Claude Monet: prace, analiza i znaczenia

Claude Monet (1840-1926) był francuskim malarzem reprezentującym impresjonizm, znanym zarówno z znaleziska obrazowe w obróbce światła, jak za wykonanie obrazu, który nadałby nazwę ruch.

Wraz z innymi artystami Monet był odpowiedzialny za otwarcie drzwi do oryginalności języka plastycznego poprzez obróbkę światła i badanie percepcji koloru. Poznajmy niektóre z jego najważniejszych prac w tym artykule.

1. Obiad na trawie, 1865-1866

W 1863 krytycy zniszczyli Edouarda Maneta na Oficjalnym Salonie Paryskim z powodu jego pracy Śniadanie na trawie. Claude Monet był jednak zafascynowany tym dziełem i postanowił stworzyć własną wersję jako hołd dla kontrowersyjnego malarza. Moneta miałaby ambitne wymiary czterech metrów wysokości i dwadzieścia metrów długości. Było to jednocześnie wyzwanie.

Zaczął malować

Obiad na trawie w 1865 roku oglądał udział w salonie 1866. Jego niepewna ekonomia sprawiła, że ​​porzucił projekt i musiał zaoferować go jako gwarancję zapłaty czynszu. Płótno zostało zwinięte i przechowywane przez tymczasowego właściciela, dopóki Monet nie odzyskał go w 1884 roku. Biorąc pod uwagę znaczne pogorszenie, musiał zostać cofnięty. Z dzieła pozostały tylko dwa fragmenty: środkowy i lewy bok.

W scenie malarz przedstawia piknikowy lunch w nieformalnej i codziennej atmosferze. Nawiązując dystans do Edouarda Maneta, usuwa nagość i ubiera wszystkie postacie, których kostiumy zdradzają ich styl życia. Bohaterowie są z pewnością burżuazyjni, którzy obchodzą święto życia, bez skandalu, bez znaczenia. Moneta nie interesują kontrowersje tematyczne bardziej niż plastikowy język.

Chociaż oryginalnego dzieła nie udało się w całości zachować, a Ucz się do obiadu na trawie. Najbardziej oczywista różnica dotyczy młodego mężczyzny bez brody, który pojawia się siedzący na obrusie. Postać tę zastępuje brodaty mężczyzna, który wygląda jak nawiązanie do Gustave'a Couberta, malarza-realisty bardzo podziwiany przez Moneta, który raczyłby odwiedzić go w jego warsztacie w czasach, gdy Monet pracował w wersja robocza.

2. Camille w zielonej sukience, 1866

Obrazek Camille w zielonej sukience Claude'a Moneta został wystawiony w Oficjalnym Salonie w 1866 roku i został powszechnie przyjęty, co nie przypadło do gustu Edouradowi Manetowi, który, mylony z Monetem, przez pomyłkę otrzymał gratulacje. Ponadto Manet znalazł się w oku krytyki w 1863 r., a Oficjalny Salon odrzucił go w 1865 r. z powodu jego malarstwa Olimpia.

W jego książce Impresjonizm, Paul Smith porównuje obraz Camille w zielonej sukience z pracą Pani w rękawiczce Carolusa-Durana, ucznia malarza Davida i stałego uczestnika kręgów rojalistów w Paryżu. Chociaż praca Carolusa-Durana jest późniejsza niż praca Moneta, porównanie pozwala Smithowi stwierdzić, że Monet przejął ważną część realistycznego języka obrazkowego, szeroko cenionego w wielkiej Sali Urzędnik. Stąd to zostało przyjęte.

W swojej analizie Smith zauważa, że ​​Monet ubrał sukienkę, używając sztucznej pozy typowej dla ilustracji modowych. Jednocześnie zapewniła scenę sztuczne oświetlenie podkreślające charakter. Monet ujawnia elementy, które przywołują światło i ciepło Couberta oraz linię Maneta, które wywarły na niego ogromny wpływ.

3. Kobiety w ogrodzie, 1867

Paul Smith porównuje płótno Kobiety w ogrodzie przez Moneta z Minerwa i dzięki autorstwa Charlesa Greyre'a, w którego warsztacie Monet pracował przez pewien czas. Tym samym Smith podkreśla prawdziwą rewolucję pokolenia impresjonistów.

Jak przystało na sztukę, Greyre reprezentuje epizod o charakterze literacko-narracyjnym, próbujący uwiecznić ideały platońskie piękna i dobroci poprzez przedstawienie mitu Minerwy, bogini mądrości i trzech Gracji, symbolu piękna. Wrzucona w treść, technika malarza staje się niewidoczna, tak że temat świeci, nie pozostawiając śladu po swojej linii.

Rok później Monet wykonał płótno, które również przedstawia cztery kobiety w środowisku roślinnym, ale będą to zwykłe kobiety. Malarz nie reprezentował wartości wiecznej, ale ulotną i ulotną chwilę, zabawne spotkanie przyjaciół celebrujących mieszczańskie życie. Są symbolem nowej klasy średniej, która dąży do budowania własnej wartości.

Monet nie ukrywa techniki na płótnie. Wręcz przeciwnie, eksponuje ją, pokazuje linię, kieruje uwagę widza na język plastyczny, który Greyre i wszyscy tradycyjni malarze celowo ukrywali.

Jak to było typowe dla stylu kiełkowania, Monet wykorzystuje kolory niebieski i zielony do cieniowania i modyfikowania skóry postaci. Przed przedstawieniem intensywnego letniego światła, które przejmuje scenę. Ważny będzie więc język obrazkowy.

Zobacz też Impresjonizm: charakterystyka, dzieła i autorzy.

4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Jest to seria różnych obrazów typu marynistycznego z różnych punktów widzenia i momentów. Na tym płótnie Monet jest intensywnie zaangażowany w traktowanie światła i jego wpływ na przedmioty. Przechodzi szybko do pełnej formy impresjonizmu.

Z pracy do świeże powietrzeRzecz możliwa w tamtych czasach tylko dzięki wynalezieniu rurek olejowych, Monet wykorzystał pospieszną linię, aby ożywić świetliste wrażenia i ulotność chwili. Widz pojawia się na scenie jako jeszcze jeden. Nie ma osądu moralnego, nie ma znaczenia tematycznego. Zainteresowanie zamieniło się w język plastyczny.

Renoir stworzył wersję tej samej sceny z Monetem.

Może Cię zainteresować: Renoir: najważniejsze dzieła malarza impresjonisty

5. Pole maków, 1873

W 1871 r. Monet tymczasowo osiadł w Argenteuil, gdzie solidnie rozwinął odkrywany przez siebie styl, także dzięki krajobrazom, które oferowało mu to miasto. Od tego etapu jest praca Pole maków, wystawiony w Sali Odrzuconych w 1874 r. wraz z 8 innymi eksponatami.

W tabeli wyróżniono dwie sekcje oddzielone ukośnymi liniami. Po lewej stronie na polu makowym dominuje kolor czerwony, a po prawej niebiesko-zielony. W scenie przez pole makowe przecinają się dwie pary kobiet i dzieci. Na pierwszym planie wyróżnia się żona Moneta, Camille i ich syn Jean, którzy często byli modelami do jego obrazów.

6. Wrażenie wschodzącego słońca, 1872

Wśród obrazów, które Monet zaprezentował w Sali Odrzuconych, jeden wywołał prawdziwy skandal: Wrażenie wschodzącego słońca. Pod wpływem prac angielskiego malarza romantycznego Williama Turnera Monet zastosował grube pociągnięcia pędzlem, prawie plamy, które ledwo sugerują figurację. Zasada komplementarności kolorów sprawia, że ​​jej wejście jest otwarte. Kolory ułożone obok siebie tworzą wrażenie pełnych odcieni.

Atmosfera jest pochmurna, a woda wydaje się poruszać pod wpływem małych łódek. Z dala od sielankowego krajobrazu Monet reprezentuje uprzemysłowiony port w tle, w którym silniki parowe i inne struktury ingerują w niebiańską mgłę. Niczego nie ukrył. Malarz przedstawia życie. Słońce, które opiera się dotknięciu tych konstrukcji, zostawia swój pomarańczowy ślad na falach morza.

Po wystawie w 1874 roku krytyk sztuki Louis Leroy, zaczynając od nazwy prowokacyjnego liezo, oskarżył Moneta o ograniczanie się do zwykłego „impresjonizmu”. Z największą godnością Monet i jego pokolenie przyjęli tę dyskwalifikację jako nazwę ruchu.

Zobacz też 16 fajnych obrazów Vincenta Van Gogh.

7. Seria Stacja Saint-Lazare, 1877

Około 1877 r. Monet wrócił do Paryża i odpowiadając na pragnienie zostania jego malarzem czasu, zamiast odsuwać na bok codzienny świat przemysłowego miasta, włącza go w swój płótna. To właśnie stacja Saint-Lazare da Monetowi możliwość dalszego odkrywania jasności i tekstur pary. Malarz dedykuje stacji Saint-Lazare siedem płócien.

W przeciwieństwie do innych serii, w których Monet przedstawia ten sam krajobraz w różnych zmiennych atmosferycznych, takich jak Katedra w Rouen, wł. Stacja Saint Lazare Monet przedstawi nie tylko różne atmosfery, ale także różne cele, scenerie i perspektywy życia na stacji.

8. Seria Stogi siana, 1890-1891

Około 1883 r. Monet przeniósł się do Giverny ze swoją nową partnerką, Alice Hoschedé, po śmierci Camille w 1879 r. Tam poświęca się odkrywaniu nowych możliwości, jakie oferuje mu lokalny krajobraz. Nie planując tego w ten sposób, stworzył jedną ze swoich najbardziej znanych serii, Stogi siana, obejmujący łącznie 25 płócien. Monet udaje się uchwycić różnorodność światła, która wyróżnia każdą porę roku, na hałdach pszenicy.

Z czasem ambicje estetyczne Moneta rosły. Niektóre z tych zdjęć zostały później retuszowane w pracowni, aby osiągnąć wyższy poziom doskonałości. W rzeczywistości potrzebował, mówi Paul Smith, nie tylko zobrazowania efektu świetlnego, ale także stworzenia harmonijnej kompozycji i estetycznie zunifikowanej serii.

9. Seria Katedra w Rouen, 1890-1894

W czasie, gdy Francja była świadkiem odrodzenia zainteresowania katolicyzmem, Monet poświęca aby opracować tę serię inspirowaną katedrą w Rouen, położoną we francuskim regionie Normandii.

Był to widok z okna pracowni, którą wynajął po drugiej stronie ulicy. Seria liczyła ponad trzydzieści egzemplarzy, a osiem z nich zostało sprzedanych przed wystawieniem.

Oprócz uchwycenia charakterystycznego dla jego twórczości świetlistości, Monet po mistrzowsku udaje się uchwycić porowatość i fakturę kamiennej elewacji budowli sakralnej.

10. Seria Parlament Londyn, 1900 do 1904

Podczas pobytu w Londynie z żoną Alice, Monet poświęca się portretowaniu widoku ze szpitala św. Tomasza, który pozwala mu uchwycić Tamizę i otaczający ją krajobraz. Seria Parlament londyński a także most Charing Cross i Waterloo.

W serii o nim Parlament londyńskiMonet udaje się przedstawić budynek przeplatany charakterystyczną mgłą miasta. Ale tym razem parlament będzie niemal fantasmagorią, sylwetką otwierającą się na naładowanym i pochmurnym tle, zamienioną w cień. Przypomina nam twórczość Williama Turnera.

Po latach zrobił to samo w Seria wenecka, który wraz z żoną odwiedzał w rękach grupy entuzjastów sztuki i w którym uwieczniał różne sceny emblematycznego miasta.

11. Seria płatki liliowe, 1883-1924.

Podczas pobytu w Giverny Monet uprawiał piękny ogród z japońskim mostem. Ten ogród Giverny nie był tylko hobby Moneta. Było to także jego źródło inspiracji, zwłaszcza w ostatnich latach życia.

Z biegiem lat malarz rozwinął prawdziwą pasję do przedstawiania na swoich płótnach cudów swojego ogrodu: lilii wodnych. Seria osiągnęła w sumie 250 płócien, dziś dystrybuowanych w wielu salach i galeriach na całym świecie.

Część płatki liliowe Monety zostały namalowane w okresie I wojny światowej. Chociaż Monet znajdował się w prywatnym i cichym świecie, Paul Smith mówi, że z jego domu słychać było przejeżdżające pociągi z amunicją. Zdaniem badacza, cykl ten można zinterpretować jako dążenie malarza do zachowania świata, który groziła zniszczeniem wojna.

W rzeczywistości Monet przekazał część serii państwu francuskiemu jako symbol pokoju, tuż po podpisaniu rozejmu w Compiègne, podpisanego 11 listopada 1918 r. Ta próbka, przechowywana obecnie w Muzeum Orangerie, jest uważana za „Kaplica Sykstyńska impresjonizmu".

Claude Monet na Youtube