Luis Buñuel: główne filmy i etapy geniuszu hiszpańskiego kina

Luis Buñuel to jeden z najbardziej osobliwych filmowców na scenie filmowej. Jego język filmowy i sposób rozumienia kina służył jako punkt odniesienia dla wielkich reżyserów na przestrzeni dziejów.

W niemal całej filmografii aragońskiego reżysera widać rysy jego osobowości. Jego kino opowiada o nonkonformizmie swoim czasem i bardzo krytycznie odnosi się do konwencji burżuazyjno-religijni, co doprowadziło go nawet do opuszczenia rodzinnego kraju i walki z cenzurą of za chwilę.

Jego twórczość ma na celu otwarcie oczu konformistycznemu widzowi, podważanie ustalonego porządku społecznego i stawianie w centrum uwagi takich kwestii jak społeczeństwo, rodzina. religia, burżuazja czy polityka, wszystko to bez pominięcia aluzji do świata marzeń i wewnętrznego świata jednostki, tematów, które zawsze były obecne obsesję.

Nie ma wątpliwości, że kino Luisa Buñuela zaznaczyło wielki etap w historii kina. Reżyser wykorzystał sztukę kinematograficzną jako rodzaj płótna, na którym uchwycił wszystkie niepokoje, które pojawiały się w jego wewnętrznym świecie.

Buñuel zrobił coś, co niewielu filmowców tamtych czasów mogło osiągnąć: stworzyć późniejsze pokolenia odziedziczy ich kino i mimo upływu czasu udaje mu się nadal budzić sumienia i czynić odzwierciedlić.

1. Surrealistyczna scena

W połowie lat dwudziestych Buñuel wyjechał do Paryża. Tam dzielił się pomysłami z różnymi ówczesnymi artystami i mimowolnie utrzymywał swój pierwszy kontakt z nurtem surrealistycznym, kiedy poznał André Bretona.

Później przyłączył się do grupy surrealistów, z którą sympatyzował i wraz z filmem doprowadził nurt do maksymalnej ekspresji w medium filmowym Pies andaluzyjski (1929).

Pies andaluzyjski (1929)

Chodzi o twoją debiut jako reżyser, który pisał z Salvadorem Dalí. Jest uważany za jedno z największych dzieł surrealistycznych w historii kina. W 1929 r. miał premierę w Paryżu na Studium Urszulanek i wywołał wielkie kontrowersje wśród ówczesnych krytyków.

To film, który zaprasza widza do wejścia w świat marzeń, pozostawiając rzeczywistość na boku. Wykracza poza to, gdzie prowadzą nas zmysły lub rozum. Króluje nierzeczywistość otwierająca drzwi do nielogicznej narracji. Co sprawia, że ​​jest otwarty na różne interpretacje.

Film od pierwszej chwili szokuje. Mężczyzna (Buñuel) pojawia się na balkonie ostrząc brzytwę, a potem widać, jak przecina kobiecie oko. To jedna z najsłynniejszych scen w filmie.

Od tego momentu film zanurzony jest w autentycznej grze ujęć, które choć podobno nic nie znaczą, udaje im się wywołać w widzu doznania dzięki wspaniałemu montowanie.

W większości przypadków wykorzystuje go w łańcuchu. Znamiennym przykładem jest sytuacja, w której mrówki wychodzą z ręki rowerzysty i nagle zamieniają się we włosy pod pachami kobiety, a następnie w jeża.

Zrywa również z linearnością dzięki niespójnemu wykorzystaniu napisów, które zamiast prowadzić widza, wprowadzające w błąd: „Pewnego razu”, „Osiem lat później”, „Do trzeciej nad ranem”, „Szesnaście lat wcześniej” i „W wiosna".

Z biegiem lat powstawały różne interpretacje filmu, choć żadna z nich nie jest do końca trafna. Sam Buñuel opisał to:

Film to nic innego jak publiczny apel o morderstwo.

Rzeczywistość jest taka, że ​​chociaż nigdy nie zdołał wyjaśnić przyczyny powstania tego filmu, istnieją ukryte elementy, które będą utrzymać przez całą swoją karierę, takie jak jego obsesja na punkcie śmierci, świat snów i podświadomy.

Jednak nawet jeśli jakakolwiek analiza filmu może być trafna, Pies andaluzyjski stara się odcisnąć na odbiorcy ślad, aby przywołując film nie szukał żadnej fabuły, ale raczej starał się opisać emocje, jakich doznał podczas oglądania.

Złoty wiek (1930)

Na początku lat 30. Buñuel miał premierę swojego drugiego surrealistycznego filmu, tym razem z dźwiękiem i językiem francuskim. Jest to przełomowe i wyjątkowe dzieło, które sfinansował wicehrabia de Noailles, członek arystokracji. Premiera filmu przyniosła ze sobą skandal i zakaz jego wyświetlania przez rząd francuski.

Buñuel ujawnia w nim krytykę obyczajów i tradycji ówczesnego społeczeństwa burżuazyjnego. Sam reżyser tak opisał film:

Instynkt seksualny i poczucie śmierci stanowią istotę tego filmu. To romantyczny film nakręcony z surrealistycznym szaleństwem.

To walka dwojga kochanków o kontynuowanie namiętnej miłości w społeczeństwie zdominowanym przez zasady. Nie ma wątpliwości, że film jest egzaltacją szalonej miłości, zupełnie za darmo i jest przede wszystkim zarzutem wszystkie te czynniki, które zakłócają jego rozwój, ogólnie konwencje społeczne burżuazyjny.

Narracja, która rozpoczyna się dokumentem o życiu skorpionów, przykuwa uwagę od pierwszego momentu. Być może włączenie obrazów zarejestrowanych w 1912 roku nie jest przypadkowe, jeśli weźmiemy pod uwagę obsesję Buñuela na punkcie owadów.

Później niektórzy przestępcy próbują uciec ze swojej chaty, podczas gdy grupa biskupów odprawia coś w rodzaju rytuału nad morzem, aż w końcu pojawiają się martwi na plaży.

Grupa ludzi przybywa łodzią, aby oddać cześć duszy biskupów. Ceremonię przerywa hałas kochanków, mężczyzny i kobiety, którzy na plaży dają upust swojej miłości. Mężczyzna zostaje ostatecznie aresztowany.

Od tego momentu film obraca się wokół kobiety, która mieszka w zamożnym domu i próbuje spełnić swoje seksualne pragnienia w obliczu przeszkód otaczającego ją społeczeństwa.

Jego najbardziej krytyczna analiza polega na wstawieniu ujęć, które pozostały w pamięci widzów. Na przykład wizerunek zmumifikowanych biskupów, bohatera ssącego duży palec posągu czy krowy siedzącej na eleganckim mieszczańskim łóżku.

Może Ci się spodobać Surrealizm: charakterystyka i główni artyści.

2. Etap II Republiki Hiszpańskiej

Skandal spowodowany przez Złoty wiek, uświadamia Holywood, że Buñuel może być „kopalnią złota” dla przemysłu filmowego. Dlatego w 1931 roku przepłynął Atlantyk zwabiony ofertą Metro Goldwyn Mayer. Zamierzają wprowadzić go do tamtejszego systemu kinematograficznego; Jednak różne kpiny i chamstwo Buñuela wobec wysokich pozycji w branży sprowadzają go z powrotem do Hiszpanii.

Ziemia bez chleba (1933)

Wkrótce po powrocie nakręcił dokument Ziemia bez chleba z pieniędzmi z wygranej na loterii. Ma na celu odzwierciedlenie życia Las Hurdes (Estremadura), gdzie sytuacja była naprawdę dramatyczna, choć Buñuel nieco przesadza.

Film przedstawia zdjęcia okolicy jako głos lektora komentuje to, co się w nich pojawia. Rozpoczyna się infografiką sytuacyjną, w której pojawia się mapa Europy i stopniowo zbliża się w Powiększenie i wskazuje dokładny punkt, o którym będzie mówić. Podczas gdy głos opowiada:

W niektórych częściach Europy znajdują się ogniska cywilizacji prawie paleolitycznej. W Hiszpanii, 100 km od miejsca o wysokiej kulturze Salamanki, Las Hurdes są oddzielone od świata górami o trudnym dostępie (...)

Film jest jak spacer po okolicy Buñuela, widz widzi to, co widzą jego oczy. Staraj się uczyć życia tamtejszych ludzi w „neutralny” sposób. Pokazuje biedę, choroby, dzieci i niedożywienie.

Przesadny ton narratora uderza w opisie tego, co widzi, czasem z podejrzliwością, że jest prawdziwy. Wyraźnym przykładem jest opis kobiety z wolem, która według narratora ma 32 lata, choć wydaje się to niewiarygodne.

To, co Buñuel zamierza w tym filmie, prowokować do tego, aby umieścić populację w centrum uwagi który żyje w nędznych warunkach, mimo że jest blisko rozwiniętych miejsc i wykształcony.

Z drugiej strony reżyser chce przybliżyć najbardziej wiejską i wsteczną Hiszpanię tamtych czasów, w czasie rzekomego rozwoju, zapomnianą przez polityków i przywódców.

Pokazuje również hipokryzję Kościoła, porównując chrześcijańskie miejsce, w którym chłopi mieszkają w zrujnowanych domach, z bogactwem, które on posiada.

Ostatecznie rząd republikański zakazał filmu, uznając, że dał zły wizerunek Hiszpanii. Nie przeszkodziło to jednak Buñuelowi w późniejszym sprzedawaniu go za granicą.

3. Etap wygnania: Meksyk

Wraz z wybuchem wojny domowej Buñuel, który pozostał wierny stronie republikańskiej, musiał udać się na wygnanie. Najpierw emigruje do Francji, gdzie mieszka przez pewien czas, a potem wraca do Hollywood. Po pobycie w Ameryce Północnej udał się do Meksyku z zamiarem sfilmowania filmowej adaptacji dzieła. Dom Bernardy Alby de Lorca i choć nie zostało to ostatecznie zrobione, postanowił się tam osiedlić.

To właśnie w 1949 roku w Meksyku postanawia wznowić karierę reżysera filmowego, którą pozostawił w stagnacji wraz z wybuchem wojny. W tym okresie kręcone są niektóre z najważniejszych filmów filmografii Buñuela. Wśród nich są:

Zapomnieni (1950)

W tym filmie reżyser po raz kolejny ujawnia swoją troskę o problemy społeczne. Jak z dokumentem Ziemia bez chleba, Rozpoczyna od podkreślenia, że ​​w cieniu bogactwa wielkich miast znajdują się obszary najbiedniejsze i najbardziej pokrzywdzone.

Tym razem zamiast wpatrywać się w ojczysty kraj, zastanawia się nad slumsami Meksyku. I wraca do skupienia uwagi na najbardziej wrażliwej populacji: dzieciach.

Fabuła obraca się wokół Jaibo, nastolatka, który ucieka z poprawczaka i wraca do swojej dzielnicy. Kilka dni później popełnia morderstwo na oczach swojego przyjaciela Pedro, chłopca, który stara się być dobry. Od tego wydarzenia Jaibo sprowadza Pedro na manowce, a ich losy zostają skrócone.

Ten film to hymn do surowej rzeczywistości. Zaskakujące jest okrucieństwo, z jakim problemy takie jak machismo i alkoholizm obecne w społeczeństwie, które odzwierciedla.

Z drugiej strony wizja szkoły, jaką mają dzieci, jest niezwykła, dla nich jest to jak kara. Kiedy Pedro idzie do szkoły, aby uczyć się zawodu, myśli, że straci wolność, utożsamiając szkołę z więzieniem.

Ujawnia również ignorancję ludności, która pozostaje przywiązana do popularnych wierzeń. Na przykład chora kobieta myśli, że wyleczy ją gołąb.

Filmowiec nie przepuszcza również okazji do zbadania świata snów i robi to poprzez postać Pedro. Uderzająca jest technika spowalniania, której używa, aby opisać wyśniony świat dziecka, w którym pokazuje obawy bohatera.

To, co Buñuel i Luis Alcoza, scenarzyści filmu, zamierzają pokazać w tej narracji, to hipokryzja, która istnieje między dwiema stronami tej samej monety. Z jednej strony ewolucja i bogactwo centrum dużego miasta, z zamożną populacją. Z drugiej biedne peryferie, na których panuje przestępczość, bieda i inwolucja, problemy pozostające w cieniu systemu politycznego.

Z pełnym żołądkiem wszyscy jesteśmy lepsi.

Reakcja po premierze filmu w Mexico City wcale nie była przyjazna. Chociaż później zdobyła uznanie na Festiwalu Filmowym w Cannes i została nazwana Pamięć świata przez UNESCO.

On (1952)

Jest to film nakręcony w 1952 roku na podstawie książki o tej samej nazwie hiszpańskiej pisarki Mercedes Pinto. Opowiada historię Francisco, wysoko urodzonego mężczyzny, który ma obsesję na punkcie zdobycia miłości do Glorii, dziewczyny swojego przyjaciela.

Ostatecznie kochankowie biorą ślub, a ich małżeństwo zamienia się w piekło z powodu zazdrości i obsesji głównego bohatera.

W tym melodramacie w filmach Buñuela pojawiają się również dwa podstawowe składniki: kościół i społeczeństwo. To właśnie w środowisku kościelnym rozpoczyna się narracja podczas obchodów Wielkiego Czwartku. Tam spotkają się bohaterowie, oboje z klasy zamożnej.

Wkrótce pojawia się jedno z podstawowych pojęć, które zyskają na znaczeniu podczas oglądania filmu: paranoja. Jak gdyby było studium nad racjonalnym zwierzęciem, reżyser „separuje” umysł głównego bohatera. I to jest, że jako widzowie jesteśmy świadkami " Podróż Francisco do delirium poprzez subiektywną rzeczywistość i poszukiwanie własnego postrzegania rzeczywistości.

Widać też zamieszanie między pojęciami miłości i obsesji. Na początku pojawia się wyraźna uległość Glorii wobec męża, a nawet swego rodzaju „toksyczna tolerancja” wobec jego zachowania.

Stopniowo Francisco zaczyna wierzyć, że wszystko, co się dzieje, działa na jego niekorzyść i myśli, że jego żona… Jest niewierna każdemu mężczyźnie, który się do niej zbliża, posuwając się nawet do znęcania się nad nią fizycznie i psychicznie.

Z drugiej strony można zaobserwować, jak ówczesne społeczeństwo usprawiedliwia takie zachowanie mężczyzny wobec kobiety, gdy Franciszek manipuluje swoją teściową i księdzem swoimi urojeniami. Sugerują one, że młoda kobieta musi zaspokajać zachcianki męża. Ksiądz nawet nazywa swoje zachowanie „lekkim”.

Buñuel nie pomija również swojej obsesji na punkcie zwierząt, które choć nie pojawiają się wprost, Robią to poprzez przemówienie protagonisty, gdy jest on na wieży Dzwonnica. Zrównuje w nim ludzi z robakami.

On być może jest to jeden z najbardziej osobistych filmów w filmografii reżysera, a przynajmniej tak go czasem pokazywał, zapewniając, że „może jest to film, w którym umieściłem najwięcej. W bohaterze jest coś ze mnie.”

Jest to bez wątpienia krytyka mentalności ówczesnego społeczeństwa, opartej na konwencjach i wierzeniach zakorzenionych w ideach religijnych. Filmu, który choć nie wywarł tak dużego wpływu jak inne filmy reżysera, nie pozostawia nikogo obojętnym.

Esej o zbrodni (1955)

Esej o zbrodni to także adaptacja powieści, tym razem meksykańskiego pisarza Rodolfo Usigli. Historia ta, utrzymana w tonacji czarnego humoru, kręci się wokół postaci Archibalda, rozpieszczonego dziecka pochodzącego z zamożnej rodziny, który ma obsesję na punkcie pozytywki swojej matki.

Jego guwernantka opowiada mu historię związaną ze skrzynką, w której wyznaje, że ma ona moc spełniania życzeń. W ten sposób dziecko chce, aby jego niania zginęła, a ona pada ofiarą strzału.

Od tego momentu wszystko, co dzieje się z Archibaldo, jako dorosłym, będzie się kręciło wokół tego wydarzenia, ponieważ uważa, że ​​jego życzenia zostały przyznane przez lożę i przyznaje się przed sędzią do fali zbrodni, które rzekomo on sam popełnił nieprzykuty.

Film zaczyna się od kontekstualizacji historii rewolucji meksykańskiej jako lektor, opowieść dorosłego bohatera, opisuje jego dzieciństwo i jak, od wydarzenia, które miało miejsce w tym czasie, jego życie zostało od tego czasu uwarunkowane. W tym momencie przedstawia nam element katalizatora opowieści: pozytywkę.

Ten przedmiot spowoduje zmianę w jego życiu jako dziecka, zamordowaniem niani, a później jako dorosły, gdy wyjmie pudełko z antykwariatu. Ciekawe, jak ich brzmienie połączy wydarzenia z przeszłości i teraźniejszości.

Zastosowanie kolistej struktury sprawia, że ​​film zaczyna się od sceny, w której Archibaldo się spowiada jego domniemane zbrodnie przed sędzią po śmierci zakonnicy i powrót do niego pod koniec roku film. Reszta historii jest opowiedziana przez retrospekcje.

Rola, jaką odgrywa wyobraźnia postaci, jest fundamentalna, cienka linia, która istnieje między pożądaniem protagonisty i zbiegu wydarzeń, które ostatecznie prowadzą do „historii zwariowany ".

Archibaldo wskazuje na obiekt jako winowajcę przebudzenia jego zbrodniczego instynktu, aż w końcu pozbywa się pudełka, wrzucając je do jeziora, jakby w ten sposób pozbył się swojej psychopatii.

Podobnie jak w innych filmach tego Bunuelowskiego okresu, ostro krytykuje się społeczeństwo burżuazyjne, prawie wszyscy bohaterowie są spokrewnieni z tą klasą społeczną, a także z Kościołem.

Viridiana (1962)

Na podstawie powieści Halma Galdósa, ten film był rozejmem na wygnanie Buñuela. Choć jest to koprodukcja hiszpańsko-meksykańska, reżyser pojechał do swojego kraju, by ją nakręcić.

W końcu spotkał się z ostrą krytyką Watykanu, który nazwał go bluźnierstwem, a reżim Franco zakazał go na piętnaście lat w Hiszpanii.

Film opowiada historię Viridiany, nowicjuszki, która opuszcza klasztor, by odwiedzić swojego wuja Don Jaime, zamożnego właściciela ziemskiego.

Wkrótce mężczyzna próbuje zgwałcić młodą kobietę, fantazjując o wielkim podobieństwie do jego zmarłej żony.

Chociaż w końcu żałuje i nie wykonuje czynu, ostatecznie popełnia samobójstwo jako więzień sumienia.

Po tym wydarzeniu Viridiana dziedziczy majątek wuja i chociaż nie wraca do klasztoru, postanawia głosić dobro, witając w domu grupę żebraków. Ale jego miłosierdzie prowadzi go do zła.

Czasami sam Buñuel odniósł się do głównego bohatera jako:

Viridiana to rodzaj Kichota ze spódnicą.

W pewnym sensie możemy postrzegać Viridianę jako postać słabą i pasywną, która na początku filmu porusza się w oparciu o decyzje innych. Ale stopniowo bohaterka ewoluuje zgodnie z wydarzeniami, które jej się przytrafiają, aż w końcu staje się bardziej dojrzałą i mniej wpływową postacią.

Po raz kolejny kościół jest elementem do oceny w tym filmie. W nim pojawiają się różne reprezentacje świata kościelnego. Maksymalną reprezentację podaje ręka Viridiana, potencjalna zakonnica i wierząca. Inne elementy religijne, które się pojawiają to: korona z kolców i nóż w kształcie krzyża. Chociaż być może jednym z najważniejszych momentów jest próba sklonowania obrazu Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci.

Ta praca Buñuela podkreśla również poprawę estetyki fotograficznej. W porównaniu z poprzednimi filmami obrazy z tego są czystsze i bardziej staranne.

Viridiana to nie był tylko film innego reżysera. Chociaż była to nieudana próba powtórnego nakręcenia w swoim kraju i była przedmiotem ostrej krytyki, był także jednym z najbardziej cenionych filmów reżysera, kiedy został zwycięzcą Złota palma na Festiwalu Filmowym w Cannes.

Może Ci się spodobać Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci.

Anioł Zagłady (1962)

Po krótkim pobycie w Hiszpanii Buñuel wraca do Meksyku, aby kontynuować kręcenie filmów. W 1962 r. miał premierę Anioł Zagłady, w którym ponownie bada życie burżuazyjne.

Fabuła kręci się wokół spotkania wyższej burżuazji, które odbyło się w luksusowej rezydencji pary Nóbile. Po długiej kolacji, gdy nadchodzi pora wyjścia do domu, goście odkrywają, że z niewiadomych przyczyn nie mogą opuścić pokoju. Spędzają tam kilka dni, a sytuacja przechodzi od luksusowej kolacji do walki o przetrwanie.

Surrealizm króluje w tym filmie, w którym widz, podobnie jak bohaterowie, zastanawia się: dlaczego nie mogą wyjść z domu?

Nikt nie wie, ani widz, ani bohaterowie. Katalizatorem, który budzi podejrzenia co do tego, co mogło się stać, jest nagła ucieczka służby z rezydencji Nóbile. Jednak tajemnica nigdy nie zostanie odkryta.

Większość przemówień odbywa się w tym samym miejscu, co sprawia, że ​​widz czuje, że utracił swoje pojęcie czasu, gdyby nie dialogi, zmiana wyglądu postaci, czy zegar pojawiający się w tle w liczonych okazje.

Z filmu można wydobyć antyburżuazyjną lekturę, która pokazuje prawdziwe oblicze klasy zamożnej.

Na początku opowieści, kiedy zaczyna się impreza, wszyscy chowają się za fasadą hipokryzji i prowadzą między sobą nieistotne rozmowy, ale jakby w reality show W pytaniu, krok po kroku, każdy z nich pokazuje swoją osobowość.

Odkryto, że kiedy znajdują się w „ekstremalnej” sytuacji, nadal są zwierzętami z instynktem przetrwania. To wtedy obnażają się z ozdób i bogactw, aby pokazać, że nie są niczym więcej niż ktokolwiek inny.

4. Ostatni etap: Francja

Ostatni etap jego kariery filmowej ma miejsce we Francji. Tam przeniósł się i miał więcej zasobów i środków, aby nagrać niektóre prace, które doprowadziły go do szczytu siódmej sztuki.

Piękne za dnia (1967)

Piękne za dnia Opiera się na powieści Belle de Jour 1928 przez pisarza Josepha Kessela. Wiąże się z jasną, ale subtelną krytyką współczesnego wyższego społeczeństwa, w którym powraca surrealizm typowy dla kina Buñuelowskiego.

Historia opowiada o życiu Séverine, młodej dziewczyny, która wyszła za lekarza i nie jest w stanie nawiązać związków z powodu traumy z dzieciństwa. Dlatego postanawia na kilka godzin przemienić się w Belle de Jour, prostytutka i potajemnie prowadzi podwójne życie, choć w końcu zostaje odkryta przez przyjaciela jej męża.

Młoda Catherine Deneuve gra Severine, niejednoznaczną i zdystansowaną postać, z którą się okazuje trudny do empatii, który żyje w mieszczańskim środowisku, w którym ukazuje się chłód relacji osobisty. Pewnego dnia postanawia porzucić to „nudne życie”, by na kilka godzin stać się kolejną kobietą w burdelu.

Poprzez głównego bohatera Buñuel ponownie bada świat fantazji poprzez sceny, które są częścią świata wyobrażony charakter, choć budzi wątpliwości widza, czy są prawdziwe, czy nie, między tym, co jest fantazją a rzeczywistość. To zabawne, że prawie zawsze w fantazjach Severine jest poniżana przez męża.

Z drugiej strony wątek poruszany w filmie polega na odkryciu wielu ówczesnych tematów tabu, takich jak prostytucja, w tym przypadku przeniesiona na tereny wyższych sfer. Choć traktuje to bardzo subtelnie.

Jest to prawdopodobnie jeden z najstaranniejszych technicznie filmów reżysera, biorąc pod uwagę obróbkę barwną w fotografii i wykorzystanie atrakcyjnych kadrów. Estetyka filmu oznacza dojrzałość filmową twórcy w jego ostatniej fazie.

Pomimo kontrowersji, jakie wywołał odważny temat filmu, doprowadził on do zdobycia nagrody Złoty Lew na Festiwalu Filmowym w Wenecji.

Dyskretny urok burżuazji (1972)

Dyskretny urok burżuazji To jeden z ostatnich filmów Buñuela i dzięki któremu został pierwszym hiszpańskim reżyserem, który zdobył Oscara w kategorii najlepszy film zagraniczny.

Wraca w nim, by mieć w tle francuską burżuazję. Poruszając się między komedią a absurdem, fabuła toczy się wokół sześciu postaci, trzech par, które z różnych powodów widzą, że ich zamiary pójścia na obiad zostały okrojone.

Ten innowacyjny i przełomowy na owe czasy film mógł doskonale mieć atrybut „ponadczasowy”, ponieważ jego argumentacja może być ekstrapolowana na teraźniejszość, nadal oddziałuje na widza dzisiaj.

Tak jak w filmie Anioł Zagłady, robi zdjęcie rentgenowskie burżuazji jako całości. Przedstawia ją jako klasę społeczną, która zawsze stara się zachować formę, elegancję i dobre maniery, nawet w najbardziej absurdalnych sytuacjach.

To zabawny film, w którym nie skupia się na jednej postaci, ale otwiera drogę do dwuznacznej roli chóralnej i bez ewolucji jednostek.

Grupowy protagonizm odzwierciedla się również w technice, co uzasadnia rzadkie stosowanie zbliżeń, dawanie wyeksponowanie szerszych ram, w których sami aktorzy rozwijają w sobie wspaniałą „choreografię”" tego samego.

Buñuel nie pozostawia również za sobą świata snów i trudności w odróżnieniu świata snów od świata rzeczywistego. Podejmuje ryzyko i idzie dalej, nawet prezentując sny w innym śnie.

Ten filmowy klejnot, skąpany w ironii i satyrze, pozostawia widzowi otwarte drzwi do różnych interpretacji, a jego oglądanie nie pozostawia nikogo obojętnym.

Krótka biografia Luisa Buñuela

Luis Buñuel był hiszpańskim filmowcem urodzonym w lutym 1900 roku w małym aragońskim miasteczku. Tam spędził dzieciństwo, a później przeniósł się do Saragossy, gdzie uczył się z braćmi w szkołach religijnych.

Kiedy studiował w liceum, odkrył książkę Pochodzenie gatunków (1859) przez Darwina, co doprowadziło go do zmiany koncepcji religii. Na tym etapie pojawiło się również jego zainteresowanie entomologią, która wraz z faktem religijnym stanie się jedną z jego wielkich obsesji i warunkuje jego twórczość filmową.

W 1917 przeniósł się do Madrytu z pomysłem studiowania Inżynierii Rolniczej, choć ostatecznie nie dostał się na wydział. W stolicy mieszka w "Studenckim Rezydencji", ośrodku Krausista, gdzie poznaje najwybitniejszych ówczesnych artystów awangardowych, tzw. Pokolenie 27: Ramón Gómez de la Serna, Rafael Alberti, Federico García Lorca i Salvador Dalí, z którymi utrzymywał bliską przyjaźń.

Spędził siedem lat w centrum studenckim i zmieniał studia przy różnych okazjach, aż w końcu zapisał się na Filozofię i Literaturę. Okres spędzony w stolicy warunkował jego karierę, gdyż dzięki zainteresowaniu awangardą stworzył podstawy, które miały tłumaczyć jego sposób rozumienia kina.

Kompletna filmografia Buñuel

• Pies andaluzyjski, 1929
• Złoty wiek, 1930
• Las Hurdes, 1933
• Wielkie kasyno, 1947
• Wielka Czaszka, 1949
• Zapomnieni, 1950
• Suzanne, 1951
• Córka oszustwa, 1951
• Kobieta bez miłości, 1952
• Wejście do nieba, 1952
• Brutal, 1953
• On, 1953
• Iluzja podróżuje tramwajem, 1954
• Robinson crusoe, 1954
• Esej o zbrodni, 1955
• Rzeka i śmierć, 1955
• To jest zorza polarna, 1956
• Śmierć w ogrodzie, 1956
• Nazarin, 1959
• Ambitni, 1959
• Młodych, 1960
• Viridiana, 1961
• Anioł Zagłady, 1962
• Pamiętnik kelnerki, 1964
• Szymon z pustyni, 1965
• Piękne za dnia, 1967
• Droga Mleczna, 1969
• Tristana, 1970
• Dyskretny urok burżuazji, 1972
• Duch wolności, 1974
• Ten mroczny obiekt pożądania, 1977