7인의 재탄생 아티스트와 그 대표작들

또는 14세기부터 17세기까지 유럽에서 문화가 크게 활성화된 시기이자 레오나르도 다빈치, 미켈란젤로, 라파엘로, 티치아노와 같은 위대한 예술 거장들의 무대였던 환생.

또는 르네상스 예술가의 역할은 시대의 가치와 사상에 필수적입니다(예: valorização do homem e da ciência) fossem은 인상적이고 대중에게 전달되었습니다. 조화로운.

이를 위해 그들은 그리스-로마 문화의 고전적 아름다움에 대한 대칭, 균형, 원근법 및 비이상적 영감과 같은 자원을 사용합니다.

1. 레오나르도 다빈치(1452-1519)

Leonardo da Vinci는 가장 유명한 이탈리아 르네상스 예술가로 간주 될 수 있습니다. Foi or who is chama de polymat, 예술과 과학의 다양한 분야에서 다양한 기술과 지식을 가진 사람.

수아는 과학적인 지식으로 머리카락을 구하고 극도의 아름다움과 완벽함을 지닌 예술 작품을 창조하거나 천재지위를 키웠으니 어찌나 대단한지 이해하기 어려웠다. 가능하다.

나는 Andrea del Verrochio라는 유명한 예술가의 견습생으로 그곳에서 회화와 조각 기법, 원근법 및 색채 구성을 배웠습니다.

다빈치는 지식의 본부를 두고 있으며 학문적 수단이 아닌 실험을 통해 조사하여 여러분의 궁금증을 실질적으로 해결해 드립니다.

인체에 대한 더 큰 이해를 추구하는 Assim은 trinta corpos(포함 자궁이 아닌 태아의 성장 또는 연구 수행), 또는 내가 perfeição로 묘사하도록 허용한 인간의 모습

그는 공학, 건축, 도시 계획, 수리학, 수학, 지질학 및 화학과 같은 분야에서 많은 연구를 수행했습니다. 그 와중에 가장 눈에 띄는 작품들이 있다.

그의 학생들은 더 많은 정보와 자연에 대한 숙달을 습득하여 보다 일관된 방식으로 자신의 예술을 수행할 수 있기를 열망합니다.

Dessa 형식 또는 예술가 ganhou 거대한 projeção e reconhecimento na renascença, pois nessa epoch to 이성, 과학, 인간의 가치가 입증되었거나 작업.

다빈치는 1519년 프랑스에서 67세의 나이로 사망했습니다. 엄청난 인지도에도 불구하고 오해의 소지가 있는 천재라고 할 수 있다.

모나리자 (모나리자, 원래)는 1503년에 제작되었으며 프랑스의 루브르 박물관 컬렉션을 통합한 레오나르도 다빈치의 가장 유명한 작품입니다. 축소된 크기(77 x 56cm)의 캔버스는 Florença의 moça da 지역의 이미지를 보여줍니다.

또는 리얼리즘과 조화, 신비로운 분위기가 인상적인 작품. 한 젊은이는 직물에 표시되는 감정을 조사하는 것과 관련하여 많은 연구자들이 연구한 적이 없는 다소 흥미로운 특징을 가지고 있습니다.

여성은 극도의 조화와 균형으로 묘사되어 인간 존재의 동시대 또는 수수께끼를 상징합니다. 이 때문에 이러한 특성이 높이 평가된 적이 없다는 점을 감안할 때 이것은 르네상스 미술의 주요 작품으로 간주됩니다.

아티스트 foi o가 사용하는 기술 스푸마토 (그에 의해 개발됨) 빛이 약간만 저하되어 깊이 효과에 더 큰 충실도를 부여합니다. 나중에 이 방법은 다른 아티스트들도 사용할 것입니다.

2. 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)

O 이탈리아의 미켈란젤로 Buonarroti é também um dos maiores nomes do renascimento no 친퀘첸토, Renascença의 마지막 단계, 또는 1500에서 실행.

이 시대의 중요한 예술가로서 인간의 표현에 대한 모든 감수성과 기술을 그의 예술로 번역 할 수 있습니다.

또는 그 당시의 또 다른 예술가인 Giorgio Vasari의 말에서 분명한 사실은 다음과 같습니다.

이 특별한 집에 대한 아이디어는 인체의 행동과 완벽한 비율, 그 태도의 엄청난 다양성, 전체 사람들과 영혼의 승영이었습니다.

그의 예술적 경력은 cedo. 13세 때 그는 신선한 그림과 디자인에 대한 기술적 지식을 전수한 Master Domenico Ghirlandaio의 견습생이었습니다. 한편 호기심 많은 예술가는 Giotto, Massaccio, Donatello와 같은 다른 이름에서도 영감을 찾습니다.

미켈란젤로는 다빈치처럼 인체 해부학을 연구하고 시체를 분석하며 관찰한 내용을 푸는 데 전념했습니다. 신체에 대한 깊은 지식, 사람의 디자인과 조각을 특이한 각도로 완벽하게 재현합니다.

그는 회화, 조각, 건축과 같은 다양한 예술 언어로 작품을 제작했으며, 그의 재능은 오 디비노(O Divino)로 불렸다.

미켈란젤로는 88세인 1564년에 길고도 실패한 삶을 살았습니다. 그의 무덤은 이탈리아의 Igreja da Santa Cruz de Florença에서 발견됩니다.

몇 가지 주요 작품이 눈에 띄며 이는 미켈란젤로의 인물 표현과 피에타.

조각은 1499년에 174 x 195cm 크기의 대리석으로 만들어졌으며 바티칸이 아닌 상페드로 대성당에서 볼 수 있습니다.

여기, 마리아가 filho Jesus, já sem vida, we braços였던 순간에 전시된 저녁 식사에서. 시체는 exatidão로 표시됩니다.

작가는 단단한 대리석을 인상적이고 조화로운 방식으로 근육, 외모 및 얼굴 표정의 표현으로 변형했습니다.

특히 주목할 만한 특징은 환생 작품에서 흔히 볼 수 있는 피라미드 형식의 구성에는 적용되지 않는다.

isso에 따르면 작품은 가장 잘 알려진 작품 중 하나이며, 한편으로는 다비 그리고 두 개의 신선한 과일 카펠라 시스티나, 르네상스 문화 feita pelas mãos do mestre의 아이콘으로 변했습니다.

3. 라파엘 산치오 (1483-1520)

Rafael Sanzio는 이탈리아 Umbria 지역의 유명한 거장 Pietro Perugino의 사무실에서 여전히 공부할 때 자신의 재능을 보여준 예술가였습니다.

큰 성공을 거둔 화가로서 르네상스 회화의 몇 가지 특징, 형태, 코어 및 구성의 균형으로 또는 대칭이 되는 중요한 포인트를 판매합니다. 일했다.

1504년경, 그는 미켈란젤로와 다빈치가 예술적으로 큰 변화를 일으킨 플로렌사를 방문했습니다. Rafael, porém은 겁을 먹지 않았고 그림에 대한 지식을 탐구했습니다.

예술가는 Virgem Maria(마도나로)의 많은 이미지를 그리는 것으로 알려져 있습니다. 이 캔버스에는 화가의 성격뿐만 아니라 자연과 자발성이 있습니다.

그 순간, 라파엘로는 교황 율리우스 2세와 나중에는 레오 10세의 요청으로 로마로 초청되어 바티칸을 위해 많은 일을 했습니다.

라파엘 산치오는 1520년 4월 6일 기념일이 아닌 37세의 나이로 세상을 떠났다.

produção é에서 가장 눈에 띄는 작품 중 일부 아테네 학당으로 (1509-1511). 또는 770 x 550 cm 크기의 패널로 바티칸 궁전에서 주문 및 발견되었습니다.

만찬은 지성과 철학의 다양한 개성이 존재하는 지역을 보여줍니다. Platão e Aristóteles와 같은 grega, 또는 현재 고전 문화의 가치 평가가 아닌 갱생.

이 작업의 또 다른 중요한 점은 원근감과 깊이의 큰 영역을 묘사하는 환경이 어떻게 전시되었는지입니다.

아티스트에 대해 자세히 알아보려면 다음을 읽어보세요. Rafael Sanzio: 주요 작품 및 전기.

4. 도나텔로 (1386? -1466)

Donato di Niccoló di Betto Bardi라는 이름의 Donatello는 당대 가장 유명한 두 조각가 중 한 명으로 여겨지는 Florença 지역의 예술가였습니다.

나는 또한 그 시대의 중요한 예술적 변화를 책임지고 있습니다. 콰트로첸토 (Seculum XV), pois afastava-se는 중세 comum이 아니라 고딕 예술의 특성을 제공합니다.

여러 작품을 통해 도나텔로의 엄청난 상상력과 그의 상상력을 엿볼 수 있다. 움직임의 아이디어를 조각으로 전달할 수 있는 능력은 견고하고 견고하기 때문에 원기 왕성한.

그는 많은 성인들과 성경 인물들의 조각상을 만들어 인간의 분위기 속에 중생에 해당하는 대로 삽입했다.

대리석, 청동 등의 소재를 사용하여 주로 인체 표현과 두 가지 제스처가 뛰어난 작품을 제작합니다.

그는 일생 동안 재구성을 정복했고 1466년 플로렌차에서 그가 묻힌 모르르를 정복했습니다.

그의 작품 중 일부는 당신이 눈치 채지 못할 것입니다. 데이비드, 1444년에서 1446년 사이의 feita em 청동. 페사는 다윗이 거대한 골리아스를 처형하는 성경 구절을 나타냅니다.

이것은 고전 그리스-로마 미술에서 영감을 받아 천 년의 기간 동안의 누더즈 데푸아를 전시한 최초의 작품이었습니다. 작품에서 다윗은 며칠에 한 번씩 칼과 돌을 든 청년으로 묘사되며 험난한 해의 정점에 선다.

Donatello는 신체의 나머지 부분이 아니라 두 개의 페(enquanto 또는 weight)로 지지되고 균형을 이루는 인물을 배치하는 것으로 구성된 카운터 포스트(counterpost)라는 법적 리소스를 사용합니다. 이러한 인공물은 조각에 더 큰 조화와 자연스러움을 보장합니다.

5. 산드로 보티첼리(1446-1510)

피렌체 산드로 보티첼리(Sandro Boticcelli)는 그의 캔버스에 조화롭고 우아한 아우라를 전달한 중요한 15세기 예술가였습니다.

성서적 또는 신화적 만찬의 표현을 통해 화가는 고대의 고전 문화에서 영감을 받은 자신의 이상을 미인으로 드러냈습니다.

따라서 묘사된 인물들은 어떤 우울함과 결합된 신성의 아름다움을 가지고 있습니다.

또는 비너스의 탄생 (나시타 디 베네레) 이러한 특성을 볼 수 있는 직물이 많이 있으며, 이는 아마도 보티첼리의 주요 하이라이트일 것입니다.

이 작품은 1484년에 구상되었으며 172.5 x 278.5 cm 크기로 이탈리아의 Galleria degli Uffizi 컬렉션을 통합합니다. Nela는 그녀의 머리카락과 섹스의 구리 껍질에서 나오는 사랑, Vênus의 출현에 대한 신화적인 만찬에서 묘사됩니다.

O 작품은 메디치 가문의 부유한 후원자로부터의 의뢰였으며, 청년을 고요한 위치에 노출시켰습니다. 날개 달린 독립체와 꼬르드로자 망토를 제공하는 소녀에게 꽃의 추바로서 받아들여진다.

우리는 젊고 아름다운 인물에 의해 드러난 우아하고 가벼운 사각형을 볼 수 없습니다. 길쭉한 물고기와 주인공의 약간 처진 어깨와 같은 신체 구성의 일부 결함은 눈에 띄지 않는다는 점에 유의하는 것이 중요합니다.

6. 티치아노 (1485-1576)

티치아노는 두 명의 저명한 베네치아 르네상스 화가였습니다. 그의 출신 도시는 Cadore이지만, 또한 Veneza에서 분리된 회화 학습으로 자란 아이이기도 합니다.

그는 평생 동안 큰 명성을 얻었고 동시대의 미켈란젤로가 알았거나 무시했던 것과 같은 기술을 가진 코어의 혼합 예술이되었습니다.

그는 코어를 지혜롭게 사용하여 일관성 있고 조화로운 구성을 달성했습니다.

알리아스, 티치아노 작업의 구성은 지금까지 생산된 예술의 단절로 인식되어야 할 어떤 것이다. 오 화가는 놀랍고 특이한 방식으로 우리 안에 요소를 삽입했습니다.

나는 또한 그의 초상화와 표현력 있고 강력한 올헤어로 전시된 사람들의 생동감을 전달하는 능력으로 인해 수년간 보상을 받았습니다.

그의 삶은 길었고, 1576년 이탈리아 베네자에서 한 번에 유럽을 황폐화시킨 역병의 희생자로 사망했습니다.

A assunção da Virgem 그것은 그의 뛰어난 작품 중 하나입니다. 마치 티치아노가 그의 위대한 참고서인 조르조네와 같은 다른 거장들로부터 영향을 받아 보다 독립적인 의상을 입는 것과 같습니다.

1518년에 산타 마리아 글로리오사 데이 프라이 대성당에 커다란 패널을 그렸고, 나를 관찰하기 위해 사도의 나이가 되어가는 성모 마리아를 드러내고 있다.

banha에 비추어 저녁 식사는 하늘의 아름다움과 모든 구성과 feita로 대중을 아래에서 위로 안내하거나 olhar합니다.

7. 틴토레토 (1518-1594)

Jacopo Robusti는 Tintoretto로 알려지게 되었고 15세기의 두 번째 목표인 Maneirism으로 알려진 운동의 화가였습니다.

작가는 이 시대의 형태와 코어가 표현된 방식에서 닳아짐을 단순함과 아름다움으로 인식하지만 여전히 보여지는 감정을 많이 느낀다.

동시에, 그들은 그들이 묘사하고자 하는 만찬에 성경적, 신화적 다수를 더 극적이고 표현력 있게 전달합니다.

빛과 그림자의 뚜렷한 대비, 괴상한 몸짓과 움직임, 덜 부드러운 마음과 같은 자원 모두에 사용되었습니다. 그의 목표는 테크닉으로 지나치게 신경쓰지 않고 관중이 아닌 긴장감과 감동을 만드는 것이었다.

여자 이름 라스트 시아 우리는 틴토레토의 스타일을 분명히 볼 수 있습니다. 이 작품은 예수께서 제자들과 함께 마지막으로 언급하신 성경의 만찬을 보여주며, 그 날짜는 그의 생애의 마지막 해인 1594년부터입니다.

이 구성은 San Giorgio Maggiore 대성당의 Veneza에 위치한 3.65m x 5.69m의 큰 치수를 가지고 있습니다.

화가의 머리카락으로 사용된 색상은 어둡고 우울하고 신비롭고 극적인 분위기를 드러냅니다. 색 구성표는 그림을 이해하는 데 필수적인 요소라고 할 수 있습니다.

Além disso는 인물이 예수 전체에 걸쳐 자신의 몸 주위에 빛나는 아우라를 나타내거나 큰 대비와 시각적 효과를 제공할 때 나타납니다. ceia 테이블은 대각선으로 배치되어 전통적인 관점의 특이한 사용을 추적합니다.

보여지는 요소들은 나중에 찾아볼 수 없고, 내가 따라가는 움직임이나 바로크가 아니다.

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• Leonardo da Vinci: 기본 작품

참고 문헌:

• 곰브리히, E. H. 역사는 예술을 제공합니다. 리우데자네이루: LTC - 기술 및 과학 서적.
• PROENÇA, 그라사. 예술의 역사. 상파울루: Editora Ática.