Pop-art: kenmerken, kunstenaars en hoofdwerken

De pop art, in het Spaans bekend als pop-art, is een plastische beweging die zijn oorsprong vond in de jaren vijftig. Het werd geboren tussen Groot-Brittannië en de Verenigde Staten, maar het was de laatste die de vaandeldrager van de beweging werd. Pop-art veroorzaakte echter een schokgolf over de hele wereld, zowel in Europa als in Latijns-Amerika, Azië en Oceanië.

Pop-art wordt gecontextualiseerd in het volledige proces van het vormgeven van de consumptiemaatschappij, waarvan de impuls definitief vond plaats na de Tweede Wereldoorlog en de komst van de televisie, de nieuwe indringer van de huizen.

Deze artistieke stijl werd geboren als een poging om een ​​kunst te maken die rekening hield met het universum van symbolen en onderwerpen van enorm belang, het is dat wil zeggen, de "populaire" symbolen waar de culturele elite de rug toe leek te keren en haar mobiliserende penetratie in de denkbeeldige collectief.

Kenmerken van pop-art

Inspiratie uit de massacultuur

Als de Ouden het beeld van de wereld hadden weergegeven zoals ze het kenden en het in hun werken hadden opgevat, dan was het de plicht van hedendaagse kunstenaars om hetzelfde te doen. Popartiesten gingen naar die alledaagse voorwerpen die de nieuwe symbolen van de 'beschaving' werden: media-idolen, politieke figuren, massaproducten, strips (strips), affiches, verpakkingen en allerlei symbolische afbeeldingen (tekens van verkeer, collages, enz.).

Uitbreiding van het begrip schoonheid tot het repertoire van popsymbolen

De pop art Hij begreep dat zelfs de objecten van de massacultuur elementen van schoonheid konden bevatten, en niet alleen de Venus en Madonna's uit de oudheid. Natuurlijk zal dit ook een provocatie zijn voor de intellectuele omgeving, een aspect waar popartiesten heel goed in hun voordeel van profiteren.

Decontextualisering

Een van de strategieën van pop art het was om de objecten te lenen en ze te decontextualiseren. Bijvoorbeeld door een soepblik, een beroemd schilderij of een foto uit zijn context te halen, te interveniëren en om te vormen tot een werk of een nieuw werk. Iets soortgelijks hadden de dadaïsten gedaan met hun techniek kant en klaar sinds Marcel Duchamp zijn beroemde Fontein: een tussengekomen urinoir met handtekening van de kunstenaar, onder het pseudoniem R. Mutt, en dat het als museumwerk werd gepresenteerd.

Ontkenning van virtuositeit

Deze kunstenaars pleitten niet voor virtuositeit als waarde. Hiermee brak de popart met het idee van een kunstwerk als resultaat van een complex, lang en moeizaam proces, dat het principe van meervoudige reproductie bevorderde.

Om deze reden implementeerden ze absoluut ongebruikelijke technieken op het gebied van beeldende kunst, zoals zeefdruk, strip met zijn vignetten en lijnstijl, enkele reclame- en massaproductietechnieken, evenals collages en foto's.

Sommige artiesten waren radicaler en produceerden gebeurtenissen en interactieve shows, die een slag toebrengen aan het verzamelen en de commercialisering van kunst.

Ongerijmdheid

Het universum van symbolen dat popart bood, was niet erg gemakkelijk voor de intellectuelen van de oude school om te assimileren, en bovendien hadden popartiesten geen enkele positie in relatie tot wat ze vertegenwoordigden, wat het moeilijk maakte om dingen. Daarom waren hun doelen niet per se duidelijk. Hadden ze kritiek op het verbruik? Hebben ze het verbruik gevalideerd? Hebben ze misbruik gemaakt van de omstandigheden? Zo creëerden ze schijnbaar ongerijmde en provocerende beelden.

Humor

Omdat het niet bedoeld was als intellectuele kunst, was pop-art ook een beweging vol humor en medeplichtige knipogen naar de kijker.

Ver van de verliefde standpunten van de grote theoretici en intellectuelen van het medium, lachten de popartiesten ironisch om de omringende orde. Misschien was het een andere manier van kritiek leveren.

Provocatie

Dit alles maakte popart provocerend, provocerend en controversieel. Door bijvoorbeeld het idee van originaliteit in twijfel te trekken, trokken ze ook de superioriteit van het creatieve genie in twijfel, een figuur waaraan sinds de Renaissance eer wordt betoond. Ze stelden ook vraagtekens bij de rol van critici, kunsthistorici, het concept van musea, selectiecriteria, de principes van museografie ...

Maar verder dan alles wat de pop art, het is duidelijk dat er niets ontstaat door spontane generatie, en dat, voordat popartiesten dit formuleerden esthetisch programma creëerden vorige generaties de voorwaarden voor deze authentieke opstand van de tekens artistiek. Laten we eens kijken wat zijn achtergrond was en welke relaties de popart had in de creatieve context van de jaren vijftig.

Pop-art achtergrond

De invloeden van pop art ze zijn te vinden in stromingen zoals het dadaïsme, dat opkwam in de eerste golf van avant-gardebewegingen. Het was een culturele beweging die de positivistische rationele orde in twijfel trok en die, vooral in de schilderkunst, opviel door nieuwe technieken zoals de kant en klaar, een techniek die bestond uit het nemen van alledaagse voorwerpen, tussenbeide komen en ze transformeren in objecten die geschikt zijn voor tentoonstelling in een museum, zonder hun kenmerken of oorsprong te verbergen.

Dichter bij de tijd was een belangrijke directe drijfveer de Independent Group, bekend onder het acroniem van de Engelse naam IG (Independent Group).

De IG ontstond in 1952 aan het Institute of Contemporary Art in Londen en was actief tot 1955. In deze periode ondervond Groot-Brittannië, net als andere volledig geïndustrialiseerde landen in Europa, de groei van een andere stedelijke populaire cultuur, na de rantsoenering en bezuinigingen van de tweede oorlog wereld.

Veel kunstenaars namen deel aan deze groep. Het was echter de Italiaan Edouardo Paolozzi die een van de oprichters werd van de pop art na de eerste IG-sessie. Hierin projecteerde Paolozzi verschillende collages die hij met een ondoorzichtige projector van tijdschriften had gemaakt. De eerste afbeelding was de collageIk was het speelbal van een rijke man (I was a rich man's toy), waarin voor het eerst het woord 'pop' wordt gebruikt, waaraan de beweging zijn naam zou ontlenen.

In deze context debatteerde de IG voor het eerst in het artistieke milieu over het probleem van de massacultuur en de implicaties daarvan voor de definitie van cultuur zoals die tot dan toe was opgevat. Voor hen dwong dit hen ook om het begrip actuele kunst te heroverwegen.

Tegelijkertijd vonden in de Verenigde Staten cruciale veranderingen plaats in de culturele wereld, waarmee werd gebroken met alles tot nu toe gedacht, zonder de leiding van die impulsen.

In die zin vormde het beroemde werk 4'33'', van de componist John Milton Cage, een cruciaal precedent voor de pop-art. Dit werk bestond uit het uitvoeren van een partituur met een duur van 4 minuten en 33 seconden, waarvan de enige schriftelijke aanwijzing het woord "tacet" (stilte) was.

Volgens de interpretatie van sommigen was het voorstel van Cage gericht op de perceptie van het door het publiek geproduceerde omgevingslawaai als een muzikaal kunstwerk. Het was zonder twijfel een absolute revolutie, waarbij muziek op een onverwachte manier het voortouw had genomen en het fundamentele onderwerp van zijn discipline in twijfel trok. Wat zou de beeldende kunst doen?

Om te beginnen zouden ze reageren tegen de intellectualisering van kunst en het ontwijkende karakter van toegewijde kunstenaars vroeger invasieve hedendaagse realiteit, eigenschappen die deze generatie vooral toeschreef aan Jacksons abstracte expressionisme Pollock. Zo zou de nieuwe generatie kunstenaars zich het idee van Cage eigenen: de afstand tussen kunst en leven opheffen. Laten we eens kijken waarom en waarvoor ze het deden.

Waarom en waarvoor werd popart geboren?

De kenmerken van popart die we hebben blootgelegd, laten zien dat deze beweging een diepe betekenis had, in tegenstelling tot de zinnen die haar van oppervlakkigheid beschuldigen.

Deze beweging kan worden gezien als een kunst zonder compromissen, maar soms kan deze verklaring oneerlijk zijn. Het is waar dat het een sterke visuele lading heeft, het is waar dat het niet gechoqueerd wordt door de symbolen van de massacultuur, maar er zit ook een gevoel aan ten grondslag.

In het zeer specifieke geval van Amerikaanse artiesten. Ze waren geïnteresseerd in het onderzoeken van de ultieme essentie van Noord-Amerikanisme te midden van deze draai van de schroef die de overgang naar de massamaatschappij betekende. Daarnaast probeerden ze op de een of andere manier ook de figuratieve schilderkunst te herontdekken die het abstract expressionisme achter de kleerkast had verborgen.

Maar over het algemeen was het voor popartiesten over de hele wereld duidelijk dat ironie hen in staat stelde te laten zien dat de... Materialisme en vulgariteit namen deel aan de hegemonische orde die het massakamp tussen 1950 en 1970 stichten.

Tegelijkertijd herkenden ze wat de nieuwe symbolen hadden van een duidelijke en continue manifestatie van waarden. culturen in transformatie, waardoor ze vaak de nieuwe iconen konden observeren zonder te oordelen over waarde.

In brede zin breidde popart door de incorporatie van de symbolen van de consumptiemaatschappij niet alleen het repertoire van de iconografische thema's van de kunst uit, maar die een standpunt innam over twee dingen: de herordening van de consumptiemaatschappij en de weigering van de intellectuele elites om te erkennen dat dit fenomeen door de hele samenleving liep. cultuur.

Zo waren Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tse Tung, Superman of Batman zo "cultureel" en verdienden ze aandacht voor hun hedendaagse wereld als het repertoire van aphrodites, venus, adonis, apollos, maagden, heiligen, waterdragers, herders, landschappen, koningen en persoonlijkheden voor de eeuw XVI.

Top artiesten

Andy Warhol (1928-1987)

Hij was een belangrijke Noord-Amerikaanse plastische kunstenaar, illustrator en filmmaker. Hij was verantwoordelijk voor het toepassen van principes van marketing en reclame op het gebied van kunst. Hiermee opende hij de wegen voor de ontwikkeling van popart.

Hij bedacht een van de beroemdste zinnen in de kunstgeschiedenis, die vandaag wordt vervuld dankzij nieuwe informatietechnologieën: "In de toekomst zal iedereen 15 minuten beroemd zijn." Onder zijn meest opmerkelijke werken kunnen we de serie noemen Campbel soepblikken en de zeefdrukportretten van publieke figuren zoals Marylin Monroe, Mao Tse Tung en zichzelf.

Zie ook 7 iconische werken van Andy Warhol.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Schilder, graficus en beeldhouwer. Hij paste de komische techniek toe op de conventionele beeldende kunst en bereikte zo de erkenning van de nieuwe beeldcultuur in de kunstwereld. Hij gebruikte ook andere technieken zoals zeefdruk en collage. Zijn werken zijn bijzonder beroemd De kus Y Wauw!.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

Hij begon zijn carrière als schilder onder auspiciën van het abstract expressionisme, maar halverwege zijn leven begon hij verken de taal en mogelijkheden van pop-art, totdat het een van de belangrijkste wordt vertegenwoordigers. Hij viel op door de combinatie van ongebruikelijke materialen in de beeldende kunst, waarbij zelfs schilderkunst met beeldhouwkunst, gravurefotografie en… prestatie. Deze techniek werd bekend als combineren. Tot zijn beroemdste werken behoren: de serie Factum en de serie Met terugwerkende kracht.

Jasper Johns (1930)

Hij is een Amerikaanse beeldend kunstenaar waarin zowel de elementen van pop-art als abstract expressionisme, minimalisme en neo-dadaïsme zichtbaar zijn. Zijn favoriete techniek is encaustic. In een hoofdstuk van The Simpsons Genaamd "Mom and Pop Art" of "The Art of Dad and Mom" ​​​​(in de Spaans-Amerikaanse vertaling), verschijnt Jasper Johns als een van de kunstenaars met wie Homer bevriend raakt. Aan het einde van het hoofdstuk wordt gezien dat hij materiaal steelt voor zijn werken. Onder zijn bekendste stukken kunnen we noemen Drie vlaggen Y Diana met vier gezichten.

Het kan je interesseren:

• Artistieke stromingen van de 20e eeuw
• hyperrealisme