Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere?

We weten allemaal dat kunst, zoals zoveel dingen, subjectief is. Echter, Is er een kunst objectief gezien beter dan een andere? Kunnen we een artistieke stijl of een tijd vinden waarin de artistieke manifestatie objectief gezien beter is dan de andere?

We stellen een wandeling door de kunstgeschiedenis voor om te ontrafelen of er echt een kunst is die objectief gezien beter is dan een andere.

• Gerelateerd artikel: "De 8 takken van de geesteswetenschappen (en wat elk van hen bestudeert)"

Is er een objectief betere kunst?

In sommige periodes van de geschiedenis is dit zeker geloofd. Dat is de reden waarom auteurs zoals Vasari tijdens de Renaissance de gotische kunst kleineerden en het bestempelden als "barbaarse" kunst (gotische kunst, waar de naam vandaan komt). De barok was ook een van de veel verguisde stijlen met de komst van de Franse Revolutie en het classicisme. Maar welke reden was er voor deze overwegingen?

De reden was niemand minder dan de mentaliteitsverandering en daarmee de schijn van vooroordelen. In de tijd van Vasari had de renaissance de kunsten overgenomen, dus alles wat niet in een 'classicistische' visie paste, werd beschouwd als een kleine, minder ontwikkelde kunst. Hetzelfde gebeurde eeuwen later met de barok en vooral de rococo. De Franse revolutionairen zagen dat laatste als kunst van de adel en dus een kunst die vernietigd moest worden.

Dus In hoeverre zijn artistieke evaluaties onderhevig aan vooroordelen?

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 10 takken van de filosofie (en hun belangrijkste denkers)"

Maar wat is kunst precies?

Hier moeten we een verduidelijking introduceren. Wat is de kunst? Een even veelvoudige als complexe (en gecompliceerde) definitie. De Koninklijke Spaanse Academie biedt verschillende definities van het woord. Onder hen zijn de volgende: "Capaciteit, vermogen om iets te doen" en "Manifestatie van activiteit waardoor wat echt is wordt geïnterpreteerd of wat wordt ingebeeld, wordt vastgelegd met plastic, taalkundige of stemhebbend". Wij zijn van mening dat de RAE in de tweede zin de spijker op de kop heeft geslagen. Laten we het goed bekijken: "... waardoor wat echt is wordt geïnterpreteerd of wat wordt ingebeeld, wordt vastgelegd." Het is duidelijk: kunst heeft twee wegen: de weergave van de werkelijkheid (soms strikt, zoals we later zullen zien) of de belichaming van transcendente concepten. Bovendien moeten we eraan toevoegen dat beide dingen niet op gespannen voet met elkaar staan, hoewel ze ons dat wel doen geloven.

Van zijn kant, de eminente E. H. Gombrich, in zijn beroemde kunstgeschiedenis, begint zijn inleiding door te stellen dat: “Kunst niet echt bestaat. Er zijn alleen kunstenaars. Dit waren ooit mannen die gekleurde aarde namen en ruwweg de vormen van een bizon op de muren van een grot tekenden; vandaag kopen ze hun kleuren en tekenen ze borden voor de metrostations”. En dan voegt hij eraan toe: "Het kan geen kwaad om al deze activiteiten kunst te noemen, zolang we daar maar rekening mee houden zo'n woord kan veel verschillende dingen betekenen, in verschillende tijden en plaatsen, en zolang we merken dat Kunst, geschreven met het woord met een hoofdletter A, niet bestaat, aangezien Kunst met een hoofdletter A in essentie een geest en een idool moet zijn…”.

Met andere woorden, voor de prestigieuze historicus, als er maar kunstenaars bestaan ​​en er dus geen ideaal van kunst is (dat Kunst met hoofdletter die commentaar geeft), dan betekent het inderdaad dat er geen artistieke stijl of tijdperk beter of slechter is dan anderen. Om deze korte reis uit te voeren, zal het zeer nuttig zijn om te vertrouwen op concrete voorbeelden; op deze manier zal het veel gemakkelijker zijn om te begrijpen wat Gombrich bedoelde met een dergelijke verklaring.

• Gerelateerd artikel: "Wat zijn de 7 Schone Kunsten? Een samenvatting van de kenmerken"

Compositie, vorm, perspectief

Laten we de bizon waar Gombrich commentaar op geeft als voorbeeld nemen. U denkt allemaal aan het typische prehistorische schilderij, gemaakt in de beschutting van een grot. Laten we een vraag stellen. Is deze voorstelling realistisch? Aarzel niet om te antwoorden, want het antwoord is "nee".

De kunstenaar die de bizon schilderde, was niet van plan een echte bizon weer te geven, met zijn volumes, zijn perspectief en zijn realistische details. Er is inderdaad helemaal geen perspectief; de tekening is volledig vlak (hoewel in sommige voorbeelden duidelijke pogingen tot realisme kunnen worden opgemerkt). Het resultaat is in ieder geval hetzelfde: het afgebeelde dier op de muur of het plafond van de grot vertegenwoordigt een idee, een concept, geen echte bizon.

Laten we de prehistorische bizon eens vergelijken met een 19e-eeuws schilderij; Bijvoorbeeld, Angelusgebed in het veld, van de schilder Ignacio Díaz Olano uit Vitoria.

We zullen zien dat, op het canvas, de schilder heeft een minutieuze weergave gemaakt, bijna fotografisch, uit de anatomie van twee ossen. De volumes zijn perfect, het perspectief is voldoende; we hebben het gevoel aanwezig te zijn in de scène, alsof we deel uitmaken van het weergegeven moment. Kortom: Díaz Olano legt een fragment van de werkelijkheid vast.

Op dit punt stellen we een vraag. Is het team van Díaz Olano objectief gezien beter? Qua resolutie, tekening, perspectief en techniek natuurlijk wel. Het perspectief, de volumes, de realistische tinten van het schilderij; ze hebben niets te maken met de platte figuur, in neutrale kleuren, die we op de muur van de grot zagen. Betekent dit nu dat het werk van Díaz Olano in het algemeen objectief gezien beter is dan de prehistorische bizon? Het antwoord zou in dit geval ongetwijfeld "nee" zijn.

• Mogelijk bent u geïnteresseerd in: "De 10 takken van de filosofie (en hun belangrijkste denkers)"

De uitdrukking, het concept, het idee

Laten we nog een voorbeeld nemen dat heel goed illustreert wat we bedoelen. En het is niemand minder dan De executies van 3 mei, van Goya.

Goed. Vergelijk het nu met een andere opnamescène: Executie van Torrijos en zijn metgezellen op de stranden van Malagadoor Antonio Gisbert.

Laten we beginnen met de tweede. In Torrijo's, alles is perfect. Nogmaals, de compositie heeft geen fout; noch het perspectief, noch de volumes, noch de tekening, noch de techniek. Het is formeel gezien een perfect plaatje. Daarnaast brengt Gisbert ook expressie in zijn werk: als we goed kijken, zijn elk van de gezichten van degenen die gaan sterven, drukken een ander gevoel uit, variërend van de meest ondragelijke angst tot de meest verbazingwekkend.

Laten we nu naar de executies van Goya gaan. Kunnen we zeggen dat Torrijos formeel beter is opgelost? Nou, ondanks dat we over Goya praten, is het antwoord opnieuw "ja". Gisberts canvas is een fotografische momentopnameEen echt moment in het leven vastleggen. Nogmaals, en zoals met het angelus door Díaz Olano, het lijkt alsof we op het strand zijn, met Torrijos en zijn metgezellen. Wat echt opwindend is aan het schilderij, is dat het lijkt alsof we deel uitmaken van de groep gevangenen die wachten op hun beurt om te sterven, gezien het punt waar het zicht van de kijker zich bevindt. Wat de gezichten betreft, niets meer te zeggen; Gisbert maakte aantekeningen van originele portretten van de slachtoffers en ontmoette ook familieleden van de overledene om de gelaatstrekken van de geëxecuteerden getrouw na te bootsen.

Als we nu naar Goya's schilderij gaan, zullen we zien dat de gezichten niet herkenbaar zijn. Om te beginnen verbergen de Fransen (de beulen) hun gezicht, alsof ze zich schamen. Bovendien bedekken de meeste van die schoten hun gezicht met hun handen. De weinigen die hun gezicht laten zien, lijken ons eerder carnaval- of nachtmerriemaskers dan mensen. Er zijn geen geïndividualiseerde facties; Goya schildert terreur in zijn puurste vorm.

Laten we dan naar de vraag gaan. Betekent dit dat het schilderij van Gisbert objectief gezien beter is dan dat van Goya? Duidelijk niet. En omdat? Omdat, heel eenvoudig, de bedoeling van Gisbert bij het uitvoeren van de zijne Torrijo's was niet dezelfde als die van Goya toen hij de zijne schilderde executies. De eerste wilde een onberispelijke werkelijkheid laten zien, terwijl de tweede hij uitte zijn woede en frustratie door middel van het penseel. Gisbert heeft het vuurpeloton van Torrijos niet meegemaakt; bovendien schilderde hij het schilderij enkele decennia later. Goya leefde die noodlottige dagen van mei.

• Gerelateerd artikel: "Wat is creativiteit? Zijn we allemaal "would-be genieën"?"

De ballast van het academisme

Vanaf de 18e eeuw en vooral in de 19e eeuw werd academische kunst (zoals het schilderen van Torrijo's) wordt beschouwd als het hoogtepunt van schilderkunst en beeldhouwkunst. De perfecte compositie, de resolutie van een naadloos perspectief, de juiste verhouding tussen karakters... wetenschappelijke werken hebben eigenlijk geen formele fouten om op te wijzen.

Het is echter niet minder waar dat in de 19e eeuw de uitdrukking en het idee in de vergetelheid raakten. Met andere woorden, het 'wat' werd verwaterd en alleen het 'hoe' bleef over. Heel in tegenstelling tot wat andere 'kunsten' in de geschiedenis waren geweest, waar bovenal het concept, het idee dat werd gerepresenteerd, de overhand had. Dit is een van de redenen waarom onder meer middeleeuwse kunst sinds de 18e eeuw grotendeels wordt veracht; zijn conceptuele, transcendente stijl paste niet bij het heersende academisme.

Willen we een kunstwerk op de juiste waarde schatten, dan moeten we bedenken dat we in onze waardering de ballast van het academisme met ons meedragen. En pas op, want we bedoelen hiermee niet dat academische kunst slecht is, integendeel; maar het is waar dat ons jarenlang is geleerd dat de enige "goede" kunst is een die de formele richtlijnen van onder andere perspectief, volume en compositie respecteert dingen. En hierdoor raken we natuurlijk de weg kwijt en zijn we niet in staat om de andere 'kunsten' te waarderen, die natuurlijk op zichzelf waarde hebben.

Want de richtlijnen die nodig zijn om een ​​werk te waarderen, zijn niet alleen de richtlijnen die de Academie ons al eeuwen oplegt. Er zijn andere, zoals expressiviteit, gevoel en idee die aan de andere kant degenen zijn die de kunst van andere tijden en culturen dicteerden. Moeten we geloven dat een Romaanse Madonna met Kind 'erger' is dan een Venus van Praxiteles? Natuurlijk niet. Ze zijn dochters van twee concepten en twee heel, heel verschillende werelden.

Echter, en zoals alles wat met kunst te maken heeft, is de beslissing aan iedereen. In dit artikel stellen we enkel een andere look voor en vooral geschikt voor elk specifiek werk; een look die rekening houdt met de context, de technische mogelijkheden en de persoonlijkheid van de auteur.