Existe uma arte objetivamente melhor que outra?

Todos nós sabemos que a arte, como tantas coisas, é subjetiva. Porém, Existe uma arte objetivamente melhor que outra? Podemos encontrar um estilo artístico ou uma época em que sua manifestação artística seja, objetivamente, melhor que as demais?

Propomos um passeio pela história da arte para desvendar se realmente existe uma arte objetivamente melhor que outra.

• Artigo relacionado: "Os 8 ramos das Humanidades (e o que cada um deles estuda)"

Existe uma arte objetivamente melhor?

Durante alguns períodos da história, certamente se acreditou nisso. É por isso que, durante o Renascimento, autores como Vasari menosprezaram a arte gótica e a rotularam de arte "bárbara" (arte gótica, de onde vem seu nome). O barroco também foi outro dos estilos muito criticados com o advento da Revolução Francesa e do classicismo. Mas que razão havia para essas considerações?

O motivo não foi outro senão a mudança de mentalidade e, portanto, o aparecimento de preconceitos. Na época de Vasari, o Renascimento havia dominado as artes, então tudo o que não se encaixava em uma visão "classicista" era considerado uma arte menor, menos evoluída. A mesma coisa aconteceu séculos depois com o barroco e, principalmente, com o rococó. Os revolucionários franceses viam esta última como a arte da nobreza e, portanto, uma arte que deveria ser destruída.

Então Até que ponto as avaliações artísticas estão sujeitas a preconceito?

• Você pode estar interessado: "Os 10 ramos da Filosofia (e seus principais pensadores)"

Mas o que é arte, exatamente?

Aqui precisamos introduzir um esclarecimento. Qual é a arte? Uma definição tão múltipla quanto complexa (e complicada). A Real Academia Espanhola oferece várias definições da palavra. Entre eles estão os seguintes: "Capacidade, habilidade para fazer algo" e "Manifestação de atividade através do qual o real é interpretado ou o imaginado é captado com recursos plásticos, linguísticos ou sonora”. Acreditamos que, no segundo sentido, a RAE acertou em cheio. Vejamos com atenção: "... através da qual se interpreta o real ou se capta o que se imagina." É claro: a arte tem dois caminhos: a representação da realidade (às vezes estritamente, como veremos mais adiante) ou a incorporação de conceitos transcendentes. Além disso, devemos acrescentar que ambas as coisas não se opõem, embora nos façam acreditar que sim.

Por sua vez, o eminente E. H Gombrich, em seu famoso história da arte, inicia sua introdução afirmando que: “A arte realmente não existe. Existem apenas artistas. Eles já foram homens que pegaram terra colorida e desenharam grosseiramente as formas de um bisão nas paredes de uma caverna; hoje, compram suas cores e desenham placas para as estações do metrô”. E então, acrescenta: "Não há mal algum em chamar de arte todas essas atividades, desde que tenhamos em conta que tal palavra pode significar muitas coisas diferentes, em diferentes tempos e lugares, e enquanto notarmos que a Arte, escrita a palavra com A maiúsculo, não existe, pois a Arte com A maiúsculo tem por essência ser um fantasma e um ídolo…”.

Em outras palavras, para o prestigioso historiador, se só existissem artistas e, portanto, não houvesse um ideal de arte (aquela Arte com maiúscula que comenta), então significa que, de fato, não há estilo artístico ou época melhor ou pior do que outros. Para realizar esta breve viagem, será muito útil contar com exemplos concretos; desta forma será muito mais fácil entender o que Gombrich quis dizer com tal afirmação.

• Artigo relacionado: "O que são as 7 Belas Artes? Um resumo de suas características"

Composição, forma, perspectiva

Tomemos como exemplo o bisão sobre o qual Gombrich comenta. Todos vocês têm em mente a típica pintura pré-histórica, feita ao abrigo de uma caverna. Vamos fazer uma pergunta. Essa representação é realista? Não hesite em responder, porque a resposta é "não".

O artista que pintou o bisão não pretendia representar um bisão real, com seus volumes, sua perspectiva e seus detalhes realistas. Na verdade, não há perspectiva alguma; o desenho é completamente plano (embora, em alguns exemplos, possam ser notadas tentativas marcadas de realismo). De qualquer forma, o resultado é o mesmo: o animal retratado na parede ou no teto da caverna representa uma ideia, um conceito, não um bisão real.

Comparemos o bisão pré-histórico com uma pintura do século XIX; por exemplo, Oração do Angelus no campo, do pintor Ignacio Díaz Olano de Vitória.

Observaremos que, na tela, o pintor fez uma representação meticulosa, praticamente fotográfica, da anatomia de dois bois. Os volumes são perfeitos, a perspectiva é adequada; temos a sensação de estarmos presentes na cena, como se fizéssemos parte do instante representado. Em uma palavra: Díaz Olano está capturando um fragmento da realidade.

Neste ponto, fazemos uma pergunta. A equipe de Díaz Olano é objetivamente melhor? Em termos de resolução, desenho, perspectiva e técnica, claro que sim. A perspectiva, os volumes, os tons realistas da pintura; nada têm a ver com a figura plana, em cores neutras, que vimos na parede da caverna. Agora, isso significa que a obra de Díaz Olano é objetivamente melhor, em geral, do que o bisão pré-histórico? A resposta, neste caso, sem dúvida seria “não”.

• Você pode estar interessado: "Os 10 ramos da Filosofia (e seus principais pensadores)"

A expressão, o conceito, a ideia

Tomemos outro exemplo que ilustrará muito bem o que queremos dizer. E não é outro senão As execuções de 3 de maio, de Goya.

Bom. Agora compare com outra cena de filmagem: Execução de Torrijos e seus companheiros nas praias de Málagapor Antonio Gisbert.

Vamos começar com o segundo. Em torrijos, Tudo é perfeito. Novamente, a composição não tem falhas; nem a perspectiva, nem os volumes, nem o desenho, nem a técnica. É, formalmente falando, uma imagem perfeita. Além disso, Gisbert também introduz expressão em sua obra: se olharmos com atenção, cada um dos rostos de aqueles que vão morrer expressam um sentimento diferente, que vai do medo mais excruciante ao mais incrível.

Passemos agora às execuções de Goya. Podemos dizer que, formalmente, Torrijos está melhor resolvido? Bem, apesar de falar de Goya, a resposta é mais uma vez “sim”. A tela de Gisbert é um instantâneo fotográficoCapturando um momento real da vida. Novamente, e com o angelus por Díaz Olano, parece que estamos na praia, com Torrijos e seus companheiros. Na verdade, o que é realmente emocionante na pintura é que parece que fazemos parte do grupo de prisioneiros que esperam sua vez de morrer, dado o ponto em que o olhar do observador está localizado. Quanto aos rostos, nada mais a dizer; Gisbert fez anotações sobre os retratos originais das vítimas e também se reuniu com parentes do falecido para recriar fielmente as características dos executados.

Agora, se formos à pintura de Goya, veremos que os rostos não são identificáveis. Para começar, os franceses (os carrascos) escondem o rosto, como se tivessem vergonha. Além disso, a maioria dos baleados cobre o rosto com as mãos. Os poucos que mostram o rosto parecem-nos antes máscaras de carnaval ou de pesadelo do que seres humanos. Não há facções individualizadas; Goya está pintando o terror em sua forma mais pura.

Vamos então à pergunta. Isso significa que a pintura de Gisbert é objetivamente melhor que a de Goya? Obviamente não. E por que? Porque, simplesmente, a intenção de Gisbert ao realizar sua torrijos não era a mesma de Goya quando pintou seu execuções. O primeiro queria mostrar a realidade impecável, enquanto o segundo ele expressou sua raiva e frustração através do pincel. Gisbert não experimentou o pelotão de fuzilamento de Torrijos; além do mais, ele pintou o quadro várias décadas depois. Goya viveu aqueles fatídicos dias de maio.

• Artigo relacionado: "O que é criatividade? Somos todos "possíveis gênios"?"

O lastro do academicismo

A partir do século XVIII e, sobretudo, do século XIX, a arte acadêmica (como a pintura de torrijos) é considerado o apogeu da pintura e da escultura. A composição perfeita, a resolução de uma perspectiva perfeita, a proporção correta entre os personagens... trabalhos acadêmicos não têm nenhum erro formal para apontar.

No entanto, não é menos verdade que durante o século XIX a expressão e a ideia foram esquecidas. Em outras palavras, o "o quê" foi diluído, restando apenas o "como". Muito ao contrário do que foram outras "artes" na história, onde o que prevaleceu acima de tudo foi o conceito, a ideia que foi representada. Esta é uma das razões pelas quais, entre outras, a arte medieval foi amplamente desprezada desde o século XVIII; seu estilo conceitual e transcendente não se encaixava no academicismo predominante.

Se quisermos valorizar corretamente uma obra de arte, devemos ter em mente que em nossa apreciação carregamos o lastro do academicismo. E cuidado, porque não queremos dizer com isso que a arte acadêmica seja ruim, pelo contrário; mas é verdade que por muitos anos nos ensinaram que a única arte "boa" é aquela que respeita as diretrizes formais de perspectiva, volume e composição, entre outras coisas. E isso, claro, nos faz perder o rumo e não estamos em condições de valorizar as outras “artes” que, claro, têm valor em si mesmas.

Porque as orientações necessárias para valorizar uma obra não são apenas aquelas que a Academia nos dita há séculos. Há outros, como a expressividade, o sentimento e a ideia que, por outro lado, são os que ditaram a arte de outros tempos e culturas. Deveríamos acreditar que uma Madonna and Child românica é “pior” do que uma Vênus de Praxiteles? Claro que não. São filhas de dois conceitos e de dois mundos muito, muito diferentes.

Porém, e como tudo relacionado à arte, a decisão é de cada um. Neste artigo propomos apenas um olhar diferente e, sobretudo, adequado a cada trabalho específico; um olhar que leva em conta o contexto, as possibilidades técnicas e a personalidade do autor.