De 25 meest representatieve schilderijen van de Renaissance om hun bijdragen te begrijpen

De grote picturale revolutie van de Renaissance vond concreet plaats in de 15e eeuw, bekend als het Quattrocento. In een omgeving van groeiende intellectuele nieuwsgierigheid, maakte de verbetering en verspreiding van olieverf het gebruik van het doek als drager, zodat het schilderij zich van de muren kon bevrijden, en dit was een voorstander van verzamelen bijzonder.

Zo ontstonden nieuwe genres zoals de portretkunst en ontstond de belangstelling voor landschap en stillevens, zij het nog niet als zelfstandige genres. Ook de naakten en niet-christelijke mythologische, historische en allegorische thema's kwamen aan bod. Religieuze thema's bleven aan de orde van de dag, maar vanuit een antropocentrische benadering.

Vervolgens maken we een chronologische rondleiding door de beroemdste schilderijen van de Renaissance, om de bijdragen en innovaties van elke kunstenaar en de evolutie van de stijl in de loop van de tijd vast te leggen.

1. Heilige Drievuldigheid met de Maagd, Sint-Jan en donateurs, door Masaccio (1425-1427)

Vers Heilige Drievuldigheid, met de Maagd, Sint-Jan en donateurs Het vertegenwoordigt het startpunt van de Renaissance, aangezien de grote plastische en culturele veranderingen van die tijd samenkomen. Het lineaire perspectief, het clair-obscur en de trompe-l'oeil-techniek vallen op. Het tongewelf, van Romeinse inspiratie, anticipeert op veranderingen in de Renaissance-architectuur. Naast de heilige karakters zijn ook de schenkers afgebeeld, wat het religieuze thema een antropocentrische uitstraling geeft. Dit onthult de waardering die de generatie voor zichzelf had.

2. De aankondiging, door Fra Angelico (1425-1426)

Aan de aankondigingFra Angélico erft van de Middeleeuwen de smaak voor detail van de vegetatie, maar brengt middelen uit de Renaissance. Hij heeft gebruik gemaakt van de sobere Grieks-Latijnse architectuur en heeft gebruik gemaakt van de lijnen om het perspectief te accentueren. Om meer ruimtelijke diepte te bereiken, heeft hij verschillende openingen geopend die boven elkaar liggende vlakken creëren: een deur leidt naar een kamer en deze toont een discreet raam aan de achterkant. De tuin aan de linkerkant verwijst naar de verdrijving uit het paradijs van Adam en Eva. Onderaan zien we een rij scènes uit het leven van Maria. Dit soort lijnen met opeenvolgingen van scènes aan de basis van de frames worden predela's genoemd.

3. Het Arnolfini-huwelijk, door Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck was een Vlaamse schilder die olieverfschilderijen perfectioneerde en hielp verspreiden. Dit specifieke werk is een van de vroegste picturale portretten in de geschiedenis. Beladen met symbolen, brengt het het belang en de waardigheid van de personages, die een goede sociale positie innemen, over. Het genie van Van Eyck is er echter niet.

De schilder introduceert een spiegel op de achtergrond die speelt met de representatievlakken. Daarin toont hij de weerspiegeling van twee personages die niet zichtbaar zijn in de hoofdscène, waardoor de illusie wordt gewekt dat ze de positie van de kijker innemen. Deze bron zal waarschijnlijk hebben geïnspireerd menina's door Velázquez, meer dan tweehonderd jaar later.

4. De Maagd van Canon Van der Paeledoor Jan van Eyck (1434-1436)

De Maagd van Canon Van der Paele komt overeen met een genre dat veel werd gebruikt in de Renaissance, genaamd Heilig gesprek (heilig gesprek), waarin de Maagd in een intieme setting een gesprek voert met de heiligen. In dit geval is de schenker inbegrepen, kanunnik Van der Paele, voorgesteld door Sint-Joris. Hij stapt op het kazuifel van de kanunnik en bedenkt dat hij ondergeschikt is aan de geestelijke macht. Zijn aanwezigheid op het toneel bevestigt echter zijn sociale rol in tijdelijke macht.

Het canvas benadrukt de behandeling van de kleding en de overvloed aan details. De glitter van het harnas van St. George is een excuus voor Jan van Eyck om reflecties te gebruiken. Je kunt de weerspiegeling van de kunstenaar en de Maagd zien, opgevat als een onberispelijke spiegel van goddelijke genade.

5. De slag bij San Romano, door Paolo Uccello (ca. 1438)

De slag bij San Romano van Paolo Ucello is een drieluik met scènes uit de slag waarin Florence Siena versloeg tijdens de Lombardische oorlogen. Oorspronkelijk in opdracht van de familie Bartolini, ging het al snel over in de Medici-collectie. Middeleeuwse elementen zijn nog aanwezig, zoals de overvloed aan details die het beschrijvende accentueren. Het wordt echter als een meesterwerk beschouwd vanwege het gebruik van perspectief en verkorting.

Verkorting bestaat uit de weergave van een object in een loodrechte hoek op de kijker. We kunnen ze in detail zien in het paneel De ontwapening van Bernardino della Ciarda, zowel bij de gevallen paarden, als bij het pittige paard en het witte paard rechts.

6. De kroning van de Maagd, door Fra Filippo Lippi (1439-1447)

De kroning van de Maagd Het is een altaarstuk dat Fillipo Lippi in opdracht van Francesco Moringhi heeft gemaakt voor de kerk van San Ambrosio. In plaats van een hemelse ruimte lijkt alles zich af te spelen in een theatrale ruimte, die doet denken aan een koninklijke zaal, waarvoor de heiligen, de schenker en Lippi zelf zijn uitgenodigd. Zoals we zien, drong de Italiaanse Renaissance aan op een antropocentrische visie op de lucht.

7. De afdaling van het kruis, door Rogier van der Weyden (ca. 1443)

Rogier van der Weyden was een Vlaamse schilder. Zijn bekendste werk is De afdaling van het kruis, oorspronkelijk geschilderd voor de Onze-Lieve-Vrouwekapel Buiten de Muren van Leuven. De anatomie is niet excata, omdat het doelbewust is gecorrigeerd om formele elegantie te bevorderen.

De verhoudingen zijn ook opzettelijk gewijzigd om de lichamen door de compositie te verdelen. De maagd Maria en Jezus lijken elkaars spiegelbeeld te zijn: zoals de moeder, de zoon; zoals de zoon, de moeder. Het schilderij wint in de behandeling van expressie, kleding en texturen.

8. De geseling van Christus, door Piero della Francesca (1455-1460)

Aan De geseling van Christus, Piero della Francesca behoudt het religieuze tafereel op de achtergrond en wordt gekenmerkt door zijn kilheid. Er zit geen emotie in de personages. Het thema lijkt bijna een verontschuldiging voor de ontwikkeling van het Renaissance plastic programma, gebaseerd op: in lineair perspectief, compositorische meetkunde en de verheerlijking van architectuur classicus. Het wordt bevestigd in het gesprek van drie hedendaagse personages, van wie de identiteit nog niet is vastgesteld.

9. Melun tweeluik, door Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet was een Franse schilder die de artistieke taal van Frankrijk vernieuwde door de invloed van de Vlaamse en Italiaanse schilderkunst. Het betreffende werk is opgevat als een tweeluik voor het graf van de echtgenote van Étienne Chevalier, zijn opdrachtgever. Beide tafels contrasteren met elkaar.

In het linkerpaneel heeft de schilder Etienne Chevalier en Saint Stephen, zijn beschermheer, afgebeeld in een klassieke architecturale ruimte. Rechts de Maagd met het Kind en engelen. Maria's blote borst verwijst naar haar als de verpleegster van de mensheid. Er is een overtuiging dat het gezicht van de Maagd dat was van de minnares van de cliënt, Agnès Sorel. Hoewel het onderwerp er heilig uitziet, heeft het een sterk profaan karakter.

10. Reis van de Magiërs, door Benozzo Gozzoli (1459)

In het Palazzo Medici Riccardi, in Florence, bevindt zich een kamer die de Kapel van de Wijzen wordt genoemd, een verwijzing naar de drie fresco's van Gozzoli die de stoeten van de Wijzen vertellen. Behalve dat het een meesterwerk is vanwege de complexiteit van de compositie, is het werk eigenlijk een verheerlijking van de macht uitgeoefend door de Medici-familie, wiens gezichten te vinden zijn in de personages the vertegenwoordigd.

Het kan je interesseren:

• Renaissance
• Renaissance-functies

11. Het huis van echtgenoten, door Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna valt op in dit fresco door het gebruik van renaissancetechnieken zoals trompe l'oeil, in een duidelijke poging om de grenzen tussen schilderkunst en werkelijkheid te vervagen. Het beeld dat we zien komt overeen met slechts één van de muren van De kamer van de echtgenoten. Net als de rest viert het de glorie van de familie Gonzaga, grote beschermheren van hun tijd.

12. Klaaglied over de dode Christus, door Andrea Mantegna (1475-1478)

Als Andrea Mantegna zichzelf op enig moment overtreft, is het in de Klaaglied over de dode Christus. Het stuk valt op door het meesterlijke gebruik van de verkortingstechniek. Met deze bron neemt Mantegna de kijker op in de scène en daagt het traditionele compositiemodel uit. Ook de representatie van de facties van de personages valt op. Maria is geen jong meisje, maar een gezicht dat verouderd is van de pijn. De soberheid van de scène benadrukt de verschrikkelijke aard van de dood en verlatenheid voor de rouwenden.

Zie ook: De passie van Christus in de kunst

13. Veelluik van San Vicente, door Nuno Gonçalves (1470-1480)

Het veelluik van San Vicente Het is een van de meesterwerken van de Portugese Renaissance. Toegeschreven aan Nuno Gonçalves, vertegenwoordigt het achtenvijftig karakters samen met Saint Vincent, die gedupliceerd lijkt in de centrale panelen, alsof het een weerspiegeling is.

Het onderscheidt zich door de weergave van de verschillende lagen van de Portugese samenleving, in houdingen en gebaren volgens hun toestand. Van links naar rechts hebben we het paneel van de broeders; het panel van vissers; het paneel van de Infante Don Enrique (Enrique de Zeevaarder); het paneel van de aartsbisschop; het ridderpaneel en het relikwiepaneel.

14. De aanbidding van de wijzen, door Sandro Botticelli (1475)

De aanbidding van de wijzen de Botticelli vormt een fundamentele referentie van het Italiaanse Quatrocento. Tot Botticelli stond de Heilige Familie aan de ene kant van het toneel en verwelkomde de aanbidders van de andere kant. Botticelli plaatste het in het midden van de compositie en aan de top van een piramide, en plaatste de aanbidders heen en weer en zelfs een van hen ervoor.

De schilder heeft ook de wijzen afgebeeld met de gezichten van de Medici-familie: Cosimo en zijn zonen, Piero il Gottoso en Giovanni. Andere familieleden en hun bondgenoten worden geportretteerd, en Botticelli zelf is opgenomen in het personage dat naar de kijker kijkt.

15. Levering van de sleutels van de hemel aan Sint Pieter, uit Perugino (1482)

Dit werk van Perugino is gemaakt in opdracht van paus Sixtus IV, bouwer van de Sixtijnse Kapel. Het fresco komt overeen met het idee van de overdracht van gezag van God aan de kerk, vertegenwoordigd door Sint-Pieter. Het werk is een meesterlijke uitdrukking van het eigen luchtperspectiefwerk en de diepte van de schilder. Op de voorgrond zien we de hoofdpersonen: Jezus, de apostelen en verschillende renaissancefiguren. In de laatste het achthoekige centrale fabrieksgebouw, symbool van de universaliteit van het pausdom.

16. De geboorte van Venus, door Sandro Botticelli (1482-1485)

De geboorte van Venus, door Sandro Botticelli, maakte oorspronkelijk deel uit van een meubelstuk, en dat is waarschijnlijk de reden waarom we zo'n uitputtende ontwikkeling van het landschap niet zien. De aandacht die het krijgt, heeft deels te maken met de behandeling van het onderwerp, dat niet langer een heilig onderwerp is. We gaan naar de mythe van de oorsprong van Venus of Aphrodite, godin van vruchtbaarheid en erotiek.

Met dit werk legitimeerde Botticelli de representatie van het volledige vrouwelijk naakt in de kunst over profane onderwerpen. Maar Venus is hier niet een personage dat volledig wordt geëxposeerd, maar een bescheiden Venus, die met haar haar haar "schande" bedekt. Dit naakt was dus gerechtvaardigd als een representatie van Deugd in de context van het filosofische denken van die tijd.

Zie ook De geboorte van Venus door Sandro Botticelli

17. Maagd van de rotsen, door Leonardo da Vinci (1483-1486)

Dit stuk van Leonardo werd besteld door de monniken van San Donato, wat de centrale rol van het religieuze thema verklaart. Leonardo heeft een element van de renaissancetraditie aangepast: in plaats van een architectonisch landschap heeft hij het tafereel ingekaderd in een rotsachtig natuurlijk landschap. De figuren vormen een piramide en zijn subtiel omlijnd dankzij een van de meest bekende gokspellen van de schilder: de techniek van sfumato.

Het kan je interesseren: Fundamentele werken van Leonardo da Vinci

18. Portret van Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, door Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Dit werk van Ghirlandaio is een exemplarische uitdrukking van het portretgenre in de Renaissance. In overeenstemming met de nieuw leven ingeblazen waarden van de klassieke oudheid, vertoont het geïdealiseerde proporties en kenmerken, evenals een ingetogen of afwezige expressiviteit. Om je karaktereigenschappen te laten zien, worden enkele persoonlijke items meegeleverd: sieraden geeft verslag van zijn openbare leven, terwijl het gebedenboek en de rozenkrans verslag doen van zijn leven geestelijk.

19. Het laatste Avondmaal, door Leonardo da Vinci (1498)

Het laatste Avondmaal Het is een van de bekendste werken van Leonardo. Het valt op door de intellectuele en filosofische referenties die in de scène zijn verwerkt, maar ook door zijn drama. Zonder de renaissance-balans te verloochenen, is het werk geladen met emotionele en psychologische spanning in zijn karakters, waarbij de schijnbare kilheid van veel eerdere composities wordt uitgedaagd. De slechte staat van bewaring is deels het gevolg van Leonardo's poging om tempera en olie te mengen om correcties op het gips aan te brengen.

Zie ook:

• Het laatste avondmaal van Leonardo da Vinci
• De Mona Lisa of La Gioconda van Leonardo da Vinci
• De man van Vitruvius door Leonardo da Vinci

20. Santo Domingo en de Albigenzen of De test van het vuur, door Pedro Berruguete (1493-1499)

De Spaanse Pedro Berruguete vertegenwoordigt een passage volgens welke Santo Domingo de Guzmán zou hebben voorgesteld een vreugdevuur bouwen om de boeken van de ketterse groepen in de stad Albi te testen, Frankrijk. Het vuur verteert de ketterse boeken, terwijl het canonieke boek in de lucht zweeft.

Het werk geeft uitdrukking aan de politieke mentaliteit van het tijdperk van de katholieke vorsten, die de eenheid van het koninkrijk zochten door ketterij te bestrijden. Formeel benadrukt het de kostbaarheid van de details, duidelijk flamenco-inspiratie, evenals de smaak voor goud, afgeleid van de gotiek, en zeer gewaardeerd in de vroege renaissance.

21. Zelfportret, door Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer was een groot meester van de Duitse Renaissance. Dit beroemde zelfportret, dat op het eerste gezicht een icoon van Jezus Christus vertoont, toont twee belangrijke inscripties: aan de rechterkant staat "Ik schilder mezelf met onuitwisbare kleuren." Links de datum die zijn leeftijd aangeeft, 28 jaar.

De frontaliteit van zijn portret is nogal gedurfd. De traditie tarten, die deze pose voorbehouden aan de iconen van Jezus - en ook het gebaar van de hand, een beetje veranderd-, Dürer speelt de omkering van identiteit met de religieuze referent en verwart opzettelijk de kijker.

22. De Doge Leonardo Loredan, door Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, een schilder in dienst van de Republiek Venetië, levert dit prachtige portret van de Doge Leonardo Loredan. In dit briljante werk weet hij het gevoel van hiëratisme te overwinnen dankzij de expressieve rijkdom van het gezicht en de fijne behandeling van de texturen en kleding. Wat dat laatste betreft, is het verrassend hoe Bellini erin slaagt de schittering van oosterse stoffen weer te geven.

23. Mona Lisa, door Leonardo da Vinci (1503-1506)

De Mona Lisa Het is ongetwijfeld het beroemdste werk van Leonardo da Vinci. Ze is een uitdrukking van de volwassenheid van de Leonardesque-stijl in termen van clair-obscur- en clair-obscur-technieken. Esfumato, dat bestaat uit het vervagen van de randen van de figuren zodat de integratie in de ruimte. Het pronkt ook met de techniek van het landschap op de achtergrond, dat de ruimte opent om meer diepte te geven. Dit werk, evenals al het werk van Leonardo, behoort echter niet tot het Quattrocento, maar tot de Hoge Renaissance, ook wel de Tweede Renaissance genoemd.

Zie ook: De Mona Lisa of Gioconda van Mona Lisa door Leonardo

24. De School van Athene, door Rafael Sanzio (1510-1511)

Als iets de culturele geest van de Renaissance vertegenwoordigt, is het wel het fresco De School van Athene, door Rafael Sanzio, een van de scènes uit de "Vaticaankamers" of "Raphaelkamers". We zien een meesterlijke omgang met lineair perspectief en een diepte die wordt benadrukt door de openingen van de tongewelven die uitkomen op de open ruimte.

In een architecturale omgeving met duidelijke klassieke inspiratie herinneren een veelvoud aan filosofische en wetenschappelijke referenties aan de waarde van rede en kennis. Plato en Aristoteles zijn de hoofdrolspelers. We zien ook Ptolemaeus, Heraclitus, Hypatia, Homerus en, zoals gewoonlijk, enkele hedendaagse gezichten. Rafael zelf, afgebeeld als Apelles, kon niet ontbreken.

Het kan je interesseren:

• De school van Athene door Raphael Sanzio
• Leven en werk van Rafael Sanzio

25. Plafondfresco's in de Sixtijnse Kapel, door Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

Spreken over Michelangelo Buonarroti, evenals de schilders van de Italiaanse Cinquecento, is de Hoge Renaissance binnengaan. Daarom naderen we het maniërisme, waarvan Buonarroti een van zijn exponenten zal zijn. De fresco's in de Sixtijnse Kapel zijn zijn meest gevierde picturale werk.

Er zijn negen scènes die passages uit Genesis vertellen, en ze leiden allemaal naar het Laatste Oordeel, een muur die ongeveer twee decennia na het plafond is geschilderd. Aan deze muur hangt de heilige Bartholomeus, een gevilde martelaar, zijn oude huid. Maar daarin zie je het gezicht van Michelangelo. Zoals we kunnen zien, wordt de kunstenaar ook geportretteerd, maar niet als de kunstenaars van het Quattrocento die hun aardse glorie vierden, maar als erkenning van hun onwaardigheid.

Zie ook:

• Fresco's van de Sixtijnse Kapel
• Analyse van de Fresco De schepping van Adam door Michelangelo
• Geweldige werken van Michelangelo