Claude Monet: obras, análises e significados

Claude Monet (1840-1926) foi um pintor francês representante do Impressionismo, reconhecido tanto por sua achados pictóricos no tratamento da luz, como por ter feito a pintura que daria o nome ao movimento.

Junto com outros artistas, Monet foi responsável por abrir as portas à originalidade da linguagem plástica por meio do tratamento da luz e do estudo da percepção da cor. Vamos conhecer alguns de seus trabalhos mais importantes neste artigo.

1. Almoço na grama, 1865-1866

Em 1863, os críticos destruíram Edouard Manet no Salão Oficial de Paris por causa de seu trabalho Café da Manhã na grama. No entanto, Claude Monet ficou fascinado pela peça e decidiu fazer sua própria versão em homenagem ao polêmico pintor. O de Monet teria as dimensões ambiciosas de quatro metros de altura por vinte de comprimento. Foi, ao mesmo tempo, um desafio.

Ele começou a pintar o Almoço na grama em 1865, assistindo para participar do salão de 1866. A precária economia o fez abandonar o projeto e teve que oferecê-lo como garantia para o pagamento do aluguel. A tela foi enrolada e armazenada por seu proprietário temporário até que Monet a recuperou em 1884. Dada a notável deterioração, teve que ser reduzido. Restam apenas dois fragmentos da obra: o central e o lado esquerdo.

Na cena, a pintora representa um piquenique em um ar informal e cotidiano. Distanciando-se com Edouard Manet, ele tira o nu e veste todos os personagens, cujos trajes revelam seu estilo de vida. Os personagens são certamente burgueses que celebram a festa da vida, sem escândalo, sem significado. Monet não está interessado na controvérsia temática mais do que na linguagem plástica.

Embora a peça original não tenha conseguido ser totalmente preservada, um Estude para almoçar na grama. A diferença mais óbvia está no jovem sem barba que aparece sentado na toalha. Este personagem é substituído por um homem barbudo que parece uma referência a Gustave Coubert, um pintor realista muito admirado de Monet, que teria se dignado a visitá-lo em sua oficina nos dias em que Monet trabalhava no rascunho.

2. Camille com vestido verde, 1866

O quadro Camille com vestido verde de Claude Monet foi exposta no Salão Oficial de 1866 e teve ampla aceitação, o que não agradou a Edourad Manet que, sendo confundido com Monet, recebeu por engano os parabéns. Além disso, Manet havia sido criticado em 1863 e o Salão Oficial o rejeitou em 1865 por causa de sua pintura. Olympia.

No livro dele Impressionismo, Paul Smith compara a imagem Camille com vestido verde com o trabalho A senhora com uma luva de Carolus-Duran, discípulo do pintor David e participante regular dos círculos monarquistas em Paris. Embora a peça de Carolus-Duran seja posterior à de Monet, a comparação permite que Smith conclua que Monet assumiu uma parte importante da linguagem pictórica realista, amplamente valorizada no grande salão Oficial. Por isso foi admitido.

Em sua análise, Smith destaca que Monet fez o vestido vestir, usando uma pose artificial típica das ilustrações de moda. Ao mesmo tempo, forneceu luz artificial à cena para acentuar o personagem. Monet revela elementos que remetem à iluminação e ao calor de Coubert e à linha de Manet, que exerceram grande influência sobre ele.

3. Mulheres no jardim, 1867

Paul Smith compara a tela Mulheres no jardim por Monet com Minerva e obrigada de Charles Greyre, em cuja oficina Monet trabalhou por algum tempo. Com isso, Smith destaca a verdadeira revolução da geração impressionista.

Como era costume na arte, Greyre representa um episódio de caráter narrativo-literário, tentando eternizar os ideais platônicos. de beleza e bondade através da representação do mito de Minerva, deusa da sabedoria, e as três Graças, símbolo da beleza. Esvaziada no conteúdo, a técnica do pintor torna-se invisível para que o tema brilhe, sem deixar vestígios de sua linha.

Um ano depois, Monet executou uma tela que também representa quatro mulheres em um ambiente vegetal, mas serão mulheres comuns. O pintor não representou um valor eterno, mas um momento fugaz e fugaz, um encontro divertido entre amigos que celebram a vida burguesa. Eles são o símbolo da nova classe média que busca construir seu próprio valor.

Monet não esconde a técnica na tela. Ao contrário, ele o expõe, mostra a linha, orienta a atenção do espectador para a linguagem plástica que Greyre e todos os pintores tradicionais ocultaram deliberadamente.

Como era típico do estilo germinativo, Monet aproveita as cores azul e verde para sombrear e modificar a pele dos personagens. Antes de retratar a intensa luz do verão que toma conta da cena. O importante, então, será a linguagem pictórica.

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4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère É uma série de várias pinturas de tipo marinho de diferentes ângulos e momentos. Nesta tela, Monet está amplamente envolvido com o tratamento da luz e seus efeitos nos objetos. É entregue, rapidamente, à forma completa de impressionismo.

Do trabalho para ar livreCoisa possível naquela época graças à invenção dos tubos de óleo, Monet aproveitou uma linha apressada para dar vida às impressões luminosas e à transitoriedade do momento. O espectador assiste a cena como mais um. Não há julgamento moral, não há significado temático. O interesse se voltou para a linguagem plástica.

Renoir fez uma versão dessa mesma cena com Monet.

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5. Campo de papoulas, 1873

Em 1871 Monet instalou-se temporariamente em Argenteuil, onde desenvolveu solidamente o estilo que foi descobrindo, graças também às paisagens que aquela cidade lhe ofereceu. A partir deste estágio é o trabalho Campo de papoulas, exibido no Salão dos Rejeitados em 1874 junto com outras 8 peças.

Duas seções separadas por linhas oblíquas são distinguidas na tabela. À esquerda, no campo da papoila, predomina o vermelho, enquanto à direita predomina o verde-azulado. Na cena, o campo de papoulas é atravessado por dois pares de mulher e criança. Quem se destaca em primeiro plano é a esposa de Monet, Camille, e seu filho Jean, que frequentemente foram modelos de suas pinturas.

6. Impressão do sol nascente, 1872

Entre as pinturas que Monet apresentou no Salão dos Rejeitados, uma causou um verdadeiro escândalo: Impressão do sol nascente. Influenciado pela obra do pintor romântico inglês William Turner, Monet aplicou pinceladas grossas, quase manchas que mal sugeriam figuração. O princípio da complementaridade das cores abre a sua entrada. As cores, colocadas lado a lado, criam a percepção de matizes completos.

A atmosfera parece turva e as águas parecem mover-se com a passagem dos pequenos barcos. Longe de uma paisagem bucólica, Monet representa um porto industrializado ao fundo, onde motores a vapor e outras estruturas intervêm na névoa celestial. Ele não escondeu nada. A vida está aí para o pintor retratar. O sol, que resiste a tocar nessas estruturas, deixa seu rastro laranja nas ondas do mar.

Após a exposição de 1874, o crítico de arte Louis Leroy, a partir do nome do provocador liezo, acusou Monet de se limitar a um mero "impressionismo". Com a maior dignidade, Monet e sua geração assumiram essa desqualificação como o nome do movimento.

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7. Série Estação Saint-Lazare, 1877

Por volta de 1877, Monet voltou para Paris e, respondendo ao seu desejo de ser um pintor seu tempo, em vez de deixar de lado o mundo cotidiano da cidade industrial, incorpora-o telas. Será a estação Saint-Lazare que dará a Monet a oportunidade de continuar explorando a luminosidade e as texturas do vapor. O pintor vai dedicar sete telas à estação Saint-Lazare.

Ao contrário de outras séries em que Monet retrata a mesma paisagem sob diferentes variáveis ​​atmosféricas, como Catedral de Rouen, sobre Estação Saint Lazare Monet retratará não apenas diferentes ambientes, mas também diferentes objetivos, cenários e perspectivas de vida na estação.

8. Série Palheiros, 1890-1891

Por volta de 1883, Monet mudou-se para Giverny com sua nova parceira, Alice Hoschedé, depois que Camille faleceu em 1879. Lá ele se dedica a explorar as novas possibilidades que a paisagem local lhe oferece. Sem planejar assim, acabou desenvolvendo uma de suas séries mais conhecidas, Palheiros, cobrindo um total de 25 telas. Monet consegue captar a diversidade de luz que distingue cada época do ano, nas pilhas de trigo.

As ambições estéticas de Monet aumentaram com o tempo. Algumas dessas fotos foram posteriormente retocadas em estúdio, para atingir um nível de aprimoramento superior. Na realidade, ele precisava, diz Paul Smith, não apenas retratar um efeito de iluminação, mas fazer uma composição harmoniosa e uma série esteticamente unificada.

9. Série Catedral de Rouen, 1890-1894

Numa época em que a França testemunhava um renascimento do interesse pela catolicidade, Monet dedica para desenvolver esta série inspirada na Catedral de Rouen, localizada na região francesa de Normandia.

Era a vista da janela de um estúdio que ele alugou do outro lado da rua. A série teve mais de trinta peças e oito delas foram vendidas antes de serem exibidas.

Além de captar a luminosidade, elemento característico da sua obra, Monet consegue captar com maestria a porosidade e a textura da fachada de pedra do edifício religioso.

10. Série Parlamento londres, 1900 a 1904

Durante um período de permanência em Londres com sua esposa Alice, Monet se dedica a retratar a vista do Hospital St. Thomas, que lhe permite capturar o rio Tâmisa e a paisagem ao redor. A série do Parlamento londrino e também a Ponte Charing Cross e a Ponte Waterloo.

Na série sobre ele Parlamento londrino, Monet consegue representar o edifício entrelaçado com a névoa característica da cidade. Mas desta vez o parlamento será quase uma fantasmagoria, uma silhueta que se abre em um fundo carregado e nublado, transformado em sombra. Isso nos lembra das obras de William Turner.

Anos depois, ele faria o mesmo no Venice Series, que visitaria junto com sua esposa nas mãos de um grupo de entusiastas da arte, e em que captaria várias cenas da cidade emblemática.

11. Série Almofadas de lírio, 1883-1924.

Durante sua estada em Giverny, Monet cultivou um belo jardim com uma ponte japonesa. Aquele jardim Giverny não era apenas o hobby de Monet. Foi também sua fonte de inspiração, principalmente nos últimos anos de sua vida.

Ao longo dos anos, o pintor desenvolveu uma verdadeira paixão por retratar as maravilhas de seu jardim em suas telas: os nenúfares. A série chegaria a um total de 250 telas, hoje distribuídas em diversas salas e galerias ao redor do mundo.

Parte de Almofadas de lírio Os de Monet foram pintados na época da Primeira Guerra Mundial. Embora Monet vivesse em um mundo privado e silencioso, Paul Smith diz que de sua casa era possível ouvir a passagem dos trens com a munição. Segundo o pesquisador, é possível interpretar essa série como um esforço do pintor para preservar o mundo que a guerra ameaçava destruir.

Na verdade, Monet acabaria doando uma parte da série ao Estado francês como símbolo da paz, logo após a assinatura do Armistício de Compiègne, firmado em 11 de novembro de 1918. Esta mostra, hoje conservada no Museu da Orangerie, é considerada a "Capela Sistina do Impressionismo".

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