Edvard Munch: 20 strålende arbeider for å forstå ekspresjonismens far

Edvard Munch er en norsk maler lokalisert i overgangen fra det 19. til det 20. århundre, og regnes som faren til ekspresjonismen. Hans arbeid, skandaløst for mange, vekket beundring av unge kunstnere og den ikke-spesialiserte publikum. Disse ble identifisert med angsten generert av den raske industrialiseringen og den rådende mekanismen.

For etablerte artister var årsaken til skandalen i Munchs tekniske frihet. For de konservative sektorene var det basert på det faktum at maleren åpent adresserte emner som sex, kjærlighet og fremfor alt sykdom og død, hans store besettelser.

Hans stil var unik takket være at den skapte et autentisk og originalt språk, en konsekvens av fritt dialog med postimpresjonisme, art nouveau og avantgarde. Det er derfor, selv om Munch åpnet dørene til ekspresjonismen, kan han ikke merkes i noen bevegelse. Når vi tar en titt på de viktigste verkene hans, vil vi forstå hvorfor Munch er en unik og gjentatt kunstner.

1. Skriket, 1893

Skriket Det er Munchs arbeid som løsnet den mest skandalen, og likevel regnes det i dag som Mona Lisa av samtidskunst. Det representerer en androgyn person med ansikt som uttrykker kval i sitt maksimale uttrykk etter å ha hørt eller uttalt et skrik. Faget oppfatter følgelig verden som en bølgende og stridende masse. Ingen andre enn Munch hadde gjort dette før innen kunst.

Stykket ble unnfanget etter perioden hvor en av søstrene hans ble fengslet for selvmordsforsøk, noe som tyder på en viss tilknytning til episoden. Et nysgjerrig faktum om Skriket er at Munch laget fire versjoner med små forskjeller mellom dem, en veldig vanlig praksis hos maleren. Den mest berømte versjonen er den fra 1893, som ble stjålet i 1994, og gjenopprettet kort tid etter.

2. Angst, 1894

Ja Skriket Det er bildet av individuell fortvilelse Angst det er uttrykket for den kollektive kvalen som Munch fanger i den norske sjelen. Derfor er Munch ikke en kunstner som er begrenset til registeret over individuelt ubehag, men er følsom for generelt ubehag som påvirker samfunnet på slutten av 1800-tallet, hvis transformasjon er mye raskere enn dets evne til å behandle Endringer.

Lerret Angst Den er basert på to tidligere Munch-malerier. Landskapet vi ser i Angst er gjenopprettet fra lerretet Skriket. Karakterene er derimot hentet fra Ettermiddag på Karl Johan Street. Strategien med å ta elementer fra tidligere bilder er tilbakevendende i Munch. Maleren "representerer" ikke bare scener, men elementene som utgjør dem er oppfattet som deres egne symboler.

3. Den syke jenta, 1885-1886

Den syke jenta tilsvarer en tidlig stil i Munchs arbeid, nærmer seg impresjonisme. Lerretet viser Munchs yngre søster, Sophie, på dødsleiet fra tuberkulose. Da var den unge kvinnen omtrent 15 år gammel.

Som hans skikk utførte Munch forskjellige versjoner av denne sangen, som var en permanent kilde til smerte og skyld for ham. Dette skyldtes at maleren, som hadde lidd av tuberkulose i en alder av 13 år, følte at han måtte ha dødd i stedet for søsteren.

4. Kjærlighet og smerte (vampyr), 1893

Munch tittelen på dette arbeidet Kjærlighet og smerte. I den representerte han en kvinne som omfavnet en mann som ligger på fanget, som om han ønsket trøst. Selv om Munch aldri avslørte den personlige betydningen av verket, snakker den originale tittelen volum. Da dette stykket ble avslørt, utløste det imidlertid en enorm skandale.

Folk så sadomasochistiske tegn i henne, og tolket at kvinnen bet nakken til kjæresten sin som en vampyr. Følgelig begynte maleriet å bli kjent som Vampyr. Slik var skandalen at dette år senere var et av mange Munch-malerier sensurert under den nazistiske okkupasjonen av Norge.

5. Madonna, 1894

Boksen kjent som Madonna den hadde opprinnelig tittelen Kjæreste kvinne eller Kvinne som elsker. Gi nytt navn til arbeidet Madonna det er utvilsomt en provokasjon. Munch produserte minst fem kjente versjoner av dette stykket.

Kunstneren fremstiller kvinnen som om det var et ikon, for å formidle følelsen av tilbedelse som hennes skjønnhet og seksualitet våkner. Den røde glorien som omgir hodet, henviser til forholdet mellom kjærlighet og smerte, selv under fullførelsen av den seksuelle handlingen.

Denne hypotesen er berettiget fordi Munch laget en inngravert versjon, hvis ramme inkluderte dekorative motiver av sædceller som konvergerte på et makabert foster. Avslutningsvis er maleriet et symbol på livssyklusen som går gjennom seksualitet, forplantning og død.

6. Aske, 1894

Aske Det regnes som et av verkene med den største estetiske skjønnheten til Munch på grunn av linjetråd og fargelegging. I komposisjonen ser vi en mann i svart, fargen på mørke og død. Mannen er tapt i et hjørne, som om han gjemmer ansiktet i skam, med hendene mot hodet. Det minner oss om den oppgitte mannen av Kjærlighet og smerte (vampyr).

Bak ham løfter også en kvinne i en hvit kjole, fargen på renhet og med en rød bodice, lidenskapens farge, hendene. Ansiktet hans uttrykker tristhet og bekymring. Sløret av lidenskap er revet.

Forholdet mellom bildet og tittelen peker på et paradoks: når lidenskap forbrukes, forsvinner den. Ilden av lidenskap etterlater bare aske. Men i tillegg fremkaller gestene til karakterene skyld og fortvilelse. Dette avslører at hendelsen trosser en moralsk kode. Er det hor? Var det voldtekt? Det må være betrakteren som dekrypterer den.

7. Pubertet, 1894-1895

På Pubertet, Skildrer Munch en helt naken ung tenåring. Den unge kvinnen har et fryktet ansikt og skjuler sine private deler. Mer enn et symbol på beskjedenhet og uskyld, er bevegelser et symbol på frykt og undertrykkelse i møte med seksualitet, som Munch led i sin ungdom, gitt farens religiøse strenghet og konteksten av epoke.

Scenens mystiske stemning bekreftes av den uutslettelige skyggen i bakgrunnen, som ser ut som en slags hjemsøkende fantasmagoria. Betydningen av dette tidlige arbeidet til Munch ligger i at det representerer endringspunktet mellom det "impresjonistiske" hjerneslaget og frigjøringen av teknikken til tjeneste for kunstnerens psykologiske verden.

8. Selvportrett med sigarett, 1895

Selvportrett med sigarett Det er et av Munchs mest berømte verk, i tillegg til å være hans mest kjente selvportrett blant de mange han laget. På lerret demonstrerer forfatteren en forståelse og absolutt mestring av teknikken for å representere lysglød midt i mørke og røyk.

Ved å gjøre dette bygger Munch en nesten mystisk atmosfære som trekker oppmerksomhet mot ansiktet og hånden. Ansiktet virker mellom forvirret og overrasket, mens hånden, i tillegg til å holde sigaretten, stiger til hjertets nivå. Hvis ansiktet er tegnet på motivets indre identitet, påvirket av følelsesmessig ustabilitet, er hånden symbolet på plastikkunstneren.

9. Døden i rommet, 1895

I barndommen så Edvard Munch mange familiemedlemmer dø av tuberkulose: hans mor og far er noen av tilfellene. Døden i rommet representerer lidelsen til familien hans ved tapet av hans yngre søster, Sophie, som vi ikke ser. Det er et geni av forfatteren å fokusere betrakterens oppmerksomhet på emosjonell lidelse snarere enn døden.

Mannen som løfter hendene i en bønnholdende holdning, er faren, en alvorlig protestantisk religiøs. Mannen som lener seg på veggen antas å være Munch, og snur ryggen til scenen (død, hengivenhet og tro), mens han ser rett på sin egen skygge. Det fremhever det faktum at hvert familiemedlem lider hver for seg.

10. To mennesker (De ensomme), 1896

Lerret To mennesker det er ikke noe annet enn en allegori om ensomhet. I den ser vi en mann og en kvinne uten identitet, med ryggen til betrakteren, som vurderer den inerte horisonten. Mellom de to ser det ut til å være en uoverstigelig avstand.

Arbeidet, som mange andre av Munch, ble dekket flere ganger og i forskjellige teknikker. Både temaet og måten å representere det på bekrefter kunstnerens engstelige, ensomme og depressive karakter.

11. Kysset, 1897

Kysset, fra 1897, er en av versjonene av maleriet kjent som Kysset bak vinduetav Munch selv. Måten maleren representerte de to figurene på, skiller seg ut. De ser ut som en enkelt kropp, uten skillelinjer mellom dem. Karakterene mangler identitet, egne grenser.

Fusjonen av karakterene kan ikke leses romantisk, siden den mørke og tunge atmosfæren på scenen også antyder nærhet til døden. Effekten av denne serien var slik at den inspirerte det berømte verket Kyssetav Gustav Klimt.

Det kan interessere deg: Analyse av Kyssetav Gustav Klimt.

12. Fertilitet, 1898

På lerretet Fertilitet fra Munch ser vi en gravid kvinne, oppreist, som bærer de rikelige fruktene av treet. Foran henne sitter mannen, sammenfalt og bøyd, i kontrast. En falt stokk kan sees ved siden av ham. Det er en kontinuitet mellom mannen og treet fordi den første hviler foten på stammen på treet.

Treet kunne tolkes som livets tre. En gren er imidlertid avskåret, hvorav bare en stubbe er igjen. For å kunne bære frukt, har treet blitt beskåret, oppløst.

De mer radikale tolkningene antyder at Munch uttrykker sin avvisning av å få barn. Fruktene hennes ville representere slutten på fruktene hans. Tolkningen er basert på at maleriet ble malt da Munch sto overfor muligheten for å gifte seg med Tulla Larsen, en forpliktelse som aldri ble fullbyrdet.

13. Møte i verdensrommet, 1898

På Møte i verdensrommet vi ser en mann og en kvinne som graverer i rommet. Verket representerer et erotisk øyeblikk, avgrenset ikke bare av kropper og bevegelser, men også av linjer som er alluserende for sæd som beveger seg rundt figurene. Ansiktene er fjernt fra hverandre. Kvinnen virker nesten likegyldig. Mannen virker levert. Stykket viser den tekniske allsidigheten til forfatteren, samt symbolene og uttrykksfulle ressursene.

14. Livets dans, 1899

Livets dans det er en metafor for stadiene i livet og kjærligheten. Det er en utendørs scene, hvis bakgrunn er en dypblå himmel over en norsk innsjø. På himmelen ser vi den nordlige solen og dens refleksjon i vannet, et av symbolene som konsekvent gjentas i malermaleriene.

I forgrunnen ser vi den samme kvinnen i tre trinn: en ung jomfru i hvitt til venstre. Til høyre en ensom kvinne kledd i svart. I sentrum danset kvinnen og mannen hennes som om verden ikke eksisterte. Kjolens røde symboliserer liv og lidenskap. Paret kan være Tulla Larsen og Munch.

Rundt dem danser andre karakterer. Bak den svarte kvinnen ser man en grotesk mann klar til å misbruke en kvinne. Viktigheten av dette arbeidet ligger i måten Munch klarer å formidle kompleksiteten i sin indre angst rundt livets stadier, som han beskriver til kjærlighet.

15. Marats død, 1907

I løpet av en periode av sitt liv viet Munch seg til å lage forskjellige versjoner av Marats død. Blant disse versjonene presenterer vi en laget i 1907. Marat var en fransk journalist og politiker fra 1700-tallet, som ble myrdet av Charlotte Corday.

Serien ser ut til å ha Munch selv som en mannlig referanse, og dermed konsolidere ideen om at maleren følte seg offer for kvinner. Fra et estetisk synspunkt skiller verket seg ut for bruk av linjer som en form for farging. Det er en slags rayonisme som bryter med den buede linjens modernistiske stil og med bruk av tette fargede overflater.

16. Badende menn, 1907

Badende menn de Munch skiller seg ut for sin livlige og livlige karakter, som er i motsetning til den bølgende og mørke atmosfæren til mange av hans lerret. Scenen viser en gruppe menn på en nakenstrand, der Munch tilbrakte en periode med utvinning.

Munch viser frem sin evne til anatomisk tegning, samt sin evne til å fargelegge. Den implementerte teknikken næres av impresjonistiske og rayonistiske prinsipper, og i noen aspekter ser det ut til å være i dialog med Fauvisme.

17. Sol, 1909-1911

Sol Det er et monumentalt veggmaleri av Edvard Munch funnet på Universitetet i Oslo. I dette utforsker Munch nye plastspråk som bringer ham nærmere abstrakt avantgarde, spesielt Kandinsky, representant for gruppen Der Blaue Reiter, og lyrisk abstraksjon.

Symbolikken her når sitt maksimale uttrykk. Solen blir en metafor for det guddommelige, som utstråler sitt lys på verden og rydder skyggen av uvitenhet. Med dette arbeidet demonstrerer Munch nok en gang sin kreative frihet, noe som forklarer hvorfor han ikke kan merkes i en enkelt stil eller bevegelse. Munch avslører seg som en unik kunstner i konstant innovasjon.

Du kan også være interessert i: Ekspresjonisme: egenskaper, verk og forfattere.

18. Galopperende hest, 1912

I rammen Galopperende hest, ser vi en hest som drar en snøslede med en mann ombord. Den iøynefallende detalj er på stien, som skiller seg ut for å være for smal for bragden.

Det skremte uttrykket til hesten og menneskets disposisjon på veikanten gir oss forståelse for en overhengende fare. Barna til høyre prøver å komme seg unna, mens de voksne til venstre venter uforferdet før de flytter. Det er en ny tilnærming til temaet frykt og angst, så til stede i forfatteren.

19. Arbeidere i snøen, 1913

Edvard Munch var også følsom for den sosiale virkeligheten som omringet ham. Bevis på dette er de forskjellige maleriene han laget om arbeiderne, for eksempel dette lerretet Arbeidere i snøen.

I forgrunnen representerer Munch tre arbeidere som står foran betrakteren, med spadene som en støttepunkt. I dem kan du ane styrke, men også tretthet og aldring.

Den hevede knyttneven til arbeideren som er arrangert i sentrum, gir en forutsetning for et krav eller krav. Disse tre mennene ser ut til å være i våpen. Bak disse tre karakterene fortsetter de andre arbeiderne arbeidet sitt, uvitende om kunstnerens og samfunnets blikk.

20. Selvportrett mellom klokka og sengen, 1940-1943

Selvportrett mellom klokka og sengen det er et maleri fra Munchs siste kreative scene. Munch benyttet seg av lerretet for å symbolisere nærheten til døden, og plasserte figuren mellom en bestefar og en seng. Klokken representerer tidens ustoppelige gang, og sengen representerer døden som den siste sengen, som evig hvile.

En detalj skiller seg ut i kontrast: mens klokken har et antikt design, har sengetrekket et moderne geometrisk design. Med dette uttrykker Munch bevissthet om den dramatiske forandringen i tiden han måtte leve.

Bak Munch kan man skille et slags rom der tilstedeværelsen av referanseverker fra hans kunstneriske liv er underforstått, som han har viet all sin innsats.

Se også: Rammeanalyse Skriket av Edvard Munch.

Biografi

Edvard Munch er en norsk maler og grafiker som ble født 12. desember 1863 og døde 23. januar 1944.

Fra en ung alder måtte han takle sykdom og død. Tuberkulose krevde først livet til moren, Laura Cathrine Munch, da gutten var bare 5 år gammel. Senere forårsaket han døden til sin yngre søster, Sophie; farbrødrene hans og, år senere, faren hans, Christian Munch. Selv Edvard Munch selv led av sykdommen i en alder av 13 år.

Disse hendelsene førte til at maleren utviklet en forferdelig terror av sykdom og sykdom. døden og led derfor av angst og depresjon hele livet, noe som avgjorde hans henvendelser kunstnerisk.

Munch begynte å studere ingeniørarbeid i 1879, men han forlot snart denne karrieren for å vie seg til maling. Han ble påvirket av fransk kunst fra 1800-tallet takket være turene til Paris. Rundt 1890 begynte han å male prosjektet Livets frise, en serie malerier som skildrer forskjellige milepæler i menneskelivet, basert på hans egne erfaringer.

Selv om arbeidet hans var en kilde til skandale i begynnelsen, endte det med å få en viktig plass i museene i landet hans og Europa. Imidlertid, etter den nazistiske okkupasjonen av Norge, rundt 1940, ble Munchs malerier sensurert av inntrengerne og ble fjernet fra utstillinger.

Imidlertid markerte 1942 hans definitive internasjonale innvielse ved å være gjenstand for en utstilling i New York i anerkjennelse av hans fruktbare kunstneriske arbeid. To år senere døde Munch i full ensomhet.