Michał Anioł: 9 dzieł, aby poznać geniusz renesansu

Michał Anioł był jednym z największych geniuszy włoskiego renesansu, a jego nazwisko jest synonimem jednego z największych i najważniejszych artystów wszech czasów. Tutaj zaprezentujemy 9 najbardziej emblematycznych prac artysty, które każdy powinien znać:

1. Madonna drabiny

Madonna lub Dziewica drabiny Jest to marmurowa płaskorzeźba wyrzeźbiona w latach 1490-1492. Praca została ukończona, zanim Michał Anioł miał 17 lat, kiedy jeszcze studiował w ogrodach Medici we Florencji u Bertolo di Giovanniego.

Ta płaskorzeźba przedstawia Dziewicę siedzącą na schodach, trzymającą i okrywającą śpiącego syna płaszczem.

Schody uzupełniają resztę tła, aw tle widać dwoje dzieci bawiących się, podczas gdy trzecie dziecko leży na poręczy.

Czwarte dziecko stoi za Dziewicą i wydaje się pomagać leżącemu dziecku wyciągnąć chusteczkę (wyraźna aluzja do całunu Chrystusa), którą oboje trzymają.

W tej pracy wyróżnia się dziedzictwo klasycznej starożytności. Z tego samego powodu powszechnie znane staje się pojęcie ataraksji, typowe dla filozofii epikurejskiej, polegające na braku niepokoju ducha.

Różnica między tą koncepcją a apatią polega na tym, że w ataraksji nie ma zaprzeczenia ani eliminacji uczucie, ale promuje szczęście, próbując znaleźć siłę do przezwyciężenia bólu i trudności.

Tak więc Dziewica pozostaje niewzruszona w kontemplacji przyszłej ofiary swojego syna, nie dlatego, że nie sprawia jej to cierpienia, ale dlatego, że znajduje sposób na przezwyciężenie tego bólu ze stoickim spokojem.

Do realizacji tej płaskorzeźby Michał Anioł wykorzystał technikę Donatella (włoski rzeźbiarz renesansowy, 1386-1466), zwaną skłaniać się do sedna (spłaszczony).

2. Centauromachia

Wykonane po Madonna drabiny, Centauromachia (Bitwa centaurów) to marmurowa płaskorzeźba wykonana około 1492 roku, kiedy Michał Anioł wciąż nawiedzał ogrody Medyceuszy.

Reprezentuje epizod między centaurami a nagrobkami, kiedy w środku ślubu księżniczki Hipodamia i Pirítou, król nagrobków, jeden z centaurów próbował porwać księżniczkę, co zaowocowało bitwa.

Ciała są poskręcane i splątane, przez co trudno powiedzieć, kto jest kim. Połączeni ze sobą, niektórzy pokonani na ziemi, wszyscy wyrażają rozpacz w środku bitwy.

Dzięki tej pracy młody Michał Anioł przyjmuje już swoją obsesję na punkcie aktów, ponieważ dla niego ludzkie piękno było wyrazem boskości. Tak więc kontemplacja dzieła, które przedstawia to piękno poprzez nagość, jest kontemplacją wielkości Boga.

Ta płaskorzeźba jest celowo niedokończona, co jest charakterystyczne dla twórczości Michała Anioła, który bardzo szybko przyjął koncepcję niepełnego jako kategorii estetycznej, nieskończony.

Tylko niektóre części ciała (głównie tułowie postaci) są obrobione i wypolerowane, głowy i stopy są niekompletne.

3. Pobożność

Pod wpływem śmierci Lorenzo de Medici w 1492 roku Michał Anioł opuścił Florencję, kierując się do Wenecji, a później do Bolonii. Wrócił do Florencji w 1495, ale natychmiast wyjechał do Rzymu.

To właśnie w Rzymie francuski kardynał Jean Bilhères de Lagraulas powierzył artyście marmurową Pietę do bazyliki św. Piotra w Watykanie w 1497 roku.

Pobożność Michała Anioła to marmurowa rzeźba wykonana w latach 1498-1499 i jest jednym z największych przybliżeń do pełnej doskonałości w dziedzinie sztuki.

W tej pracy Miguel Ángel zrywa z konwencjonalnością i postanawia reprezentować Dziewicę młodszą niż jej syn. Niesamowicie piękna, trzyma na kolanach martwego Chrystusa.

Obie postacie wyrażają spokój, a zrezygnowana Dziewica kontempluje martwe ciało swojego syna. Ciało Chrystusa jest anatomicznie doskonałe, a szczegóły dopracowane do perfekcji.

W opozycji do koncepcji nieskończony, ta rzeźba jest czym skończone przez doskonałość. Całość jest wyjątkowo dopracowana i wykończona, a dzięki niej Michał Anioł mógł osiągnąć prawdziwą doskonałość.

Artysta był tak dumny z tej rzeźby, że wyrył swój podpis na wstążce, która przecina pierś Dziewicy słowa „Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat”, co oznacza „Michelangelo Buonarroti, Florentyńczyk, co zrobiony".

4. Dawid

W 1501 Michał Anioł wraca do Florencji i rozpoczyna Dawid, marmurowa rzeźba o długości ponad czterech metrów wykonana w latach 1502-1504.

Moment sceny wybrany przez Michała Anioła jest tuż przed konfrontacją Dawida z Goliatem. W ten sposób Michał Anioł nie reprezentuje zwycięskiego Dawida, ale młodego człowieka pełnego gniewu i woli zmierzenia się ze swoim ciemiężcą.

Dawid To fascynujący przykład siły, która kieruje twórczością tego artysty, czy to w wyborze aktu całkowitego, czy w wewnętrznym zamęcie, jaki przekazuje postać.

Zobacz też więcej o:

• Rzeźba Dawida autorstwa Michała Anioła.
• 15 cech renesansu.

5. Tondo Doni

Michał Anioł i Leonardo da Vinci to dwa największe i najbardziej reprezentatywne nazwiska włoskiego renesansu. Do dziś ich prace budzą podziw i budzą podziw, ale ci współcześni artyści nigdy się w życiu nie zgadzali i niejednokrotnie spotykali się ze sobą.

Jednym z głównych powodów ich rozbieżności była deklarowana przez Michała Anioła pogarda dla malarstwa, zwłaszcza olejnego, sztuki, którą uważał za właściwą kobietom.

Dla tego artysty prawdziwą sztuką była rzeźba, ponieważ tylko siłą fizyczną można było osiągnąć doskonałość.

Rzeźba, dla Michała Anioła, była męska, nie dopuszczała błędów ani poprawek. Sprzeciwiał się więc malarstwu olejnemu, preferowanej przez Leonarda technice, która pozwalała na wykonywanie prac warstwami, co pozwalało na ciągłe korekty.

Dla Michała Anioła techniką malarską, która najbardziej mogłaby zbliżyć się do wyższości rzeźby, byłby fresk który ze względu na swoje właściwości wymaga szybkości i precyzji oraz nie dopuszcza błędów ani poprawek, ani nie można go przemalować.

Nic więc dziwnego, że w jednej z nielicznych mobilnych prac malarskich przypisywanych artyście Tondo Doni, Michał Anioł użył mieszanki tempery i oleju na drewnie w tondo (w kole).

Prace te prowadzono w latach 1503–1504. Sagrada Familia jest w nim reprezentowana w bardzo niekonwencjonalny sposób.

Z jednej strony lewa ręka Dziewicy wydaje się być skierowana na płeć swojego syna. Z drugiej, wokół rodziny na pierwszym planie pojawia się kilka nagich postaci.

Te liczby, ignudi, którzy są tutaj nastolatkami, po raz kolejny zostaną przedstawieni w bardziej dorosłym aspekcie w innej pracy Michała Anioła: Kaplica Sykstyńska.

6. Freski z Kaplicy Sykstyńskiej

W 1508 r. Michał Anioł rozpoczął jedno z najważniejszych dzieł na prośbę papieża Juliusza II, który kilka lat wcześniej wezwał go do Rzymu, aby zaprojektować jego kurhan.

Znany z pogardy dla malarstwa Miguel Ángel przyjął protestowaną pracę, dlatego w trakcie procesu napisał kilka listów, w których wyraził swoje niezadowolenie.

Dlatego freski w Kaplicy Sykstyńskiej są imponującym wyczynem, który do dziś olśniewa świat.

Sufit

W latach 1508-1512 Michał Anioł namalował sufit kaplicy. To była intensywna praca, w której demonstruje się całkowite opanowanie techniki fresku i rysunku.

Technika fresku jest nakładana na mokrym podłożu, co oznacza, że ​​proces musi przebiegać szybko i bez poprawek.

Imponujące jest więc wyobrażenie sobie, że artysta przez cztery lata malował kolosalne i kolorowe postacie leżące na przestrzeni 40 x 14 metrów, prawie nie opierając się na swoich rysunkach.

Zacieki po farbie wpłynęły na jego wzrok, a także poniósł konsekwencje izolacji i dyskomfortu pozycji, w której pracował. Ale te ofiary zaowocowały jednym z największych dzieł malarstwa.

Sufit podzielony jest na dziewięć paneli, które podsumowują Księgę Rodzaju, przywołując proroków Starego Testamentu i Sybilli z starożytności grecko-rzymskiej.

Ostateczny wyrok

Wszystko ma na celu ukazanie związku tzw. „Historii stworzenia” z „Historią Zbawienie”, reprezentowane przez Chrystusa, który nie pojawia się na suficie, ale pojawia się na ołtarzu, w słynnej scenie znany jako Ostateczny wyrok, namalowany 20 lat po stropie (1535-1541).

Jest to kompozycja malarska z ponad 400 ciałami pierwotnie namalowanymi nago, w tym Dziewicą i Jezusem Chrystusem, które później musiały zostać zakryte.

Zobacz też analiza fresków w Kaplicy Sykstyńskiej.

7. Grób papieża Juliusza II

W 1505 papież Juliusz II wezwał Michała Anioła i powierzył mu jego grób w Rzymie. Początkowo chciał zbudować duże mauzoleum, co ucieszyło artystę.

Ale poza wielkością dzieła papież o kapryśnej osobowości zdecydował, że chce zostać pochowany w Kaplicy Sykstyńskiej.

W tym celu kaplica potrzebowała kilku przekształceń. Z tego powodu Michał Anioł musiał najpierw namalować freski na suficie i ołtarzu.

Projekt podlegałby innym modyfikacjom i koncesjom. Po pierwsze, po śmierci papieża w 1513 r. projekt zmniejszył swoje rozmiary, po drugie, wizja Michała Anioła zderzyła się z oczekiwaniami spadkobierców papieża.

W 1516 r. sporządzono trzeci kontrakt, a projekt przeszedł dwie kolejne zmiany w 1526 i 1532 r. Ostateczne postanowienie określało, że grób będzie składał się tylko z fasady i będzie znajdował się w kościele San Pietro in Vincoli w Rzymie.

Mojżesz

Pomimo wszystkich niepowodzeń i pomimo tego, że niewiele z marzeń się spełniło, Michał Anioł intensywnie pracował nad projektem mauzoleum przez trzy lata.

Tak więc w latach 1513-1515 Michał Anioł wyrzeźbił niektóre z najbardziej emblematycznych dzieł swojej kariery, a jedno z nich, MojżeszDziś wymaga wizyty każdego podróżnika.

Mojżesz Jest to jedna z rzeźb porównywalnych z Pieta Watykanu w technicznej doskonałości. Ta rzeźba i seria Więźniowie lub Niewolnicy miały ozdobić grobowiec ciemieniowy.

W tej rzeźbie wyróżnia się postać i straszne spojrzenie postaci (Straszna). Tak jak Dawid, wyraża intensywne życie wewnętrzne, siłę przekraczającą kamień, z którego wydobyto figurę.

Imponujący, gładząc długą i szczegółową brodę, Mojżesz wydaje się gwarantować swoim spojrzeniem i wyrazem, że ci, którzy łamią prawo, zostaną ukarani, ponieważ nic nie uniknie gniewu Bożego.

Zobacz też analiza Mojżesza Michała Anioła.

Więźniowie lub Niewolnicy

Seria rzeźb znanych jako Więźniowie lub niewolnicy, wyszli z tego intensywnego czasu pracy.

Dwie z tych prac są ukończone, Umierający niewolnik i Zbuntowany niewolnik. Oba znajdują się obecnie w Luwrze w Paryżu. Miały być umieszczone na pilastrach na dolnym piętrze.

Zmysłowość Umierający niewolnik, którego postawa wyraża akceptację, a nie odporność na śmierć. W obliczu tego this Zbuntowany niewolnik, z nieoszlifowaną twarzą, wykrzywionym ciałem i niestabilną pozycją, wydaje się odmawiać ujarzmienia i wydaje się walczyć o wyjście z więzienia.

Z tego okresu powstały cztery inne prace, które gloryfikowały koncepcję nieskończony. Siła wyrazu jest imponująca, jak widać, jak artysta uwolnił postacie z masywnych kamiennych bloków.

Pozostawiając dzieła niedokończone, funkcjonują jako alegorie jednego z tematów, które towarzyszyły i dręczyły całe życie i dzieło Michała Anioła: ciało jako więzienie duszy.

8. Grobowce Lorenzo i Giuliano de 'Medici

W 1520 roku Michał Anioł został zatrudniony przez Leona X i jego kuzyna Giulio de Medici, przyszłego papieża Klemensa VII, do zbudować kaplicę grobową w San Lorenzo we Florencji, gdzie znajdują się grobowce Lorenzo i Giuliano de Medyceusze.

Początkowo projekty tak ekscytowały artystę, że żarliwie gwarantował, że będzie mógł je jednocześnie zrealizować. Ale pojawiło się kilka problemów i wymarzony projekt zaginął.

Koncepcja opracowana przez Michała Anioła miała za swoją zasadę integrację architektury, rzeźby i malarstwa. Ale obrazy nigdy nie powstały.

Kiedy pracował nad grobowcami, we Florencji wybuchła rewolucja przeciwko samym Medyceuszom i w obliczu takiego scenariusza Michał Anioł przerwał prace i stanął po stronie buntowników.

Kiedy bunt został opanowany, papież przebaczył mu pod warunkiem, że wznowi pracę, a Michał Anioł kontynuował pracę.

Kiedy Michał Anioł opuścił Florencję na stałe w 1524 roku do Rzymu, pozostawił dzieło niekompletne a rzeźby, które wykonał, zostały później umieszczone na właściwych miejscach przez innych ludzie.

Do dziś dotarły do ​​nas dwa bliźniacze grobowce ciemieniowe, ustawione twarzą w twarz. Z jednej strony grób Lorenza, reprezentowany w biernej, kontemplacyjnej pozycji, myśląc, jakby prawdziwy Lorenzo de 'Medici żył.

Z drugiej strony Giuliano, który w swoim czasie był wspaniałym żołnierzem. Jest aktywnie reprezentowany, w zbroi i obdarzony ruchem. Lewa noga budzi chęć uniesienia kolosalnej i potężnej sylwetki.

U stóp obu znajdują się dwie alegorie, Noc i Dzień (grób Lorenzo de Medici), Zmierzch i świt (Grób Giuliana de Medici).

Dzień i świt są postacie męskie, a Noc i Zmierzch są postaciami kobiecymi. Twarze męskich alegorii są niedokończone, nieoszlifowane.

9. Ostatni Pietas

Miguel Ángel doszedł do ostatnich lat życia obdarzony siłami fizycznymi i potrzebą pracy, ale dźwigał wiele żalu i udręki.

Doszedł do wniosku, że przez część swojego życia przebył błędny ideał, ideał piękna i doskonałości w sztuce oraz ideę, że poprzez tę sztukę dotrze do Boga.

Tak więc w późniejszych latach zwraca się ku swojej drugiej pasji, boskiej, i być może dlatego jego najnowsze prace mają ten sam temat i pozostały niedokończone.

Pieta i Pieta Rondanini są dwa niedokończone kulki, bardzo wyraziste i niepokojące, zwłaszcza te Rondanini.

Jako alegoria całego cierpienia i burzliwego ducha, który Michał Anioł nosił przez całe życie, szczególnie w w ostatnich latach wyrzeźbił własne rysy na twarzy Dziewicy niosącej zmarłego syna w Pieta Rondaniniego.

Artysta porzucił w ten sposób ideał ludzkiego piękna, który naznaczył go przez całe życie, i dał jasno do zrozumienia, że ​​tylko w całkowitym poddaniu się Bogu można znaleźć szczęście i pokój.

Michał Anioł zmarł w 1564 roku w wieku 89 lat, w pełni wykorzystując swoje zdolności fizyczne i umysłowe.

Papież chciał pochować go w Bazylice Świętego Piotra w Rzymie, ale przed śmiercią Michał Anioł wyraził wolę pochowania go we Florencji, skąd wyjechał w 1524 roku.

Może Cię zainteresować: 25 najbardziej reprezentacyjnych obrazów renesansu

(Tekst przetłumaczony przez Andrea Imaginario).