Claude Monet: werken, analyse en betekenissen

Claude Monet (1840-1926) was een Franse schilder die representatief was voor het impressionisme, erkend voor zijn beide picturale bevindingen bij de behandeling van licht, zoals voor het maken van het schilderij dat de naam zou geven aan de beweging.

Samen met andere kunstenaars was Monet verantwoordelijk voor het openen van de deur naar de originaliteit van de plastische taal door de behandeling van licht en de studie van de perceptie van kleur. Laten we in dit artikel enkele van zijn belangrijkste werken leren kennen.

1. Lunchen op het gras, 1865-1866

In 1863 vernietigden critici Edouard Manet op de officiële Parijse Salon vanwege zijn werk Ontbijt op het gras. Claude Monet was echter gefascineerd door het stuk en besloot zijn eigen versie te maken als eerbetoon aan de controversiële schilder. Die van Monet zou de ambitieuze afmetingen hebben van vier meter hoog en twintig meter lang. Het was tegelijkertijd een uitdaging.

Hij begon te schilderen Lunchen op het gras in 1865, kijkend om deel te nemen aan de salon van 1866. Zijn precaire economie deed hem het project opgeven en moest het aanbieden als garantie voor de betaling van de huur. Het canvas werd opgerold en opgeslagen door de tijdelijke eigenaar totdat Monet het in 1884 ophaalde. Gezien de opmerkelijke verslechtering moest er gesnoeid worden. Van het werk zijn nog maar twee fragmenten over: de middelste en de linkerkant.

In het tafereel stelt de schilder een picknicklunch voor in een informele en alledaagse sfeer. Hij markeert afstand met Edouard Manet, verwijdert het naakt en kleedt alle personages aan, wiens kostuums hun levensstijl onthullen. De personages zijn zeker bourgeois die het feest van het leven vieren, zonder schandaal, zonder betekenis. Monet is evenmin geïnteresseerd in thematische controverse als in plastische taal.

Hoewel het originele stuk niet volledig bewaard is gebleven, Studeren voor lunch op het gras. Het duidelijkste verschil zit hem in de jonge man zonder baard die op het tafelkleed lijkt te zitten. Dit personage wordt vervangen door een bebaarde man die eruitziet als een verwijzing naar Gustave Coubert, een realistische schilder veel bewondering voor Monet die zich zou hebben verwaardigd hem in zijn werkplaats te bezoeken in de tijd dat Monet in de droogte.

2. Camille met groene jurk, 1866

Afbeelding Camille met groene jurk van Claude Monet werd tentoongesteld op de officiële salon van 1866 en werd algemeen aanvaard, iets wat niet in de smaak viel bij Edourad Manet die, verward met Monet, per ongeluk felicitaties ontving. Bovendien stond Manet in 1863 in het oog van kritiek en had de Officiële Salon hem in 1865 afgewezen vanwege zijn schilderkunst Olympia.

In zijn boek Impressionisme, Paul Smith vergelijkt de foto Camille met groene jurk met het werk De dame met de handschoen door Carolus-Duran, een leerling van de schilder David en een regelmatige deelnemer in royalistische kringen in Parijs. Hoewel het stuk van Carolus-Duran later is dan dat van Monet, stelt de vergelijking Smith in staat om te concluderen dat: Monet had een belangrijk deel van de realistische beeldtaal overgenomen, die in de grote zaal alom werd gewaardeerd Officieel. Daarom werd het toegegeven.

In zijn analyse onderscheidt Smith dat Monet de jurk heeft laten dragen, met behulp van een kunstmatige pose die typerend is voor mode-illustraties. Tegelijkertijd heeft het de scène van kunstlicht voorzien om het karakter te accentueren. Monet onthult elementen die herinneren aan de verlichting en warmte van Coubert en de lijn van Manet, die grote invloed op hem uitoefende.

3. Vrouwen in de tuin, 1867

Paul Smith vergelijkt het canvas Vrouwen in de tuin door Monet met Minerva en bedankt door Charles Greyre, in wiens werkplaats Monet enige tijd heeft gewerkt. Hiermee belicht Smith de ware revolutie van de impressionistische generatie.

Zoals gebruikelijk in de kunst, vertegenwoordigt Greyre een episode van literair-narratieve aard, in een poging om Platonische idealen te vereeuwigen van schoonheid en goedheid door de weergave van de mythe van Minerva, godin van de wijsheid, en de drie gratiën, symbool van schoonheid. Gedumpt in de inhoud, wordt de techniek van de schilder onzichtbaar zodat het onderwerp schittert, zonder een spoor van zijn lijn achter te laten.

Een jaar later maakte Monet een doek waarop ook vier vrouwen in een plantaardige omgeving staan ​​afgebeeld, maar dat zullen gewone vrouwen zijn. De schilder vertegenwoordigde geen eeuwige waarde, maar een vluchtig en vluchtig moment, een grappige ontmoeting tussen vrienden die het burgerlijke leven vieren. Ze zijn het symbool van de nieuwe middenklasse die haar eigen waarde probeert op te bouwen.

Monet verbergt geen techniek op canvas. Integendeel, hij stelt het tentoon, toont de lijn, leidt de aandacht van de kijker naar de plastische taal die Greyre en alle traditionele schilders bewust verborgen hebben gehouden.

Zoals typerend was voor de ontkiemende stijl, maakt Monet gebruik van blauwe en groene kleuren om de huid van de personages te verduisteren en aan te passen. Alvorens het intense zomerlicht te portretteren dat het tafereel overneemt. Wat transcendent is, zal dan de beeldtaal zijn.

Zie ook Impressionisme: kenmerken, werken en auteurs.

4. La Grenouillere, 1869.

La Grenouillère Het is een serie van verschillende marine-achtige schilderijen vanuit verschillende hoeken en momenten. In dit doek is Monet uitgebreid betrokken bij de behandeling van licht en de effecten daarvan op objecten. Het wordt snel geleverd aan de volledige vorm van het impressionisme.

Van werk naar verse luchtIets wat in die tijd alleen mogelijk was dankzij de uitvinding van oliebuizen, maakte Monet gebruik van een haastige lijn om de lichtgevende indrukken en de vergankelijkheid van het moment tot leven te brengen. De toeschouwer bezoekt het tafereel als één meer. Er is geen moreel oordeel, er is geen thematische betekenis. Interesse is veranderd in plastische taal.

Renoir maakte een versie van dezelfde scène met Monet.

Het kan je interesseren: Renoir: de belangrijkste werken van de impressionistische schilder

5. Veld met klaprozen, 1873

In 1871 vestigde Monet zich tijdelijk in Argenteuil, waar hij de stijl die hij had ontdekt stevig ontwikkelde, mede dankzij de landschappen die die stad hem bood. Vanaf dit stadium is het werk Veld met klaprozen, tentoongesteld in de Hall of the Rejected in 1874, samen met 8 andere stukken.

In de tabel worden twee secties onderscheiden door schuine lijnen. Links, in het papaverveld, overheerst rood, terwijl rechts blauwgroen overheerst. In de scène wordt het papaverveld doorkruist door twee paar vrouwen en kinderen. Degene die op de voorgrond opvalt, is de vrouw van Monet, Camille, en hun zoon Jean, die vaak model stonden voor zijn schilderijen.

6. Impressie van de opkomende zon, 1872

Van de schilderijen die Monet in de Hall of the Rejected presenteerde, veroorzaakte er een een echt schandaal: Impressie van de opkomende zon. Beïnvloed door het werk van de Engelse romantische schilder William Turner, bracht Monet dikke penseelstreken aan, bijna vlekken die nauwelijks op figuratie duiden. Het principe van complementariteit van kleuren maakt de ingang open. De kleuren, naast elkaar geplaatst, creëren de perceptie van complete tinten.

De atmosfeer ziet er bewolkt uit en het water lijkt te bewegen met de passage van kleine boten. Verre van een landelijk landschap, vertegenwoordigt Monet een geïndustrialiseerde haven op de achtergrond, waar stoommachines en andere constructies ingrijpen in de hemelse mist. Hij heeft niets verborgen. Het leven is er voor de schilder om te portretteren. De zon, die zich verzet tegen het aanraken van die structuren, laat zijn oranje spoor achter op de golven van de zee.

Na de tentoonstelling van 1874 beschuldigde de kunstcriticus Louis Leroy, uitgaande van de naam van de provocerende liezo, Monet ervan zich te beperken tot louter "impressionisme". Met de grootste waardigheid namen Monet en zijn generatie deze diskwalificatie aan als de naam van de beweging.

Zie ook 16 coole schilderijen van Vincent van Gogh.

7. Serie Station Saint-Lazare, 1877

Rond 1877 verhuisde Monet terug naar Parijs en reageerde op zijn verlangen om een ​​schilder van hem te worden tijd, in plaats van de alledaagse wereld van de industriële stad buiten beschouwing te laten, neemt het het op in zijn doeken. Het zal het station Saint-Lazare zijn dat Monet de mogelijkheid geeft om de helderheid en texturen van stoom te blijven verkennen. De schilder zal zeven doeken opdragen aan het station Saint-Lazare.

In tegenstelling tot andere series waarin Monet hetzelfde landschap weergeeft onder verschillende atmosferische variabelen, zoals: Kathedraal van Rouen, Aan Station Saint Lazare Monet zal niet alleen verschillende sferen portretteren, maar ook verschillende doelstellingen, instellingen en perspectieven van het leven op het station.

8. Serie Hooibergen, 1890-1891

Rond 1883 verhuisde Monet naar Giverny met zijn nieuwe partner, Alice Hoschedé, nadat Camille in 1879 was overleden. Daar is hij toegewijd aan het verkennen van de nieuwe mogelijkheden die het lokale landschap hem biedt. Zonder het zo te plannen, ontwikkelde hij uiteindelijk een van zijn bekendste series, Hooibergen, die in totaal 25 doeken beslaan. Monet weet de lichtdiversiteit vast te leggen die elke periode van het jaar onderscheidt, op de stapels tarwe.

De esthetische ambities van Monet groeiden in de loop van de tijd. Sommige van deze foto's werden later in de studio geretoucheerd om een ​​hoger niveau van perfectie te bereiken. In werkelijkheid moest hij, zegt Paul Smith, niet alleen een lichteffect uitbeelden, maar ook een harmonieuze compositie en een esthetisch uniforme serie maken.

9. Serie Kathedraal van Rouen, 1890-1894

In een tijd waarin Frankrijk getuige was van een heropleving van de belangstelling voor het katholicisme, wijdt Monet om deze serie te ontwikkelen, geïnspireerd op de kathedraal van Rouen, gelegen in de Franse regio van Normandië.

Het was het uitzicht vanuit het raam van een studio die hij aan de overkant had gehuurd. De serie had meer dan dertig stukken en acht van hen werden verkocht voordat ze werden tentoongesteld.

Naast het vastleggen van de helderheid, een karakteristiek element van zijn werk, slaagt Monet er op meesterlijke wijze in om de porositeit en textuur van de stenen façade van het religieuze gebouw vast te leggen.

10. Serie Parlement Londen, 1900 tot 1904

Tijdens een verblijf in Londen met zijn vrouw Alice, is Monet toegewijd aan het portretteren van het uitzicht vanuit het St. Thomas Hospital, waardoor hij de rivier de Theems en het omliggende landschap kan vastleggen. De serie van de Londens parlement en ook de Charing Cross Bridge en de Waterloo Bridge.

In de serie over hem Londens parlement, weet Monet het gebouw weer te geven verweven met de karakteristieke mist van de stad. Maar dit keer zal het parlement bijna een fantasmagorie zijn, een silhouet dat zich opent in een geladen en bewolkte achtergrond, veranderd in schaduw. Het doet ons denken aan de werken van William Turner.

Jaren later zou hij hetzelfde doen in de Venetië-serie, die hij samen met zijn vrouw zou bezoeken in de handen van een groep kunstliefhebbers, en waarin hij verschillende scènes van de emblematische stad zou vastleggen.

11. Serie waterlelies, 1883-1924.

Tijdens zijn verblijf in Giverny legde Monet een prachtige tuin aan met een Japanse brug. Die tuin in Giverny was niet alleen de hobby van Monet. Het was ook zijn inspiratiebron, vooral in de laatste jaren van zijn leven.

In de loop der jaren ontwikkelde de schilder een ware passie voor het weergeven van de wonderen van zijn tuin op zijn doeken: de waterlelies. De serie zou in totaal 250 doeken bereiken, die vandaag in vele kamers en galerijen over de hele wereld worden verspreid.

Deel van waterlelies Monet's werden geschilderd rond de tijd van de Eerste Wereldoorlog. Hoewel Monet zich in een besloten en stille wereld bevond, zegt Paul Smith dat je vanuit zijn huis het passeren van de treinen met de munitie kon horen. Volgens de onderzoeker is deze serie te interpreteren als een poging van de schilder om de wereld te behouden die de oorlog dreigde te vernietigen.

Monet zou zelfs een deel van de serie aan de Franse staat schenken als een symbool van vrede, net na de ondertekening van de wapenstilstand van Compiègne, ondertekend op 11 november 1918. Dit exemplaar, dat vandaag in het Museum van de Orangerie wordt bewaard, wordt beschouwd als het "Sixtijnse Kapel van het Impressionisme".

Claude Monet op Youtube