25 najbardziej reprezentatywnych obrazów renesansu, aby zrozumieć ich wkład

Wielka malarska rewolucja renesansu miała miejsce konkretnie w XV wieku, znana jako Quattrocento. W środowisku rosnącej ciekawości intelektualnej doskonalenie i rozpowszechnianie malarstwa olejnego pozwoliło na zastosowanie płótno jako podporę, aby obraz mógł uwolnić się od ścian, a to sprzyjało kolekcjonowaniu szczególny.

W ten sposób powstały nowe gatunki, takie jak portret, i narodziło się zainteresowanie pejzażem i martwą naturą, choć jeszcze nie jako gatunki niezależne. Pojawiły się również akty oraz niechrześcijańskie motywy mitologiczne, historyczne i alegoryczne. Tematy religijne pozostały na porządku dziennym, ale z antropocentrycznego podejścia.

Następnie odbędziemy chronologiczną podróż po najsłynniejszych obrazach renesansu, aby uchwycić wkład i innowacje każdego artysty oraz ewolucję stylu na przestrzeni czasu.

1. Trójca Święta z Dziewicą, Św. Janem i darczyńcami, przez Masaccio (1425-1427)

Świeży Trójcy Świętej, z Dziewicą, Św. Janem i darczyńcami Stanowi punkt wyjścia do renesansu, ponieważ wielkie zmiany plastyczne i kulturowe tego czasu łączą się. Wyróżnia się perspektywa linearna, światłocienie i technika trompe l'oeil. Sklepienie kolebkowe, inspirowane rzymską inspiracją, zapowiada zmiany w renesansowej architekturze. Wraz ze świętymi postaciami przedstawiani są darczyńcy, co nadaje motywowi religijnemu antropocentryczny wygląd. To pokazuje szacunek, jaki generowało samo pokolenie.

2. Zwiastowanie, przez Fra Angelico (1425-1426)

Na ZwiastowanieFra Angelico dziedziczy od średniowiecza zamiłowanie do szczegółów roślinności, ale czerpie zasoby z renesansu. Wykorzystał trzeźwą grecko-łacińską architekturę i wykorzystał jej linie, aby zaakcentować perspektywę. Aby osiągnąć większą głębię przestrzenną, otworzył kilka otworów, które tworzą nałożone na siebie płaszczyzny: drzwi prowadzą do pokoju, a to pokazuje dyskretne okno z tyłu. Ogród po lewej nawiązuje do wygnania Adama i Ewy z raju. U dołu widzimy ciąg scen z życia Maryi. Tego typu linie z sekwencjami scen u podstawy kadrów nazywane są pre-les.

3. Małżeństwo Arnolfini, Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck był malarzem flamandzkim, który doskonalił malarstwo olejne i pomagał je rozpowszechniać. Ta konkretna praca jest jednym z najwcześniejszych portretów malarskich w historii. Naładowany symbolami, przekazuje znaczenie i godność postaci, które zajmują dobrą pozycję społeczną. Jednak geniuszu Van Eycka nie ma.

Malarz wprowadza w tle lustro, które gra z płaszczyznami przedstawienia. Pokazuje odbicie dwóch postaci, które nie są widoczne w głównej scenie, stwarzając iluzję zajmowania przez nich pozycji widza. Ten zasób prawdopodobnie zainspiruje Meninas Velázqueza, ponad dwieście lat później.

4. Dziewica kanonika Van der PaeleJan van Eyck (1434-1436)

Dziewica kanonika Van der Paele odpowiada gatunkowi szeroko stosowanemu w renesansie, zwanym Święta rozmowa (święta rozmowa), w której Dziewica prowadzi rozmowę ze świętymi w intymnym otoczeniu. W tym przypadku dawca jest włączony, kanonik Van der Paele, przedstawiony przez św. Wchodzi na ornat kanonika, pamiętając, że podlega władzy duchowej. Jednak jego obecność na scenie potwierdza jego społeczną rolę we władzy doczesnej.

Płótno podkreśla traktowanie ubrań i bogactwo detali. Blask zbroi św. Jerzego stanowi wymówkę dla Jana van Eycka do użycia odbić. Możesz zobaczyć odbicie artysty i Dziewicy, pomyślane jako nieskazitelne zwierciadło łaski Bożej.

5. Bitwa pod San RomanoPaolo Uccello (ok. 1438)

Bitwa pod San Romano autorstwa Paolo Ucello to tryptyk ze scenami bitwy, w której Florencja pokonała Sienę podczas wojen lombardzkich. Pierwotnie zamówiony przez rodzinę Bartolini, wkrótce przeszedł do kolekcji Medici. Elementy średniowieczne są nadal obecne, takie jak obfitość detali, które podkreślają opis. Uważany jest jednak za arcydzieło ze względu na zastosowanie perspektywy i skrótu perspektywicznego.

Skrót perspektywiczny polega na przedstawieniu obiektu pod kątem prostopadłym do widza. Możemy je szczegółowo zobaczyć w panelu Rozbrojenie Bernardino della Ciarda, zarówno w koniach upadłych, jak i w uduchowionym koniu i białym koniu po prawej.

6. Koronacja Dziewicy, przez Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Koronacja Dziewicy Jest to ołtarz, który Fillipo Lippi zamówił Francesco Moringhi dla kościoła San Ambrosio. Zamiast przestrzeni niebiańskiej wszystko zdaje się rozgrywać w przestrzeni teatralnej, przypominającej salę królewską, do której zostali zaproszeni święci, darczyńca i sam Lippi. Jak widzimy, włoski renesans nalegał na antropocentryczną wizję nieba.

7. Zdjęcie z krzyżaRogiera van der Weydena (ok. 1443)

Rogier van der Weyden był malarzem flamandzkim. Jego najbardziej znana praca to: Zdjęcie z krzyża, pierwotnie namalowany dla kaplicy Matki Bożej za Murami Louvain. Anatonia nie jest excata, ponieważ została celowo poprawiona na rzecz formalnej elegancji.

Proporcje są również celowo zmieniane, aby rozmieścić ciała w całej kompozycji. Dziewica Maryja i Jezus wydają się być odbiciem siebie nawzajem: jak matka, syn; jak syn, matka. Obraz zwycięża w traktowaniu ekspresji, ubioru i faktury.

8. Biczowanie Chrystusa, Piero della Francesca (1455-1460)

Na Biczowanie Chrystusa, Piero della Francesca trzyma w tle scenę religijną i charakteryzuje się chłodem. W postaciach nie ma emocji. Temat wydaje się niemal pretekstem do rozwoju renesansowego programu plastycznego, opartego na w perspektywie liniowej geometryzacja kompozycyjna i wywyższenie architektury klasycystyczny. Potwierdza to rozmowa trzech współczesnych postaci, których tożsamość nie jest jeszcze ustalona.

9. Dyptyk z Melun, Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet był malarzem francuskim, który odnowił język artystyczny Francji pod wpływem malarstwa flamandzkiego i włoskiego. Dzieło, o którym mowa, zostało pomyślane jako dyptyk do grobu żony Étienne'a Chevaliera, jego dyrektora. Oba stoły kontrastują ze sobą.

W lewym panelu malarz przedstawia Etienne Chevalier i św. Stefana, swojego patrona, znajdującego się w klasycznej przestrzeni architektonicznej. Po prawej Dziewica z Dzieciątkiem i aniołami. Naga pierś Marii nazywa ją pielęgniarką ludzkości. Istnieje przekonanie, że twarz Dziewicy była twarzą kochanki dyrektora, Agnès Sorel. Chociaż temat jest święty z wyglądu, ma silny bluźnierczy charakter.

10. Podróż MędrcówBenozzo Gozzoli (1459)

W Palazzo Medici Riccardi we Florencji znajduje się pomieszczenie zwane Kaplicą Trzech Króli, nawiązujące do trzech fresków Gozzoli, które opowiadają o kawalkadach Trzech Króli. Oprócz tego, że jest arcydziełem ze względu na złożoność kompozycyjną, dzieło jest w rzeczywistości wywyższenie władzy sprawowanej przez rodzinę Medici, której twarze odnajdujemy w postaciach reprezentowane.

Może Cię zainteresować:

• renesans
• Funkcje renesansowe

11. Dom Małżonków, Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna wyróżnia się na tym fresku dzięki zastosowaniu technik renesansowych, takich jak trompe l'oeil, w wyraźnym wysiłku zacierania granic między malarstwem a rzeczywistością. Obraz, który widzimy, odpowiada tylko jednej ze ścian Komnata mężów. Podobnie jak reszta, celebruje chwałę rodziny Gonzaga, wielkich patronów swoich czasów.

12. Opłakiwanie zmarłego Chrystusa, Andrea Mantegna (1475-1478)

Jeśli w jakimkolwiek momencie Andrea Mantegna prześcignie samego siebie, to właśnie w Opłakiwanie zmarłego Chrystusa. Utwór wyróżnia mistrzowskie wykorzystanie techniki skrótu perspektywicznego. Dzięki temu zasobowi Mantegna włącza widza w scenę i rzuca wyzwanie tradycyjnemu modelowi kompozycyjnemu. Wyróżnia się również reprezentacja frakcji bohaterów. Maria nie jest młodą dziewczyną, ale twarzą postarzałą z bólu. Surowość sceny podkreśla straszliwy charakter śmierci i spustoszenia żałobników.

Zobacz też: Pasja Chrystusa w sztuce

13. Poliptyk San Vicente, przez Nuno Gonçalves (1470-1480)

Poliptyk San Vicente Jest to jedno z arcydzieł portugalskiego renesansu. Przypisywana Nuno Gonçalves, reprezentuje pięćdziesiąt osiem postaci wraz ze św. Wincentym, który pojawia się zduplikowany w centralnych panelach, jakby był odbiciem.

Wyróżnia się reprezentacją różnych warstw społeczeństwa portugalskiego w postawach i gestach zgodnie z ich kondycją. Od lewej do prawej mamy panel braci; panel rybaków; panel Infante Don Enrique (Enrique the Navigator); tablica arcybiskupa; panel rycerzy i panel relikwii.

14. Pokłon Trzech Króli, przez Sandro Botticellego (1475)

Pokłon Trzech Króli de Botticelli stanowi fundamentalne odniesienie do włoskiego Quatrocento. Do czasu Botticellego Święta Rodzina stała po jednej stronie sceny, witając wiernych z drugiej. Botticelli umieścił ją w centrum kompozycji i na wierzchołku piramidy i ustawił wiernych z boku na bok, a nawet jednego z przodu.

Malarz przedstawił także Trzech Króli z twarzami Medyceuszy: Cosimo i jego synów, Piero il Gottoso i Giovanniego. Przedstawieni są inni członkowie rodziny i ich sojusznicy, a sam Botticelli znajduje się w postaci patrzącej na widza.

15. Przekazanie kluczy do nieba św. Piotrowi, z Perugino (1482)

To dzieło Perugino zostało zlecone przez papieża Sykstusa IV, budowniczego Kaplicy Sykstyńskiej. Fresk odpowiada idei przekazywania władzy od Boga Kościołowi, reprezentowanej przez św. Piotra. Praca jest mistrzowskim wyrazem pracy i głębi własnej perspektywy powietrznej. Na pierwszym planie widzimy głównych bohaterów: Jezusa, apostołów i różne postacie renesansowe. W ostatnim, ośmiokątny centralny budynek roślinny, symbol uniwersalności papiestwa.

16. Narodziny Wenus, przez Sandro Botticellego (1482-1485)

Narodziny Wenus, autorstwa Sandro Botticellego, był pierwotnie częścią mebla i prawdopodobnie dlatego nie widzimy tak wyczerpującego rozwinięcia krajobrazu. Uwaga, jaką otrzymuje, ma po części związek z traktowaniem podmiotu, który nie jest już podmiotem świętym. Obchodzimy mit o pochodzeniu Wenus lub Afrodyty, bogini płodności i erotyzmu.

Dzięki tej pracy Botticelli uprawomocnił reprezentację pełnego ciała kobiecego aktu w sztuce na tematy bluźniercze. Ale Wenus nie jest tu postacią całkowicie wyeksponowaną, ale skromną Wenus, która włosami zakrywa swój „wstyd”. Akt ten został więc usprawiedliwiony jako przedstawienie Cnoty w kontekście ówczesnej myśli filozoficznej.

Zobacz też Narodziny Wenus – Sandro Botticelli

17. Dziewica Skał, Leonarda da Vinci (1483-1486)

Ten utwór Leonarda został zamówiony przez mnichów z San Donato, co wyjaśnia centralne znaczenie tematu religijnego. Leonardo zmodyfikował element tradycji renesansowej: zamiast krajobrazu architektonicznego umieścił scenę w skalistym krajobrazie naturalnym. Postacie układają się w piramidę i są delikatnie zarysowane dzięki jednej z najbardziej rozpoznawalnych gier malarza: technice sfuma.

Może Cię zainteresować: Podstawowe dzieła Leonarda da Vinci

18. Portret Giovanny degli Albizzi Tornabuoni, Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Ta praca Ghirlandaio jest wzorowym wyrazem renesansowego gatunku portretowego. Zgodnie z odrodzonymi wartościami starożytności, prezentuje wyidealizowane proporcje i cechy, a także powściągliwą lub nieobecną ekspresję. Aby pokazać cechy twojej postaci, niektóre przedmioty osobiste są dołączone: biżuteria daje z życia publicznego, podczas gdy modlitewnik i różaniec zdają sprawę z jego życia”. duchowy.

19. Ostatnia WieczerzaLeonarda da Vinci (1498)

Ostatnia Wieczerza Jest to jedno z najbardziej znanych dzieł Leonarda. Wyróżnia się intelektualnymi i filozoficznymi odniesieniami wkomponowanymi w scenę, ale także dramaturgią. Nie rezygnując z renesansowej równowagi, utwór obciążony jest emocjonalnym i psychologicznym napięciem bohaterów, podważając pozorny chłód wielu wcześniejszych kompozycji. Jego zły stan zachowania jest częściowo wynikiem próby mieszania temper i oleju przez Leonarda w celu dokonania poprawek na tynku.

Zobacz też:

• Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci
• Mona Lisa lub La Gioconda Leonarda da Vinci
• Człowiek witruwiański Leonarda da Vinci

20. Santo Domingo i albigensi lub Próba ognia, przez Pedro Berruguete (1493-1499)

Hiszpański Pedro Berruguete reprezentuje fragment, według którego zaproponowałby Santo Domingo de Guzmán zbudować ognisko do testowania ksiąg heretyckich grup w mieście Albi, Francja. Ogień trawi księgi heretyckie, podczas gdy księga kanoniczna unosi się w powietrzu.

Praca wyraża mentalność polityczną epoki monarchów katolickich, którzy dążyli do jedności królestwa walcząc z herezją. Formalnie podkreśla szlachetność detali, wyraźnie inspirację flamenco, a także wywodzący się z gotyku, ceniony we wczesnym renesansie smak złota.

21. Autoportret, przez Albrechta Dürera (1500)

Albrecht Dürer był wielkim mistrzem niemieckiego renesansu. Na tym słynnym autoportrecie, który na pierwszy rzut oka przedstawia ikonę Jezusa Chrystusa, widnieją dwa kluczowe napisy: po prawej: „Maluję się niezmywalnymi kolorami”. Po lewej data wskazująca jego wiek, 28 lat.

Frontalność jego portretu jest dość zuchwała. Na przekór tradycji, która zarezerwowała tę pozę dla ikon Jezusa – a także lekko gestu ręki zmieniony-, Dürer odgrywa odwrócenie tożsamości z religijnym odniesieniem i celowo myli widz.

22. Doża Leonardo Loredan, przez Giovanniego Belliniego (1501)

Giovanni Bellini, malarz w służbie Republiki Weneckiej, przedstawia ten wspaniały portret doży Leonarda Loredana. W tej błyskotliwej pracy udaje mu się przezwyciężyć poczucie hieratyzmu dzięki wyrazistemu bogactwu twarzy oraz finezyjnemu traktowaniu faktur i ubioru. Jeśli chodzi o to ostatnie, zaskakujące jest, jak Bellini udaje się przedstawić blask orientalnych tkanin.

23. Mona Lisa, Leonarda da Vinci (1503-1506)

Mona Lisa Jest to bez wątpienia najsłynniejsze dzieło Leonarda da Vinci. Jest wyrazem dojrzałości stylu leonardejskiego w zakresie technik światłocieniowych i światłocieniowych. Esfumato, który polega na rozmyciu krawędzi figur tak, aby integracja w przestrzeń. Pokazuje również technikę krajobrazu w tle, co otwiera przestrzeń na większą głębię. Jednak to dzieło, jak i całe dzieło Leonarda, nie należy do Quattrocento, ale do Wysokiego Renesansu, czasami zwanego także Drugim Renesansem.

Zobacz też: Mona Lisa lub Mona Lisa z Mona Lisy Leonarda

24. Szkoła AteńskaRafael Sanzio (1510-1511)

Jeśli coś reprezentuje kulturowego ducha renesansu, to jest to fresk Szkoła Ateńska, autorstwa Rafaela Sanzio, jedna ze scen z „Pokojów Watykańskich” lub „Pokojów Rafaela”. Widzimy mistrzowskie operowanie perspektywą linearną i głębią podkreśloną przez otwory sklepień kolebkowych, które otwierają się na otwartą przestrzeń.

W środowisku architektonicznym o wyraźnych klasycznych inspiracjach wiele filozoficznych i naukowych odniesień przypomina o wartości rozumu i wiedzy. Bohaterami są Platon i Arystoteles. Widzimy też Ptolemeusza, Heraklita, Hypatię, Homera i jak zwykle kilka współczesnych twarzy. Sam Rafael, przedstawiany jako Apelles, nie mógł być nieobecny.

Może Cię zainteresować:

• Szkoła Ateńska autorstwa Raphaela Sanzio
• Życie i twórczość Rafaela Sanzio

25. Freski sufitowe w Kaplicy Sykstyńskiej autorstwa Michała Anioła Buonarrotiego (1508-1512)

Mówienie o Michelangelo Buonarrotim, a także malarzach włoskiego Cinquecento, to wejście w renesans. Dlatego zbliżamy się do manieryzmu, którego jednym z propagatorów będzie Buonarroti. Freski w Kaplicy Sykstyńskiej są jego najsłynniejszym dziełem malarskim.

Istnieje dziewięć scen, które opowiadają fragmenty z Księgi Rodzaju i wszystkie prowadzą do Sądu Ostatecznego, ściany namalowanej około dwóch dekad po suficie. Na tej ścianie święty Bartłomiej, obdarty ze skóry męczennik, wisi swoją starożytną skórę. Ale w nim widać twarz Michała Anioła. Jak widać, artysta również jest przedstawiany, ale nie jako artyści z Quattrocento, którzy celebrowali swoją ziemską chwałę, ale w uznaniu ich niegodności.

Zobacz też:

• Freski z Kaplicy Sykstyńskiej
• Analiza fresku Stworzenie Adama Michała Anioła
• Genialne dzieła Michała Anioła