니다. 이러한 맥락에서 미술 평론가 산티아고 세바스티안의 말은 의미가 있습니다. 아비뇽 여성분들 “그림 그 이상은 이벤트였습니다.”

후기 인상파 화가 Paul Cezanne의 작품에서 영감을 받아 Picasso는 새로운 제안을 개발합니다. 1906년에 사망한 Cézanne의 필수 참조 중 하나는 그림일 것입니다. 세 명의 목욕하는 사람들. Cézanne의 이 그림은 Picassian 캔버스의 오른쪽 구석에 앉아 있는 한 인물의 그림에 영감을 주었을 것입니다.

전문가들은 또한 아비뇽 여성분들 작업과 함께 종말의 비전 델 그레코; 연극 파리스의 심판 루벤스의; 아프리카 예술; 아시리아와 이집트 예술; 이베리아 미술(그 중 일부는 소장하고 있음)과 마지막으로 에 대한 과학적 연구 네 번째 차원. 이 모든 것을 염두에 두고 말라가 화가는 자신의 예술적 길을 재정립할 것입니다.

의 위에 아비뇽 여성분들, 파블로 피카소는 조형주의를 잃지 않으면서 형상을 분해하거나 합성하는 조형적 언어를 이해하는 새로운 방식을 제시한다. 기하학적 요소.

마찬가지로 피카소는 단일 표면에 서로 다른 평면의 중첩(각 그림에서도). 따라서 우리는 예를 참조하기 위해 정면에서 눈과 옆에서 코와 같은 "부조화" 요소를 봅니다. 피카소는 가능한 모든 관점을 단일 표면에 표현하기를 원했습니다. 이것은 서구 회화 전통과의 진정한 단절을 구성했습니다.

그만큼 음량 수치의 최소 요소로 축소되었으며, 공간적 깊이. 피카소는 인상주의가 선의 제거와 함께 증발했던 오브제들의 견고함을 되돌려준다. 볼륨은 의도적으로 혼란스럽습니다. 동일한 캔버스에서 Picasso는 대부분의 표면적이지만 자의적인 사용을 통해 강조하고 싶은 부분에 볼륨을 부여합니다. 키아로스쿠로.

색상에 관해서는 다음을 선택하십시오. 불투명 팔레트, 소프트, 시청자가 그래픽 요소에 집중하도록 유도합니다. 선, 각도, 모양, 평면의 사용등, 즉 화가가 이 캔버스를 통해 처음으로 선보이는 새로운 요소들이다.

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의미

테이블은 마치 장면을 관통하는 것처럼 그림의 중앙을 가리킵니다. 과일이 제공됩니다. 여성들은 시청자를 바라보고, 이것은 그들에 의해 관찰되는 것으로 알려져 있습니다... 의 의미에 대한 추측 아비뇽 여성분들 그들은 다양합니다. 어떤 사람들은 캔버스에서 도덕적 지위를 본다고 믿습니다. 우리가 보았듯이 다른 사람들은 내용보다 형식의 중요성을 강조합니다. 빅토리아 찰스는 피카소가 이렇게 말합니다.

나는 표현의 힘을 찾고 있었지만 주체, 주체, 대상 그 자체가 아니라 선, 색, 형태, 붓놀림과 붓놀림, 그 자체의 독립적인 의미, 글쓰기의 에너지 화보.

이러한 이유로 피카소가 "예술적 체계 고풍”, 즉 원시적, 야만적 또는 이국적인. 이 경우 그의 주요 영감은 아프리카 예술에 있을 것입니다. 이 예술에 대한 지식은 깊지 않았습니다. 그때까지는 그것을 공정하게 해석할 만큼 충분히 강력한 비평 문헌이 없었지만, 그럼에도 불구하고 영향력은 느껴졌습니다.

작업은 즉흥 연주의 결과가 아닙니다. 오히려 그의 스케치에 반영된 사려 깊은 반성과 실험의 결과였습니다. 그 중 하나에서 우리는 피카소가 두 사람을 포함하여 일곱 명의 그룹을 대표하기 위해 어떻게 계획했는지 알 수 있습니다.

연구원 산티아고 세바스티안(Santiago Sebastián)은 그의 스케치가 피카소가 반영한 것을 관찰하는 단서 역할을 한다고 말합니다. 사랑, 미덕, 죽음의 문제를 둘러싸고 마침내 그는 자신의 개념. 시간이 지남에 따라 피카소는 이러한 남성 캐릭터를 제거하고 여성 캐릭터가 시청자에게 시선을 향하게 하여 허구를 깨뜨렸습니다.

연구원 산티아고 세바스티안(Santiago Sebastián)의 경우, 왼쪽에 두 인물이 있고 오른쪽에는 얼굴이 진짜 가면으로 변해있다. 아프리카 사람.

비평가는 이 대조를 두 가지 예술 개념, 즉 하나는 전통적 개념과 다른 하나는 파괴적 개념 사이의 갈등을 불길한 표현 톤으로 표현한 것으로 해석합니다. 그러나 그럼에도 불구하고 비평가는 조형적 요소가 그 자체로 가치로 발전된 것이 아니라 화가의 표현적 욕구의 기능이라고 주장한다.

산티아고 세바스티안은 아비뇽 여성분들 라고 불리는 바로크 작품 파리스의 심판 정보가 있을 때 Pedro Pablo Rubens가 작성했습니다. 프라도 미술관의 플랑드르 회화 및 북부 학교는 웹사이트에서 다음과 같이 알려줍니다.

파리의 심판에 관한 신화적 설명은 에리스의 여신인 에리스가 있었던 곳인 펠레우스와 티스의 결혼식에 그 기원을 두고 있습니다. 불화, 나는 가장 아름다운 여신 선물에 그녀가 던진 황금 사과를 줍기에 도전합니다. 선물. Juno, Minerva 및 Venus는 논쟁을 시작했고 Jupiter는 사과를 Mercury에게 주기로 결정하고 그가 판사 역할을 할 Paris에게 주기로 결정했습니다. 로마의 시인 오비디우스는 그의 작품 헤로이다스(Heroidas, XVI, 65-88)에서 심판에 대해 이야기했는데, 여기서 파리스는 마침내 비너스를 승자로 선택했습니다. 그 대가로 여신은 그에게 트로이의 헬레네의 손을 주어 트로이 전쟁을 일으켰습니다.

루벤스는 파리의 심판이라는 주제를 여러 번 사용하여 여성의 아름다움의 이상을 기뻐하고 사랑과 열정의 결과를 고려할 수 있었습니다.

Rubens가 대표하는 장면에서 황금 사과는 여신에게 주어지며 Sebastian에 따르면 금성, 아름다움, 젊음, 욕망 및 재생과 관련된 과일입니다. 비평가에게 이 제스처는 피카소의 작업에 존재하지만 변형되었습니다. 사과를 대신할 수 있는 과일 바구니를 말합니다.

피카소 캔버스에 표현된 여성의 빈약한 옷장은 또한 루벤스의 캔버스에 있는 여신의 정숙하지 않은 부분을 둘러싸고 있는 고급 직물을 생각나게 합니다. 그러나 아비뇽의 모든 여성이 성별을 숨기는 것은 아닙니다. 화가는 변형을 도입했습니다. 무슨 목적을 위해?

비평가 세바스티안은 그의 감각을 새로운 현실로 옮기기는 했지만 이 모든 것에서 루벤스와 같은 도덕적 의미를 봅니다. 캔버스는 아비뇽 여성분들 여성, 덕과 악의 관계에 대한 성찰을 강조합니다. Santiago Sebastián은 과일 바구니가 이 여성들에게 제공되었다고 제안합니까? 그들은 여신입니까? 피카소는 의심스러운 무역을 하는 이 여성들에게 신성의 후광을 입혔습니까? 이 과일은 여성의 섹슈얼리티를 상징합니까?

파블로 피카소의 전기

파블로 피카소는 1881년 10월 25일 스페인 안달루시아의 말라가에서 태어나 1973년 4월 8일 프랑스 무쟁에서 사망했다. 조르주 브라크, 후안 그리스와 함께 입체파 운동의 창시자로 여겨지는 화가이자 조각가였다.

아주 어렸을 때부터 그는 예술에 재능을 보였고 이 분야에서 훈련을 받았습니다. 그는 San Telmo 학교의 그림 교사인 아버지로부터 미술 수업을 받았습니다. 13세가 되자 피카소는 바르셀로나의 라 로하 예술 학교에 등록했습니다. 그는 마드리드의 산 페르난도 왕립 미술 아카데미에서 공부했습니다. 1900년 그는 파리로 갔고 그곳에서 예술계를 접하게 되었고 그곳에서 대부분의 삶을 살았습니다.

피카소의 작품은 매우 다작이었고 현대 세계에 근본적인 영향을 미쳤습니다. 그의 예술적 삶과 병행하여 피카소는 죽을 때까지 프랑스 공산당의 일원으로 유명했습니다.

참고문헌

• Castaños Alés, Enrique: 새로운 개념의 형태와 회화적 공간. 창건된지 100년이 흘렀다. 레 드모아젤 다비뇽. 저널에 원래 게재됨 남쪽 2007년 4월 20일 말라가에서.
• 찰스, 빅토리아(2011): 파블로 피카소, 파크스톤 인터내셔널.
• 프라도 미술관의 플랑드르 회화 및 북부 학교: 파리스의 심판. 다음에서 복구: museodelprado.es.
• 곰브리치, 에른스트(1989), 예술의 역사, 멕시코: 다이애나.
• 산티아고 세바스티안, 파블로 피카소(1984): "게르니카"와 피카소의 다른 작품: 도상학적 맥락. 스페인: 에디툼.