10 kunstverk om tid

Tempus fugit, sa latinoene; "tiden flyr". Og sånn ble det. Utover de nyere relativitetsteoriene har det til enhver tid vært et konkret tidsbegrep. For de gamle var det noe syklisk, som alltid vendte tilbake til utgangspunktet; for menn og kvinner fra middelalderen var den lineær og endte med Kristi andre komme.

For barokktiden var det den store ødeleggeren av skjønnhet og flyktige ting, derav den store overfloden av vanitas (forfengelighet), verk der elementer ble introdusert som vitner om tidens gang og dens nådeløse ødeleggelse. For romantikerne på 1800-tallet var tiden derimot hovedkonstruktøren av deres nostalgi; en nostalgi etter fortiden som ble oversatt til en smak for ruiner og dekadanse.

10 kjente kunstverk om tid

Det er vanskelig å velge mellom så mange verk som snakker om temaet tid; dette Det er et veldig tilbakevendende begrep i kunsthistorien.. Nedenfor presenterer vi noen av de mest relevante.

1. mensarial av Royal Pantheon of San Isidoro de León (s. XI)

Royal Pantheon of the Kings of León regnes som en av de mest perfekte juvelene innen romansk kunst på halvøya. Ikke overraskende har det blitt kalt det "romanske sixtinske kapell" for sine praktfulle fresker, inkludert en høykvalitets mensarial.

Hva var middelalderens menstruasjoner? Dette var kalendere hvis rytme var preget av landbruksaktivitetene som tilsvarte hver måned.. Når det gjelder mensario i San Isidoro de León, er månedene plassert på intradosen av buen som er ved siden av Pantokrator. Januar måned inkluderer, som det er tradisjonelt i disse representasjonene, guden Janus, av romersk opprinnelse og som markerte begynnelsen av året. I februar måned, den kaldeste av alle, er en gammel mann representert i ly for brannen. April måned, vårens prakt, er personifisert av en ung mann som bærer noen blomster i hendene, og september er en bonde som samler druer...

I Middelalderen, tiden dreide seg om Gud. Den middelalderske kristne tidslinjen var begrenset, siden menneskenes tid ville ende med Kristi annet komme. Parallelt med denne lineære tiden var det også en annen, nedarvet fra antikken, som så på tiden som noe syklisk, knyttet til endringer i naturen og livets sykluser.

2. Saturnav Peter Paul Rubens (1636)

Du kan ikke forstå tid i kunst uten å snakke om Saturn. Denne guden var en eldgammel guddom fra den italienske halvøya som senere ble assimilert til den greske guden Cronus, som han tok attributtene fra. Selv om Crono ikke var tidens gud, har likheten mellom navnet hans og det greske navnet på tid forårsaket en assimilering mellom de to.

Myten forteller at Chrono/Saturn, Redd for et orakel som hadde spådd at en av sønnene hans ville ende opp med å detronisere ham, en etter en slukte han alle skuddene som hans kone, Rhea, ga ham.. Denne legenden har ikke gjort annet enn å fremheve guden som personifiseringen av tiden, siden tiden er ustoppelig og sluker til mennesker.

Rubens malte dette lerretet for Torre de la Parada, i Madrid. I den skildrer han Saturn som en gammel mann, om enn med en fortsatt muskuløs kropp (han var tross alt en Titan), som river kjøttet av sin nyfødte sønn. Det sterke teatralske lyset, så typisk for barokken, som lyser opp begge kroppene og skisserer dem mot den mørke bakgrunnen, gir scenen dramatikk.

• Relatert artikkel: The 7 Fine Arts"

3. Ved hjerneslag oculiav Juan de Valdés Leal (1672)

Dette dystre lerretet, som er blant de mest kjente kunstverkene om tid, er parret med den s.k. Finis Gloriae Mundi, også av Valdés Leal. Begge maleriene er i det nedre koret på Hospital de la Caridad i Sevilla, og ble bestilt av humanisten Miguel Mañara for å illustrere de to nøkkelbegrepene i barokkmentaliteten: den dødsøyeblikk ("husk at du skal dø") og vanitas (verdens forfengelighet).

Begge begrepene er nært knyttet til tid: på den ene siden minner minnet oss om at det går ubønnhørlig forbi og at døden ender med å komme til oss alle; når det gjelder det andre, er det en påminnelse om livets forgjengelighet og at alt vakkert forsvinner eller ødelegges over tid. Når det gjelder verket for hånden, kan In ictu oculi oversettes som "i et øyeblikk", en veldig klar hentydning til tilværelsens flyktige natur.

I Valdés Leals lerret ser vi et skremmende skjelett som reiser seg på en jordklode (døden som dominerer jorden); i venstre hånd bærer han en ljå, mens han med høyre slukker ilden fra livets lys. Nedenfor et berg av elementer som vi ikke kan ta med oss ​​med døden, et symbol på at alt er flyktig.

• Du kan være interessert i: "Kronopati: kjennetegn ved besettelse for å dra nytte av tid"

4. The Last Straw (The Jolly Knight)av Judith Leyster (1639)

I et mørkt rom, praktisk talt uten romlig referanse, plasserer maleren Judith Leyster to unge menn som drikker og røyker glade. Klærne deres er i varme og skarpe farger, og ansiktene deres er forvrengt av alkohol og eufori. Det er en festscene, er det ikke?

Vel... faktisk, nei. Fordi Leyster plasserer, bak den unge mannen som sitter til venstre, et urovekkende skjelett som er opplyst av flammen fra lyset som han selv bærer med seg. Det handler om livets flamme; livet til den glade unge mannen som døden er i ferd med å utslette. Skjelettet nærmer seg gutten og ser ut til å hviske noe til ham. Uten tvil advarer han deg: tiden går, og din er talt. For å understreke budskapet sitt løfter han høyre hånd, der vi legger merke til et løpende timeglass...

Judith Leyster, en trofast representant for sin tid, fanger i dette storslåtte verket barokkens vanitas, ifølge hvilke tiden løper og ingenting står. Mye mindre ungdom og glede...

5. Rembrandt selvportretter

Hvis det er en kunstner som er interessert i endringene den tiden etterlot seg i ansiktet hans, er det Rembrandt van Rijn (1606-1669). I løpet av førti år har kunstneren laget ikke mindre enn hundre representasjoner av seg selv (selv om det stilles spørsmål ved identiteten hans om noen), av hvilken grunn vi kan følge deg på livets bane.

Rembrandt laget sitt første selvportrett i 1628, da han bare var tjueto år gammel. Kunstneren fremstår leende, med et penselstrøk som fortsatt er usikkert. Mye bedre er selvportrettet fra 1629, hvor vi ser bystemaleren, med en svært alvorlig rictus i ansiktet. Og så videre; Vi kan følge sporene etter malerens trekk frem til 1669, dødsåret, da han malte sitt siste selvportrett i en alder av 63 år. Et sant vitnesbyrd for ettertiden.

6. På tide å røyke et maleriav William Hogarth (1732)

William Hogarth er en av de mest verdsatte satirekunstnerne på det engelske 1700-tallet. Berømte er hans malerier og graveringer som kritiserer skikkene i England på den tiden. I dette tilfellet finner vi en allegori til tidens gang og hvordan den ødelegger alt den berører, inkludert kunst.

En gammel mann med langt skjegg og muskuløs kropp (personifisering av tiden) vurderer et maleri som hviler på staffeliet hans. I venstre hånd bærer han ljåen, identifisert med døden, slutten og forsvinningen, og med den andre holder han en pipe. Røyken som kommer ut av den, treffer lerretet helt, og skitner og sverter det.

Selvfølgelig reflekterer Hogarth over effektene tiden har på ting. Spesielt om maleriene; I denne forstand er graveringen satiren over en tankestrøm fra hans tid, kunngjort spesielt av Addison, som fastholdt at tiden "malte" og forbedret verket. Nei, synes Hogarth å si med denne graveringen; tiden forbedrer ikke arbeidet, den bare endrer og ødelegger det.

• Relatert artikkel: "De 8 grenene av humaniora"

7. Skjebnene (Atropos), av Francisco de Goya (1820-23)

Skjebnene var tre mindre guddommer i gresk mytologi som var ansvarlige for menneskets tid og eksistens; det var de som bestemte hvor lenge en persons liv varte. I inventaret over eiendelene til Goyas sønn som ble utført på 1800-tallet, maleriet er beskrevet som Atropos, og hentyder til navnet på Grim Reaper som har ansvaret for å klippe livets tråd.

Som resten av samtalene svarte malinger, kromatikken i dette verket er luguber og mørk, basert på gråaktige, brunlige og svarte toner. De tre skjebnene henger i luften, som om de svever, og i midten av gruppen trekker en fjerde figur med hendene knyttet vår oppmerksomhet. En mann hvis liv de bestemmer?

8. Drømmeren (ruinene av Oybin)av Caspar David Friedrich (1835)

Under romantikken går tiden fra å være noe truende til noe vakkert. Den romantiske kunstneren er den typiske nostalgiske kunstneren; han føler seg komfortabel blant restene av et tempel eller et slott, og forestiller seg for dem en idealisert fortid som ikke har noe med virkeligheten å gjøre.

Friedrich var en av de største kunstnerne i kunsten å male rester fra fortiden.. Vi bekrefter det med det nevnte verket, der vi ser en mann sitte på restene av det som ser ut til å være en gotisk katedral. Gjennom gapet i buene til det som er igjen av vinduet, ser vi en vakker solnedgang (eller soloppgang), som omslutter lerretet i et spesielt lys. Friedrich fanger renheten til religion og spiritualitet fra fjerne tider, og opphøyer forresten den tyske nasjonens fortid. Mannen, den drømmer av tittelen, står som et perfekt eksempel på romantisk følelse.

9. Stilleben med veltet stearinlysav Max Beckman (1930)

Til tross for at øyeblikket av prakt vanitas Det var, som vi allerede har kommentert, barokken, årsaken til tidens gang og livets forgjengelighet ble ikke glemt i senere maleri. Ikke engang på 1900-tallet, da dette verket av Max Beckmann, datert 1930 og som viser oss en vanitas med et avantgardespråk.

Tre lys hviler på et bord. To av dem er fortsatt på; den tredje er skutt ned og har gått ut. Speilet plassert mot veggen reflekterer urovekkende brannen til de to overlevende: vilje til å ønske å forlenge livet mot all naturlov? Den brokete sammensetningen gir en klaustrofobisk effekt som fremhever følelsen av rastløshet og fortvilelse.

10. Minnets utholdenhetav Salvador Dali (1931)

De berømte Dalí-smeltede klokkene har sitt maksimale uttrykk i dette verket. Med geniets ord, er de "tidens camembert", i forhold til deres slappe konsistens, som smeltet ost.

Lerretet (på omslaget) er en del av den kjente metoden, etablert av Dalí, som han selv kalte «paranoid-kritisk», der kunstneren fanget visjoner og optiske spill som lurte og forvirret betrakteren. I maleriet som angår oss, har tiden mistet all mening: virkelighet og drømmen blandes, som i en drøm. Spredt over landskapet, dystre som i et mareritt, dukker halvslitte klokker opp; til venstre flokker maur seg til den eneste klokken som ser ut til å holde formen. I midten av maleriet ser et merkelig ansikt med lange øyevipper ut til å symbolisere dødens forfall. I Persistencia de la memoria blir tiden snudd på hodet og får en ny mening.