Freski sufitowe w Kaplicy Sykstyńskiej

W Kaplicy Sykstyńskiej znajduje się jedno z najbardziej charakterystycznych dzieł włoskiego renesansu, którego sława rozeszła się po całym świecie. Sufit Kaplicy Sykstyńskiej został ozdobiony freskami autorstwa Michała Anioła Buonarrotiego, popularnie zwanego w języku hiszpańskim Michała Anioła. Praca ta została zlecona artyście przez papieża Juliusza II (1443-1513).

Jak Michał Anioł zamanifestował deklarowaną preferencję dla rzeźby, dyscypliny, do której on uważany za sztukę wyższą i za co był naprawdę rozpoznawalny, przyjął papieskie zlecenie z niechęć.

Dzieło zaczęto malować w 1508 r., a ukończono w 1512 r. i stało się tym, czym będzie imponujący wyczyn artystyczny, biorąc pod uwagę, że Michał Anioł wykonał całą pracę tylko.

Analiza malowideł sufitowych

Główny podział sufitu składa się z dziewięciu paneli, które przedstawiają sceny z księgi Geneza. Wybór tematu teologicznego ustanawia związek między zasadami historii człowieka a przyjście Jezusa Chrystusa, mimo że nie jest on obecny w obrazowej kompozycji sufit.

Postacie, choć obrazowe, pozostają pod wpływem rzeźbiarskiej perspektywy artysty, a jednocześnie dostrzega się wagę rysunku. W ten sam sposób obrazy ujawniają mistrzostwo artysty w reprezentacji i znajomości anatomii człowieka.

Te postacie są głównie silne, energiczne i potężne, a jednocześnie pełne wdzięku. Gigantyczne i muskularne obrazy splatają się w przestrzeni niemal niemożliwej, co nadaje całej kompozycji ruch i ogromną energię.

Ta żywotność kompozycji jest z pewnością dowodem na historyczny moment, w którym żyły Włochy i który rozszerzał się na całą Europę. Chodziło nie tylko o odrodzenie sztuki klasycznej, ale także o ponowne odkrycie greckiej filozofii i humanizmu.

Rodziła się nowa Europa, pozostawiając za sobą średniowiecze i otwierając epokę nowożytną, która uczyniła człowieka centrum świata, co nazywano antropocentryzmem.

Dziewięć paneli opowiada historię stworzenia. Pierwsza przedstawia oddzielenie światła i ciemności; druga przedstawia stworzenie słońca, księżyca i planet; trzeci reprezentuje moment oddzielenia lądu od morza.

Stworzenie Adana

Czwarty panel sufitu poświęcony jest stworzeniu Adama i jest jednym z najbardziej rozpowszechnionych i rozpoznawalnych obrazów na całym świecie. Tutaj Adam leży leniwie półleżący, jakby brakowało mu energii, zmuszając Boga do ostatniego wysiłku, by dotknąć palców Adama i dać mu iskrę życia.

W przeciwieństwie do pozornie leniwej postaci Adama, Bóg obdarzony jest ruchem i energią, a nawet jego włosy poruszają się z niewidzialnym powiewem. Pod jej lewym ramieniem Bóg mocno trzyma Ewę. Ewa cierpliwie czeka, aż Adam otrzyma światło życia, aby i ona mogła je otrzymać.

W piątym panelu (centralnym) widać wreszcie stworzenie Evy; szósty przedstawia wygnanie Adama i Ewy z raju; w siódmym przedstawiona jest ofiara Noego; w ósmym powszechny potop, aw dziewiątym wreszcie pijaństwo Noego.

Po bokach paneli naprzemiennie przedstawiono proroków (Zachariasza, Joela, Izajasza, Ezechiela, Daniela, Jeremiasza i Jonasza) oraz sybille (Delfickie, Erytrejskie, Kumańskie, Perskie i Libijskie). Michał Anioł dokonuje więc przeciwstawienia chrześcijaństwa i pogaństwa, co niektórzy krytycy interpretują jako subtelny sposób krytykowania Kościoła katolickiego.

Panele, podobnie jak reszta kompozycji malarskiej, są obramowane elementami architektonicznymi namalowanymi z ekstremalnym realizmem, z którymi postacie wchodzą w interakcję. Jedni siedzą, a inni opierają się na tych fałszywych elementach architektonicznych.

W czterech rogach sufitu, zwanych pendentywami, można również zobaczyć przedstawienie czterech emblematycznych historii zbawienie Izraela i rozrzuconych po środku kompozycji dwudziestu siedzących nagich postaci męskich, znanych Co "Ignudi”, nazwa nadana przez samego artystę.

Liczby te pojawiają się w parach po cztery, otaczając pięć z dziewięciu paneli sufitowych, w szczególności te przedstawiające odurzenie Noego, ofiara Noego, stworzenie Ewy, oddzielenie morza i ziemi oraz oddzielenie światła i ciemność.

Może Cię zainteresować: Fresk Michał Anioł Stworzenie Adama: analiza i znaczenie.

Ostateczny wyrok

Michał Anioł powrócił do Kaplicy Sykstyńskiej ponad 20 lat później, aby wykonać fresk Ostateczny wyrok (1536-1541), który znajduje się na ścianie ołtarza. Praca ta została powierzona Michałowi Aniołowi przez papieża Klemensa VII (1478-1534), ale dopiero po jego śmierci, za pontyfikatu Pawła III (1468-1549).

Kontrastując z żywiołowością, rytmem i promienną energią fresków sufitowych, przedstawienie sądu ostatecznego jest ponure, a jednocześnie jest kompozycją ciał bez realnych Struktura. W sumie reprezentowanych jest trzysta dziewięćdziesiąt ciał, które były pierwotnie nagie, w tym Najświętsza Maryja Panna.

W kompozycji dominuje centralna postać nieubłaganego i przerażającego sędziego Chrystusa. W tle niebo jest rozdarte, aw dolnej części aniołowie trąbią ogłaszając sąd ostateczny.

Obok Chrystusa Dziewica patrzy w bok, jakby nie chciała stawić czoła chaosowi, nędzy, cierpieniu i temu, że grzesznicy zostaną wrzuceni do piekła.

Jedną z przedstawionych postaci jest św. Bartłomiej trzymający w jednej ręce nóż ofiarny, aw drugiej obdartą skórę, na której Michał Anioł maluje swoją twarz. Tak więc zdeformowana twarz obdartej skóry jest twarzą artysty, być może z zamiarem stworzenia metafory o jego umęczonej duszy.

Różnice między obrazami na suficie i na ścianie ołtarza są związane z kontekstem kulturowym i politycznym w czasie ich powstawania.

W tym czasie Europa przeżywała kryzys duchowy i polityczny. Rozpoczęły się lata reformacji, które miały doprowadzić do podziału Kościoła, przed którym ta kompozycja wydaje się przestrogą dla wrogów Kościoła. Nie ma przebaczenia, ponieważ Chrystus jest nieubłagany.

Gdy Michał Anioł malował te nagie postacie, kontrowersje rosły z biegiem lat, a wielu oskarżało Kościół o hipokryzję i oceniało pracę jako pornografię.

Przez ponad dwadzieścia lat oszczercy dzieła oddani byli szerzeniu idei, że Kościół chroni przemówienie pornograficzne w jednym z głównych obiektów, któremu towarzyszyła kampania mająca na celu zniszczenie obrazy.

Obawiając się najgorszego, papież Klemens VII zlecił przemalowanie niektórych nagich ciał w kompozycji, próbując zachować dzieło i zapobiec zniszczeniu. Tę pracę wykonał Daniele da Volterra w roku śmierci Michała Anioła.

Prace konserwatorskie

Interwencje restauracyjne dokonane w Kaplicy Sykstyńskiej w latach 1980-1994 ujawniły stronę Michała Anioła, która została przypadkowo zignorowana przez historyków.

Do tego momentu egzaltowane przez krytykę elementy sprowadzały się do formy i rysunku ze szkodą dla koloru. Ale czyszczenie przez stulecia brudu i dymu ze świec ujawniło żywą paletę kolorów w oryginalnym dziele Michała Anioła. W ten sposób udowodniono, że artysta był nie tylko geniuszem rysunku i rzeźby, ale także znakomitym kolorystą na poziomie Leonarda da Vinci.

Kaplica Sykstyńska

Kaplica Sykstyńska (1473-1481) znajduje się w oficjalnej rezydencji papieża zwanej Pałacem Apostolskim Watykanu. Inspiracją do jego budowy była Świątynia Salomona. To tam Papież punktualnie odprawia mszę i tam zbiera się konklawe, by wybrać nowego papieża.

Kaplica służyła jako warsztat dla niektórych z największych artystów włoskiego renesansu, nie tylko Michała Anioła. Wśród nich są Rafael, Bernini i Botticelli. Ale nie można zaprzeczyć, że dziś prosta wzmianka o Sykstynie sprowadza nas z powrotem do wielkich fresków na suficie i na ołtarzu wykonanych przez Michała Anioła.

Michał Anioł Buonarotti

Michał Anioł (1475-1564) był jednym z największych artystów renesansu i uważany jest za jednego z największych geniuszy sztuki wszech czasów. Nawet za życia cieszył się takim uznaniem i przypisywał umiejętności ponadprzeciętne.

Trudny do pokonania, jego geniusz został dostrzeżony, ponieważ był bardzo młody. Bywał w warsztacie Domenico Ghirlandaio iw wieku 15 lat Lorenzo II de Medici wziął go pod swoją opiekę.

Był humanistą i zafascynowany dziedzictwem klasycznej starożytności, przechodzącej w tym czasie najważniejszą fazę historycznego rewizjonizmu. Dlatego twórczość Michała Anioła skupiała się na wizerunku człowieka jako nośniku ekspresji. Ta preferencja jest niepodważalnym dowodem silnego wpływu rzeźby klasycznej na artystę.

Może Cię zainteresować: 25 najbardziej reprezentacyjnych obrazów renesansu

(Tekst przetłumaczony przez Andrea Imaginario).