Afrescos do teto da Capela Sistina

Na Capela Sistina encontra-se uma das obras mais emblemáticas do Renascimento italiano, cuja fama se espalhou por todo o mundo. O teto da Capela Sistina foi pintado com afrescos por Michelangelo Buonarroti, popularmente conhecido como Michelangelo na língua espanhola. Esta obra foi encomendada ao artista pelo Papa Júlio II (1443-1513).

Como Michelangelo manifestou uma preferência declarada pela escultura, uma disciplina para a qual ele considerada uma arte superior e pela qual foi verdadeiramente reconhecido, aceitou a encomenda do Papa com relutância.

A obra começou a ser pintada em 1508 e foi concluída em 1512, e se tornou o que seria um feito artístico impressionante, considerando que Michelangelo fez todo o trabalho só.

Análise de pinturas de teto

A divisão principal do teto é feita em nove painéis que representam as cenas do livro do Gênese. A escolha do tema teológico estabelece uma relação entre os princípios da história humana e a vinda de Jesus Cristo, embora ele não esteja presente na composição pictórica do teto.

As figuras, embora pictóricas, são influenciadas pela perspectiva escultórica do artista e, ao mesmo tempo, percebe-se a importância do desenho. Da mesma forma, as imagens revelam o domínio do artista na representação e no conhecimento da anatomia humana.

Essas figuras são predominantemente robustas, enérgicas e poderosas, mas elegantes. Pelo espaço as imagens gigantescas e musculosas se contorcem quase impossíveis, o que dá movimento a toda a composição e também muita energia.

Esta vivacidade da composição é certamente uma evidência do momento histórico que viveu a Itália e que se expandia pela Europa. Não se tratava apenas do renascimento da arte clássica, mas também de uma redescoberta da filosofia e do humanismo gregos.

Uma nova Europa estava nascendo, saindo da Idade Média e abrindo a Idade Moderna, que fez do ser humano o centro do mundo, o que se chamou de antropocentrismo.

Os nove painéis contam a história da criação. O primeiro representa a separação da luz e das trevas; o segundo retrata a criação do sol, da lua e dos planetas; a terceira representa o momento em que a terra se separa do mar.

Criação Adan

O quarto painel do teto é dedicado à criação de Adam, e é uma das imagens mais difundidas e reconhecidas em todo o mundo. Aqui Adão está deitado languidamente, como se lhe faltasse energia, forçando Deus a dar o seu último esforço para tocar os dedos de Adão e dar-lhe uma centelha de vida.

Ao contrário da figura aparentemente preguiçosa de Adão, Deus é dotado de movimento e energia e até mesmo seu cabelo se move com uma brisa invisível. Sob seu braço esquerdo, Deus mantém Eva intimamente. Eva espera pacientemente que Adão receba a luz da vida para que ela também possa recebê-la.

No quinto painel (o central) a criação de Eva é finalmente vista; o sexto representa a expulsão de Adão e Eva do paraíso; na sétima, o sacrifício de Noé é representado; na oitava, o dilúvio universal e na nona, finalmente, a embriaguez de Noé.

Nas laterais dos painéis estão representados alternadamente os profetas (Zacarias, Joel, Isaías, Ezequiel, Daniel, Jeremias e Jonas) e as sibilas (Delfos, Eritreia, Cumaná, Persa e Líbia). Michelangelo faz assim uma justaposição entre o cristianismo e o paganismo, que alguns críticos interpretam como uma forma sutil de criticar a Igreja Católica.

Os painéis, assim como o resto da composição pictórica, são enquadrados por elementos arquitetônicos pintados com extremo realismo e com os quais as figuras interagem. Alguns se sentam e outros se apoiam nesses falsos elementos arquitetônicos.

Nos quatro cantos do teto, chamados de pendentes, também é possível ver a representação das quatro histórias emblemáticas do salvação de Israel e, espalhadas pelo centro da composição, vinte figuras masculinas nuas sentadas, conhecidas O que "Ignudi", nome atribuído pelo próprio artista.

Essas figuras aparecem em pares de quatro, em torno de cinco dos nove painéis de teto, especificamente aqueles que representam o intoxicação de Noé, o sacrifício de Noé, a criação de Eva, a separação do mar e da terra e a separação da luz e Trevas.

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O julgamento final

Michelangelo voltou à Capela Sistina mais de 20 anos depois para executar o afresco O julgamento final (1536-1541), que se encontra na parede do altar. Esta obra foi confiada a Michelangelo pelo Papa Clemente VII (1478-1534), mas a obra só se iniciaria após sua morte, durante o pontificado de Paulo III (1468-1549).

Contrastando com a vibração, ritmo e energia radiante dos afrescos do teto, o a representação do julgamento final é sombria e, ao mesmo tempo, é uma composição de corpos sem real estrutura. No total, trezentos e noventa corpos que estavam originalmente nus estão representados, incluindo a Virgem Maria.

A composição é dominada pela figura central de um juiz de Cristo implacável e temível. No fundo o céu está rasgado e na parte inferior os anjos tocam trombetas anunciando o julgamento final.

Ao lado de Cristo, a Virgem olha para o lado como se recusasse a enfrentar o caos, a miséria, o sofrimento e o fato de os pecadores serem lançados no inferno.

Uma das figuras representadas é São Bartolomeu, que segura sua faca de sacrifício em uma das mãos e sua pele esfolada na outra, na qual Michelangelo pinta o próprio rosto. Assim, o rosto deformado da pele esfolada é o do artista, talvez com a intenção de fazer uma metáfora sobre sua alma torturada.

As diferenças entre as pinturas do teto e da parede do altar estão relacionadas ao contexto cultural e político da época em que foram realizadas.

Naquela época, a Europa estava passando por uma crise espiritual e política. Começaram os anos da Reforma que levaria à divisão da Igreja, diante da qual esta composição parece um aviso aos inimigos da Igreja. Não há perdão, pois Cristo é implacável.

Conforme Michelangelo pintava essas figuras nuas, a polêmica cresceu ao longo dos anos, com muitos acusando a Igreja de hipocrisia e julgando o trabalho como pornográfico.

Por mais de vinte anos, os caluniadores da obra se dedicaram a difundir a ideia de que a Igreja estava protegendo um discurso pornográfico em uma de suas principais instalações, que foi acompanhado por uma campanha para destruir o imagens.

Temendo o pior, o Papa Clemente VII ordenou que alguns dos corpos nus da composição fossem repintados, na tentativa de preservar a obra e evitar sua destruição. Este trabalho foi feito por Daniele da Volterra no ano da morte de Michelangelo.

Trabalho de restauração

As intervenções de restauração feitas na Capela Sistina entre 1980 e 1994 revelaram um lado de Michelangelo que havia sido ignorado involuntariamente pelos historiadores.

Até aquele momento, os elementos exaltados pela crítica foram reduzidos às formas e ao desenho em detrimento da cor. Mas limpar séculos de sujeira e fumaça das velas revelou uma paleta de cores vibrantes na obra original de Michelangelo. Comprovou-se assim que o artista não era apenas um génio do desenho e da escultura, mas também um excelente colorista ao nível de Leonardo da Vinci.

Capela Sistina

A Capela Sistina (1473-1481) está localizada na residência oficial do Papa, chamada de Palácio Apostólico do Vaticano. Sua construção foi inspirada no Templo de Salomão. É lá onde o Papa celebra a missa na hora certa e também é lá que o conclave se reúne para eleger o novo pontífice.

A capela serviu de oficina para alguns dos maiores artistas do Renascimento italiano, não apenas para Michelangelo. Entre eles estão Rafael, Bernini e Botticelli. Mas é inegável que hoje a simples menção da Sistina nos remete aos grandes afrescos do teto e do altar executados por Michelangelo.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo (1475-1564) foi um dos maiores artistas do Renascimento e é considerado um dos maiores gênios da arte de todos os tempos. Mesmo em vida gozou desse reconhecimento e atribuiu habilidades acima da média.

Difícil de lidar, seu gênio foi reconhecido desde muito jovem. Freqüentou a oficina de Domenico Ghirlandaio e aos 15 anos Lorenzo II de Medici o tomou sob sua proteção.

Ele era um humanista e era fascinado pelo patrimônio da antiguidade clássica, que naquela época passava pela fase mais importante do revisionismo histórico. Portanto, o trabalho de Michelangelo focou na imagem humana como veículo de expressão. Essa preferência é uma evidência indiscutível da forte influência que a escultura clássica exerceu sobre o artista.

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(Texto traduzido por Andrea Imaginario).