Mona Lisa lub La Gioconda: znaczenie i analiza obrazu

Mona Lisa, znany również jako Mona Lisa, to renesansowe dzieło namalowane przez wieloaspektowego artystę Leonarda da Vinci. Obraz został namalowany w latach 1503-1506 i dziś jest jednym z najważniejszych symboli kultury zachodniej. Obecnie znajduje się w Luwrze w Paryżu we Francji.

Mona Lisa Jest uważany za najsłynniejszy obraz na świecie. Niewiele prac przeszło tak wiele badań i badań. Niektóre z powodów, dla których jest tak sławny, to:

• Ekstremalny realizm Leonarda da Vinci w stosowaniu metod matematycznych do pomiaru proporcji człowieka,
• Unikalna technika sfuma co również oddaje bardzo zaawansowany jak na tamte czasy realizm,
• Rewolucja, którą wywołała w wymiarach i sposobach portretowania, uważana za podstawę wszystkich zachodnich portretów,
• Suma tajemnic malarstwa; od tożsamości modela po to, dlaczego Leonardo da Vinci nigdy nie dostarczył zlecenia.

Analiza Mona Lisa

Mona Lisa Jest to dzieło należące do gatunku portretów malarskich. Gatunek ten był promowany w renesansie i można go uznać za prawdziwą rewolucję, ponieważ otwarcie wyraża antropocentryczne zainteresowanie tamtego okresu. Jakie są teraz cechy kompozycyjne słynnego obrazu?

Opis i charakterystyka

Z punktu widzenia kompozycji Mona Lisa Jest to portret w połowie długości, czyli w trzech czwartych, przedstawiający krajobraz podzielony na dwie atmosfery, jedną zimniejszą (górna), a drugą cieplejszą o kolorach ziemi (dolna).

Postawa kobiety wywodzi się z „piramidy” używanej do reprezentowania kobiet. Madonny w pozycji siedzącej, czyli jest to geometria trójkątna.

Ich skrzyżowane ręce tworzą podstawę kształtu piramidy. Światło na klatkę piersiową i szyję jest takie samo jak na dłonie.

Środek kwadratu stanowi klatkę piersiową kobiety i jest wyrównany z lewym okiem i palcami prawej ręki. Podkreśla to obecność postaci w kompozycji.

Jego lewe ramię jest wygodnie wsparte na poręczy krzesła i krzyżuje się z prawym ramieniem. Pozycja ramion wraz z krzesłem przekazują odległość między nią a widzem.

Głowę okrywa welon symbolizujący czystość, częsty w portretach żony. Stosowanie tego rodzaju zasłony przypisuje się również kobietom w ciąży lub po porodzie. Nie przedstawia klejnotów ani szczególnych oznak ekonomicznej ostentacji lub władzy.

Postawa Mona Lisa wskazuje na spokój i wraz ze spojrzeniem z ukosa, ale skierowanego w stronę widza, pokazuje opanowanie uczuć, czego normalnie nie przypisywano kobiecie w tamtych czasach.

Twarz nie ma brwi. Ekspresja kobiety na obrazie jest enigmatyczna lub niejednoznaczna. Dzieje się tak, ponieważ spojrzenie, ciało i dłonie skierowane są pod subtelnie różnymi kątami, co potęguje złudzenie, że technika sfuma.

Przy lewej krawędzi obrazu widać podstawę kolumny, sugerującą, że kobieta siedzi w galerii.

Krajobraz w tle namalowany jest z lotu ptaka. Przydymiony błękit i rozmyta, niewyraźna perspektywa nadają kompozycji głębi.

Krajobraz w tle wykazuje pewną nierównowagę, ponieważ tworzy iluzję krajobrazu podzielonego na dwie części. Jednak nie ma między nimi ciągłości. Wydaje się, że nie ma korespondencji pod względem wysokości i linii.

Technika

Obrazek Mona Lisa Wykonany jest w farbie olejnej na drewnie. Leonardo da Vinci zastosował technikę sfuma. Polega na nałożeniu kilku warstw delikatnej farby w celu zmiękczenia lub rozcieńczenia konturów sylwetki oraz osiągnąć poczucie naturalności i objętości, co pozwala dostrzec, że figury są zintegrowane z resztą kompozycja.

Dzięki sfumaLeonardo zdołał udoskonalić percepcję trójwymiarowości. Leonardo używa techniki sfuma aby pokazać, jak światło odbija się od zakrzywionych powierzchni, zwłaszcza od skóry, pozostawiając ją gładką, miękką i naturalną.

Wyjaśnienie tajemnicy uśmiechu i wyglądu małpa Lisa wywodzi się właśnie z techniki sfuma i charakter ludzkiej wizji.

Rzeczywiście, bezpośrednie widzenie człowieka skupia się na szczegółach, ale nie na cieniach, z drugiej strony widzenie peryferyjne bardziej rozróżnia cienie niż detale. Patrząc na Mona Lisa z różnych perspektyw, cienkie i rozmyte warstwy techniki sfuma sprawiają, że z przodu pojawia się prawie niezauważalny uśmiech w porównaniu z tajemniczym uśmiechem, który pojawia się, gdy patrzy się z boku. Dzieje się tak, ponieważ większa objętość jest rzutowana z boku ze względu na cienie tworzone przez cienkie warstwy.

Znaczenie Mona Lisa

Ekspresja "małpa Lisa "oznacza 'Pani Lisa'. małpa to zdrobnienie od włoskiego Madonna, a Lisa byłaby nazwą modelu zidentyfikowanego przez Giorgio Vasari, malarza, architekta i pisarza renesansu, który opublikował książkę Życie najlepszych włoskich architektów, malarzy i rzeźbiarzy, gdzie dał świadectwo obrazu.

Tożsamość modelu

Toczy się kilka dyskusji na temat tożsamości modelu. Rzeczywiście, najbardziej akceptowaną teorią jest teoria XVI-wiecznego historyka Vasariego, który twierdzi, że reprezentowaną kobietą byłaby Lisa Gherardini. A kim była Lisa Gherardini? Była żoną handlarza jedwabiem Francesco del Giocondo. W rzeczywistości alternatywna nazwa Mona Lisa, co po hiszpańsku oznacza „szczęśliwy”, odnosi się do jej słynnego uśmiechu i imienia męża.

Inna teza sugeruje, że portretowana kobieta byłaby „pewną florencką damą”, jak to określił Leonard, i że utwór powstał na zamówienie Juliana de Medicis. W takim razie może to być dama o społecznej renomie. Gdyby jednak tak było, wątpliwości co do jej tożsamości nie zostałyby zrozumiane, ponieważ zostałaby w pełni zidentyfikowana.

Sprawy się komplikują, jeśli weźmiemy pod uwagę, że współczesne dokumenty opisujące obraz mogą odnosić się do różnych wersji Mona Lisa. Istnienie takich wersji jest właśnie jednym z czynników nadających utworowi tajemniczy kontekst.

Wersje Mona Lisa

Najbardziej akceptowana teoria, ponieważ jest zebrana w twórczości Vasariego, mówi, że obraz Mona Lisa zostałby zamówiony przez kupca Francesco del Giocondo. Leonardo zacząłby go malować około 1503 roku. Jednak Vasari opisując dzieło wskazuje na dwie bardzo ważne dane: powołuje się na istnienie brwi i wskazuje, że obraz był niedokończony.

Z czasów Leonarda istnieją jeszcze dwie wersje obrazu, zwane Mona Lisa z Ilseworth Tak Mona Lisa z Muzeum Prado. O tym ostatnim wiadomo, że jest to kopia wykonana w warsztacie Leonarda przez jednego z jego uczniów, prawdopodobnie Andreę Salai. Wykonano go w latach 1503-1519 tą samą techniką i warunkami materiałowymi: olej na desce (orzech) o wymiarach 76,3 x 57 cm. Widoczne są pewne różnice w jakości, takie jak trudność sfuma.

Odnosić się do Mona Lisa z IlseworthPrzez długi czas uważano, że to fałszerstwo, między innymi dlatego, że jest wykonany na płótnie, w przeciwieństwie do tego w Luwrze i Prado. Jednak ostatnie badania naukowe pokazują, że pigmenty i materiały pochodzą z tej samej epoki. Czy to wersja samego Leonarda? Czy w rzeczywistości będzie to pierwsza wersja obrazu?

Najbardziej oczywiste różnice w stosunku do klasyki Gioconda są trzy:

• kobieta, której twarz ma bardziej wyraziste brwi, wygląda młodziej;
• Jest wyraźnie obramowany między dwiema kolumnami i
• krajobraz w tle jest niedokończony.

W przypadku, gdyby zrobił to Leonardo, może mieć sens, że była to pierwsza wersja, jeśli weźmiemy pod uwagę młodzież modelu w porównaniu z Mona Lizą w Luwrze oraz w stosunku do lat, jakie zajęło Leonardowi opracowanie obrazu. Model wydaje się być taki sam.

Wobec tej ostatniej informacji pojawia się pytanie: czy to możliwe, że ten obraz był pierwszą wersją portretu? Czy Leonardo mógł wykonać oba portrety jednocześnie? Skoro Vasari mówi o niedokończonej Mona Lisie z brwiami, czy mógł mieć na myśli tę, czy tę, która strzeże Luwru? Jeśli Vasari miał na myśli tę w Luwrze, czyżby brwi Gioconda oryginał został przypadkowo skasowany podczas konserwacji lub przywracania?

Te pytania wciąż bez satysfakcjonującej odpowiedzi są częścią tajemnic otaczających dzieło, które przyciągnęło uwagę świata, ale... Czy wystarczą, by wyjaśnić niezwykłe zjawisko dyfuzji obrazu?

Możesz również przeczytać o tym:

• Obraz Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci
• Człowiek witruwiański — Leonardo da Vinci
• Dzieła Leonarda da Vinci

Historia obrazu Mona Lisa

Mona Lisa Został wykonany przez Leonarda w latach 1503-1519. Najszerzej przyjęta teza sugeruje, że jest to zlecenie od handlarza suknem Francesco del Giocondo. Jak przystało na malarza renesansowego, Leonardo nigdy nie ukończył obrazu, więc odmówił jego przekazania i pozostał w jego posiadaniu do końca swoich dni.

Dopiero po jego śmierci, a może na krótko przed śmiercią, obraz nabył w XVI wieku król Francji Franciszek I, który zapłacił za niego nawet dwanaście tysięcy franków. Po śmierci Franciszka I dzieło trafiło do Fontainebleau, następnie do Paryża i wreszcie do Wersalu. Po rewolucji francuskiej, kiedy uznano go za część skarbu państwa francuskiego, w 1797 r. został przekazany pod opiekę Luwru.

Pozostał w Luwrze do dziś, z wyjątkiem trzech przerw. Pierwsza, kiedy Napoleon zabrał ją do swojej sypialni (od 1800 do 1804). Drugi, kiedy został skradziony z muzeum przez Vicenzo Peruggię (od 1911 do powrotu w 1914). I trzeci, kiedy schronił się w zamku Amboise podczas II wojny światowej, a później w opactwie Loc-Dieu.

Ważność Gioconda i jej wpływ na sztukę

Gatunek obrazowego portretu osobowości, jaki znamy, miał miejsce we wczesnym renesansie, około XIV wieku. Oznacza to, że do czasu malowania Leonardo Mona Lisa istniała już mniej lub bardziej utrwalona tradycja portretowa, dostosowana do pewnych konwencji. Najpopularniejszy model wcześniej Mona Lisa skupił uwagę na przedstawieniu postaci do połowy tułowia, tak aby twarz, głowa i ramiona pokrywały całą kompozycję.

Obraz Mona Lisa Należy do gatunku portretu renesansowego, ale sposób, w jaki malował go Leonardo da Vinci, różni się pod pewnymi względami od tradycji malowania portretów kobiecych w tym czasie. Kobieta patrzy wprost na widza i uśmiecha się pewnie, dwie postawy przypisywane arystokratycznym mężczyznom, a nie kobietom.

Na portrecie Mona Lisa Pokazano nie tylko twarz, głowę i ramiona, ale także tors poniżej pasa, eksponując ramiona i dłonie, a tym samym większe możliwości ekspresji. W ten sposób Leonardo ujawnia wiele o postaci, coś, czego nie udałoby mu się naśladować poprzedniego modelu.

Nie był to jednak jedyny portret wykonany przez Leonarda, a ponadto, jeśli weźmiemy pod uwagę fakt, że Leonardo zachowany do końca swoich dni, jego wpływ w tamtych czasach ograniczał się jedynie do wąskiego kręgu ludzi, którzy osiągnęli zobaczyć go. W każdym razie nie można zaprzeczyć, że wpływ na to środowisko był znaczący, do tego stopnia, że ​​pozostawili pisemne zeznania. Z tego powodu malarz Rafael przestudiował ją i potraktował jako odniesienie do opracowania portretu Maddaleny Doni.

W oryginalnym portrecie Mona Lisa widać oznaki perfekcji, które Leonardo osiągnął w rozwoju techniki sfuma, i faktycznie uważa się, że ostatecznie ten obraz został namalowany przez Leonarda podczas malowania słynnego obrazu Jan Chrzciciel, gdzie objawia się jako prawdziwy mistrz światłocienia. Oznacza to, że w tych dwóch pracach technika Leonarda osiągnęłaby doskonałość. Ale czy jego obecne znaczenie wynika tylko z jego technicznej doskonałości?

Wpływ kradzieży Mona Lisa

Wydaje się, że popularność Mona Lisa Jest to stosunkowo niedawna atrybucja i została katapultowana przez rabunek popełniony przez włoskiego Vincenzo Peruggię, byłego pracownika Luwru, 21 sierpnia 1911 r. W rzeczywistości kradzież została zauważona dopiero 24 godziny później, co oznacza, że ​​przedmiot nie był wówczas przedmiotem szczególnej uwagi bezpieczeństwa.

Kradzież Mona Lisa To było naprawdę skandaliczne, zarówno ze względu na zaskoczenie kradzieżą, jak i sposób postępowania w śledztwie, która postawiła pod zarzutem dwie wielkie postacie publiczne w tej chwili: młodego Guillaume Apollinaire i Pablo Picassa. W rzeczywistości Apollinaire został zatrzymany na tydzień w celu dochodzenia. Po dwóch latach śledztwa władze znalazły miejsce pobytu Peruggi, który próbował go sprzedać Alfredo Geri, ówczesnemu dyrektorowi Galerii Uffizi we Florencji.

Kradzież Mona Lisa nie tylko umieścić kawałek na widokach świata. Wpłynęło to również na ocenę innych wersji portretu, wykonanych przez Leonarda lub w warsztacie Leonarda.

Odnosimy się konkretnie do wyżej wymienionych Mona Lisa z Ilseworth, którego istnienie odkryto dopiero po kradzieży. Późne pojawienie się tego dzieła na płótnie zasiało podejrzenia co do jego pochodzenia, ponieważ wielu uważało, że mogło być fałszerstwem dokonanym w czasach, gdy Luwr był w rękach Peruggia.

Kilka lat po powrocie utworu, obecnie uważanego przez opinię publiczną za skarb, dadaista Marcel Duchamp a surrealista Salvador Dalí zadałby ostateczny cios, aby uświęcić ich sławę, czyniąc z każdego z nich wersję lekceważący.

Podsumowując, wszystkie te kwestie są częścią kontekstu, który wpłynął na nadzwyczajne rozpowszechnienie dzieła na całym świecie:

• istnienie kilku wersji tego samego motywu;
• niechęć Leonarda do wykonania dzieła;
• znacząca inwestycja gospodarcza króla Francji Franciszka I w jego nabycie;
• Pragnienie Napoleona, by zobaczyć ją w swoich pokojach;
• napad dokonany przez Peruggię i ...
• lekceważące parodie Duchampa i Dalego.

Wszystko to tylko potwierdza jego ważność jako prawdziwego symbolu kultury zachodniej.

Może Cię zainteresować:

• 25 najbardziej reprezentacyjnych obrazów renesansu
• renesans