Michelangelo: 9 werken om het genie van de Renaissance te leren kennen

Michelangelo was een van de grootste genieën van de Italiaanse Renaissance en zijn naam is synoniem met een van de grootste en belangrijkste kunstenaars aller tijden. Hier presenteren we de 9 meest emblematische werken van de kunstenaar die iedereen zou moeten kennen:

1. Madonna van de ladder

De Madonna of Maagd van de ladder Het is een marmeren bas-reliëf gebeeldhouwd tussen 1490 en 1492. Het werk was voltooid voordat Michelangelo 17 jaar oud was, toen hij nog studeerde in de Medici-tuinen in Florence bij Bertolo di Giovanni.

Dit bas-reliëf stelt de Maagd voor die op een trap zit en haar zoon, die ligt te slapen, vasthoudt en bedekt met een mantel.

Trappen completeren de rest van de achtergrond en op de achtergrond zijn twee kinderen te zien spelen, terwijl een derde kind achterover leunt op de leuning.

Een vierde kind staat achter de Maagd en lijkt het liggende kind te helpen een zakdoek uit te rekken (duidelijke toespeling op de lijkwade van Christus) die ze allebei vasthouden.

In dit werk valt het erfgoed van de klassieke oudheid op. Om deze reden is het concept van ataraxie, typisch voor de epicurische filosofie, bekend, dat bestaat uit de afwezigheid van rusteloosheid van de geest.

Het verschil tussen dit concept en apathie is dat er bij ataraxie geen ontkenning of eliminatie is van de gevoel, maar bevordert geluk door te proberen kracht te vinden om pijn te overwinnen en moeilijkheden.

Zo staat de Maagd onbewogen bij de beschouwing van het toekomstige offer van haar zoon, niet omdat dit haar niet doet lijden, maar omdat ze een manier vindt om die pijn stoïcijns te overwinnen.

Voor de realisatie van dit bas-reliëf maakte Michelangelo gebruik van de techniek van Donatello (beeldhouwer uit de Italiaanse Renaissance, 1386-1466), genaamd sticiatto (afgeplat).

2. centauromachy

Gemaakt na de Madonna van de ladder, centauromachy (Slag om de Centauren) is een marmeren reliëf dat rond 1492 werd gemaakt, toen Michelangelo nog steeds rondspookte in de Medici-tuinen.

Het vertegenwoordigt de episode tussen de centauren en de grafstenen, wanneer, in het midden van de bruiloft van de prinses Hipodamia en Pirítou, koning van de grafstenen, een van de centauren probeerde de prinses te ontvoeren, wat resulteerde in een strijd.

De lichamen zijn verwrongen en verward, waardoor het moeilijk is om te zeggen wie wie is. Met elkaar verbonden, sommigen verslagen op de grond, brengen allemaal wanhoop over in het midden van de strijd.

Met dit werk gaat de jonge Michelangelo al uit van zijn obsessie met naakten, want voor hem was menselijke schoonheid een uitdrukking van het goddelijke. Dus, een werk aanschouwen dat die schoonheid door naaktheid vertegenwoordigt, is nadenken over de grootsheid van God.

Dit reliëf is opzettelijk onvoltooid, iets dat kenmerkend is voor het werk van Michelangelo, die al snel het concept van het onvolledige als esthetische categorie aannam, de niet eindig.

Slechts enkele delen van het lichaam (voornamelijk de stammen van de figuren) zijn bewerkt en gepolijst, terwijl de hoofden en voeten onvolledig zijn.

3. de vroomheid

Door de impact van de dood van Lorenzo de Medici in 1492 verliet Michelangelo Florence, op weg naar Venetië en later naar Bologna. Hij keerde in 1495 terug naar Florence, maar vertrok onmiddellijk naar Rome.

Het was in Rome dat de Franse kardinaal Jean Bilhères de Lagraulas de kunstenaar in 1497 een piëta in marmer toevertrouwde voor de Sint-Pietersbasiliek in het Vaticaan.

De Vroomheid van Michelangelo is een marmeren sculptuur uitgevoerd tussen 1498 en 1499, en is een van de grootste benaderingen om perfectie op het gebied van kunst te voltooien.

In dit werk breekt Miguel Ángel met het conventionele en besluit hij de Maagd jonger dan haar zoon te vertegenwoordigen. Ongelooflijk mooi, ze houdt Christus dood op haar schoot.

Beide figuren stralen sereniteit uit, en de gelaten Maagd overweegt het levenloze lichaam van haar zoon. Het lichaam van Christus is anatomisch perfect en de details zijn tot in de puntjes uitgewerkt.

In tegenstelling tot het concept van niet eindig, dit beeld is wat is eindig bij uitstek. Het hele werk is uitzonderlijk gepolijst en afgewerkt, en daarmee kan Michelangelo ware perfectie hebben bereikt.

De kunstenaar was zo trots op dit beeld dat hij zijn handtekening kerfde op het lint dat de borst van de Maagd scheidt met de woorden "Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat", wat betekent, "Michelangelo Buonarroti, de Florentijnse, wat gemaakt".

4. David

In 1501 keert Michelangelo terug naar Florence en begint de David, een marmeren sculptuur van meer dan vier meter gemaakt tussen de jaren 1502 en 1504.

Het moment van de door Michelangelo gekozen scène is vlak voor de confrontatie tussen David en Goliath. Op deze manier vertegenwoordigt Michelangelo geen zegevierende David, maar een jonge man vol woede en wil om zijn onderdrukker het hoofd te bieden.

De David Het is een fascinerend voorbeeld van de kracht die het werk van deze kunstenaar drijft, of het nu in de keuze van het totale naakt is, of in de innerlijke verwarring die de figuur uitstraalt.

Zie ook meer over:

• David sculptuur van Michelangelo.
• 15 kenmerken van de Renaissance.

5. Tondo Doni

Michelangelo en Leonardo da Vinci waren de twee grootste en meest representatieve namen van de Italiaanse Renaissance. Tot op de dag van vandaag inspireren en wekken hun werken bewondering, maar deze kunstenaars, die tijdgenoten waren, waren het nooit eens in het leven en stonden meer dan eens tegenover elkaar.

Een van de belangrijkste redenen voor hun meningsverschillen was Michelangelo's uitgesproken minachting voor schilderen, vooral voor olieverf, een kunst die hij als eigen aan vrouwen beschouwde.

Voor deze kunstenaar was de ware kunst beeldhouwkunst, omdat alleen door fysieke kracht uitmuntendheid kon worden verkregen.

De sculptuur, voor Michelangelo, was mannelijk, het stond geen fouten of herzieningen toe. Daarom verzette hij zich tegen olieverf, Leonardo's favoriete techniek, waardoor het werk in lagen kon worden gedaan, waardoor constante correcties mogelijk waren.

Voor Michelangelo zou de schildertechniek die de superioriteit van de beeldhouwkunst het meest zou kunnen benaderen het fresco zijn dat vanwege zijn eigenschappen snelheid en precisie vereist en geen fouten of correcties toelaat, noch kan het opnieuw worden geverfd.

Het is dan ook niet verwonderlijk dat in een van de weinige mobiele picturale werken die aan de kunstenaar worden toegeschreven, de Tondo Doni, Michelangelo heeft in tondo (in een cirkel) een mengsel van tempera en olie op hout gebruikt.

Dit werk werd uitgevoerd tussen 1503 en 1504. Daarin wordt de Sagrada Familia op een zeer onconventionele manier weergegeven.

Enerzijds lijkt de linkerhand van de Maagd gericht op het geslacht van haar zoon. Aan de andere kant, rondom het gezin op de voorgrond, verschijnen meerdere naaktfiguren.

Deze cijfers, de ignudi, die hier tieners zijn, zal in een ander werk van Michelangelo opnieuw met een meer volwassen aspect worden weergegeven: the Sixtijnse Kapel.

6. Fresco's van de Sixtijnse Kapel

In 1508 begon Michelangelo aan een van de belangrijkste werken op verzoek van paus Julius II, die hem een ​​paar jaar eerder naar Rome had geroepen om zijn grafheuvel te projecteren.

Miguel Ángel stond bekend om zijn minachting voor de schilderkunst en accepteerde het werk onder protest. Daarom schreef hij tijdens het proces verschillende brieven waarin hij zijn ongenoegen uitte.

Daarom zijn de fresco's in de Sixtijnse Kapel een indrukwekkende prestatie die de wereld vandaag nog steeds verblindt.

Plafond

Van 1508 tot 1512 schilderde Michelangelo het plafond van de kapel. Dat was een intensief werk waarin een totale beheersing van de techniek van fresco en tekenen wordt gedemonstreerd.

De frescotechniek wordt toegepast op een natte ondergrond, wat betekent dat het proces snel en zonder correcties moet zijn.

Het is dan ook indrukwekkend om je voor te stellen dat de kunstenaar vier jaar lang kolossale en kleurrijke figuren liggend schilderde, in een ruimte van 40 x 14 meter, nauwelijks steunend op zijn tekeningen.

De verfstrepen beïnvloedden zijn gezichtsvermogen, en hij had ook de gevolgen van isolatie en het ongemak van de positie waarin hij werkte. Maar deze offers resulteerden in een van de grootste schilderwerken.

Het plafond is verdeeld in negen panelen die het boek Genesis samenvatten, terwijl ze de oudtestamentische profeten en de sibillen uit de Grieks-Romeinse oudheid oproepen.

Het laatste oordeel

Alles is erop gericht om een ​​verband te laten zien tussen de zogenaamde "Geschiedenis van de Schepping" en de "Geschiedenis van Salvation ", vertegenwoordigd door Christus, die niet op het plafond verschijnt maar wel op het altaar, in de beroemde scène bekend als de Laatste oordeel, geschilderd 20 jaar na het plafond (1535-1541).

Het is een picturale compositie met meer dan 400 oorspronkelijk naakt geschilderde lichamen, waaronder de Maagd en Jezus Christus, maar die later bedekt moesten worden.

Zie ook analyse van de fresco's in de Sixtijnse Kapel.

7. Graf van paus Julius II

In 1505 riep paus Julius II Michelangelo bij zich en vertrouwde hem zijn graf in Rome toe. Aanvankelijk wilde hij een groot mausoleum maken, wat de kunstenaar beviel.

Maar buiten de grootsheid van het werk besloot de paus, met een wispelturige persoonlijkheid, dat hij begraven wilde worden in de Sixtijnse Kapel.

Daarvoor had de kapel verschillende transformaties nodig. Om deze reden moest Michelangelo eerst de fresco's op het plafond en het altaar schilderen.

Het project zou andere wijzigingen en concessies ondergaan. Ten eerste, na de dood van de paus in 1513, verkleinde het project zijn afmetingen, en ten tweede zou het visioen van Michelangelo in botsing komen met de verwachtingen van de erfgenamen van de paus.

In 1516 werd een derde contract opgesteld en in 1526 en 1532 zou het project nog twee wijzigingen ondergaan. De definitieve resolutie bepaalde dat het graf alleen uit een gevel zou bestaan ​​en dat het zou worden geplaatst in de kerk van San Pietro in Vincoli, in Rome.

Mozes

Ondanks alle tegenslagen, en ondanks dat weinig van de droom uitkwam, werkte Michelangelo drie jaar intensief aan het mausoleumproject.

Zo beeldhouwde Michelangelo van 1513 tot 1515 enkele van de meest emblematische werken van zijn carrière, en een daarvan, de Mozes, eist tegenwoordig het bezoek van elke reiziger.

De Mozes Het is een van de sculpturen vergelijkbaar met de Pietà van het Vaticaan in technische perfectie. Deze sculptuur en de serie van gevangenen of slaven ze waren bedoeld om het pariëtale graf te versieren.

In deze sculptuur vallen het personage en de verschrikkelijke blik van het personage op (Terribilità). net als de David, drukt een intens innerlijk leven uit, een kracht die de steen overstijgt waaruit de figuur is gehaald.

Terwijl hij zijn lange en gedetailleerde baard streelt, lijkt Mozes met zijn blik en uitdrukking te garanderen dat degenen die de wet overtreden zullen worden gestraft, aangezien niets aan de goddelijke toorn ontsnapt.

Zie ook analyse van de Mozes van Michelangelo.

gevangenen of slaven

Een reeks sculpturen bekend als Gevangenen of slaven, kwamen ze uit die intense tijd van het werk.

Twee van deze werken zijn af, de Slaaf sterft en de Rebellen slaaf. Beide bevinden zich momenteel in het Louvre in Parijs. Ze waren bedoeld om op de pilasters op de benedenverdieping te worden geplaatst.

De sensualiteit van de Slaaf sterft, wiens standpunt acceptatie uitdrukt, geen weerstand tegen de dood. Tegenover dit, de Rebellen slaaf, met een ongepolijst gezicht, een verwrongen lichaam en een onstabiele houding, lijkt hij te weigeren zich te laten onderwerpen en lijkt hij moeite te hebben om uit de gevangenis te komen.

Vier andere werken vloeiden voort uit die periode en verheerlijkten het concept van de niet eindig. De expressieve kracht is indrukwekkend, zoals je kunt zien hoe de kunstenaar de figuren uit de massieve stenen blokken heeft bevrijd.

Door de werken onvoltooid te laten, fungeren ze als allegorieën voor een van de thema's die het hele leven en werk van Michelangelo vergezelden en kwelden: het lichaam als gevangenis van de ziel.

8. Tombes van Lorenzo en Giuliano de Medici

In 1520 werd Michelangelo ingehuurd door Leo X en zijn neef Giulio de Medici, toekomstige paus Clemens VII, om bouw een grafkapel in San Lorenzo, in Florence, waar de graven van Lorenzo en Giuliano de Medici.

In het begin maakten de projecten de kunstenaar zo enthousiast dat hij vurig garandeerde dat hij ze tegelijkertijd zou kunnen voltooien. Maar er deden zich verschillende problemen voor en het droomproject ging onderweg verloren.

Het concept van Michelangelo had als uitgangspunt de integratie van architectuur, beeldhouwkunst en schilderkunst. Maar de schilderijen zijn nooit gemaakt.

Toen hij aan de graven werkte, brak er in Florence een revolutie uit tegen de Medici zelf en, geconfronteerd met dit scenario, stopte Michelangelo het werk en stond hij voor de rebellen.

Toen de opstand onder controle was, vergaf de paus hem op voorwaarde dat hij het werk zou hervatten, en Michelangelo zette het werk voort.

Toen Michelangelo in 1524 definitief uit Florence naar Rome vertrok, liet hij het werk onvoltooid achter en de sculpturen die hij had gemaakt, werden later door anderen op hun juiste plaats gezet mensen.

Wat ons tot op de dag van vandaag heeft bereikt, zijn twee dubbele pariëtale graven, tegenover elkaar geplaatst. Aan de ene kant het graf van Lorenzo, weergegeven in een passieve, contemplatieve positie, denkend, bijna alsof de echte Lorenzo de 'Medici leefde.

Aan de andere kant, Giuliano, die in zijn tijd een glorieus soldaat was. Hij is actief vertegenwoordigd, in harnas en begiftigd met beweging. Het linkerbeen roept de wil op om de kolossale en krachtige figuur op te tillen.

Aan de voeten van beide staan ​​twee allegorieën, de Nacht en de Dag (graf van Lorenzo de Medici), de Schemering en de dageraad (Graf van Giuliano de Medici).

De Dag en de dageraad zijn mannelijke figuren en de Nacht en de Schemering het zijn vrouwelijke figuren. De gezichten van de mannelijke allegorieën zijn onafgewerkt, ongepolijst.

9. De laatste Pietàs

Miguel Ángel kwam tot de laatste jaren van zijn leven, begiftigd met fysieke kracht en de noodzaak om te werken, maar hij droeg veel spijt en kwellingen.

Hij kwam tot de conclusie dat hij een deel van zijn leven een verkeerd ideaal had bewandeld, het ideaal van schoonheid en perfectie in de kunst en het idee dat hij door die kunst God zou bereiken.

Zo wendt hij zich in zijn latere jaren tot zijn andere passie, het goddelijke, en misschien is dat de reden waarom zijn nieuwste werken hetzelfde thema hebben en onvoltooid bleven.

De Pietà en de Pietà Rondanini zijn twee onafgewerkte knikkers, zeer expressief en verontrustend, vooral de Rondanini.

Als een allegorie van al het lijden en de turbulente geest die Michelangelo zijn hele leven droeg, vooral in de afgelopen jaren beeldhouwde hij zijn eigen gelaatstrekken op het gezicht van de Maagd die de dode zoon droeg in de Pietà Rondanini.

De kunstenaar verliet daarmee het ideaal van menselijke schoonheid dat hem zijn hele leven kenmerkte, en maakte zijn overtuiging duidelijk dat geluk en vrede alleen gevonden kunnen worden in totale overgave aan God.

Michelangelo stierf in 1564 op 89-jarige leeftijd, met volledig gebruik van zijn fysieke en mentale capaciteiten.

De paus wilde hem begraven in de Sint-Pietersbasiliek, in Rome, maar voor zijn dood sprak Michelangelo zijn wil uit om begraven te worden in Florence, vanwaar hij in 1524 was vertrokken.

Het kan je interesseren: De 25 meest representatieve schilderijen van de Renaissance

(Tekst vertaald door Andrea Imaginario).