Michelangelo: 9 obras para conhecer o gênio do Renascimento

Michelangelo foi um dos maiores gênios do Renascimento italiano e seu nome é sinônimo de um dos maiores e mais importantes artistas de todos os tempos. Apresentamos aqui as 9 obras mais emblemáticas do artista que todos devem conhecer:

1. Madonna da escada

O Madonna ou Virgem da escada É um baixo-relevo de mármore esculpido entre 1490 e 1492. A obra foi concluída antes de Michelangelo completar 17 anos, quando ainda estudava nos jardins dos Medici, em Florença, com Bertolo di Giovanni.

Este baixo-relevo representa a Virgem sentada numa escada, segurando e cobrindo o filho, que dorme, com um manto.

As escadas completam o resto do fundo e, ao fundo, duas crianças podem ser vistas brincando, enquanto uma terceira criança reclina-se no corrimão.

Uma quarta criança está atrás da Virgem e parece estar ajudando a criança reclinada a esticar um lenço (clara alusão à mortalha de Cristo) que ambas seguram.

Nesta obra destaca-se o patrimônio da Antiguidade Clássica. Por isso, é conhecido o conceito de ataraxia, típico da filosofia epicurista, que consiste na ausência de inquietação do espírito.

A diferença entre este conceito e apatia é que na ataraxia não há negação ou eliminação do sentimento, mas promove a felicidade ao tentar encontrar a força para superar a dor e dificuldades.

Assim, a Virgem fica impassível na contemplação do futuro sacrifício de seu filho, não porque isso não a faça sofrer, mas porque encontra estoicamente a forma de superar essa dor.

Para a realização deste baixo-relevo, Michelangelo valeu-se da técnica de Donatello (escultor renascentista italiano, 1386-1466), denominado sticiatto (achatado).

2. Centauromaquia

Feito após o Madonna da escada, Centauromaquia (Batalha dos Centauros) é um relevo de mármore executado por volta de 1492, quando Michelangelo ainda assombrava os jardins dos Medici.

Nele é representado o episódio entre os centauros e as lápides, quando, em meio ao casamento da princesa Hipodamia e Pirítou, rei das lápides, um dos centauros tentou sequestrar a princesa, o que resultou em um batalha.

Os corpos estão torcidos e emaranhados, tornando difícil dizer quem é quem. Ligados uns aos outros, alguns derrotados no chão, todos transmitem desespero no meio da batalha.

Com esse trabalho, o jovem Michelangelo já assume sua obsessão pelos nus, pois para ele a beleza humana era uma expressão do divino. Assim, contemplar uma obra que representa essa beleza por meio da nudez é contemplar a grandeza de Deus.

Este relevo é intencionalmente inacabado, algo característico da obra de Michelangelo, que desde muito cedo assumiu o conceito de incompleto como categoria estética, o não finito.

Apenas algumas partes do corpo (principalmente os troncos das figuras) são trabalhadas e polidas, enquanto as cabeças e os pés ficam incompletos.

3. A piedade

Devido ao impacto da morte de Lorenzo de Medici em 1492, Michelangelo deixou Florença, rumo a Veneza e mais tarde a Bolonha. Ele voltou a Florença em 1495, mas partiu imediatamente para Roma.

Foi em Roma que o cardeal francês Jean Bilhères de Lagraulas confiou ao artista uma Pieta em mármore para a Basílica de São Pedro no Vaticano em 1497.

O Piedade de Michelangelo é uma escultura em mármore executada entre 1498 e 1499, e é uma das maiores aproximações para a perfeição completa no campo da arte.

Nesta obra, Miguel Ángel rompe com o convencional e decide representar a Virgem mais jovem que o filho. Incrivelmente bonita, ela segura Cristo morto em seu colo.

Ambas as figuras transmitem serenidade, e a Virgem, resignada, contempla o corpo sem vida do filho. O corpo de Cristo é anatomicamente perfeito e os detalhes trabalhados com perfeição.

Em oposição ao conceito de não finito, esta escultura é o que finito por excelencia. Toda a obra é excepcionalmente polida e acabada, e com ela Michelangelo pode ter alcançado a verdadeira perfeição.

O artista ficou tão orgulhoso desta escultura que gravou sua assinatura na fita que divide o seio da Virgem com as palavras "Michael Angelus Bonarotus Florentinus faciebat", que significa, "Michelangelo Buonarroti, o florentino, o que feito".

4. David

Em 1501 Michelangelo retorna a Florença e começa a David, uma escultura em mármore com mais de quatro metros realizada entre 1502 e 1504.

O momento da cena escolhido por Michelangelo é pouco antes do confronto entre Davi e Golias. Desta forma, Michelangelo não representa um David vitorioso, mas um jovem cheio de raiva e vontade de enfrentar seu opressor.

O David É um exemplo fascinante da força que move a obra desta artista, seja na escolha do nu total, seja na confusão interior que a figura transmite.

Veja também mais sobre:

• Escultura de David de Michelangelo.
• 15 características do Renascimento.

5. Tondo doni

Michelangelo e Leonardo da Vinci foram os dois maiores e mais representativos nomes do Renascimento italiano. Até hoje, suas obras inspiram e causam admiração, mas esses artistas, que foram contemporâneos, nunca estiveram de acordo na vida e se enfrentaram mais de uma vez.

Um dos principais motivos de suas divergências era o desdém declarado de Michelangelo pela pintura, especialmente a óleo, arte que ele considerava própria das mulheres.

Para este artista, a verdadeira arte era a escultura, pois só através da força física a excelência poderia ser obtida.

A escultura, para Michelangelo, era masculina, não permitia erros ou revisões. Assim, ele se opôs à pintura a óleo, técnica preferida de Leonardo, que permitia que o trabalho fosse feito em camadas, permitindo correções constantes.

Para Michelangelo, a técnica de pintura que mais se aproximava da superioridade da escultura seria o afresco que, devido às suas características, exige rapidez e precisão e não permite erros ou correções ou pode ser repintado.

Assim, não é de estranhar que em uma das poucas obras pictóricas móveis atribuídas ao artista, o Tondo Doni, Michelangelo usou uma mistura de têmpera e óleo sobre madeira no tondo (em um círculo).

Este trabalho foi realizado entre 1503 e 1504. Nele, a Sagrada Família é representada de uma forma pouco convencional.

Por outro lado, a mão esquerda da Virgem parece direcionada para o sexo de seu filho. Por outro lado, em torno da família em primeiro plano, aparecem várias figuras nuas.

Essas figuras, o Ignudi, que aqui são adolescentes, serão novamente representados com um aspecto mais adulto em outra obra de Michelangelo: Capela Sistina.

6. Afrescos da Capela Sistina

Em 1508, Michelangelo iniciou uma das obras mais importantes a pedido do Papa Júlio II, que o havia chamado a Roma alguns anos antes para projetar seu túmulo.

Conhecido pelo seu desprezo pela pintura, Miguel Ángel aceitou a obra sob protesto, razão pela qual durante o processo escreveu várias cartas em que manifestou o seu descontentamento.

Portanto, os afrescos da Capela Sistina são um feito impressionante que ainda hoje deslumbra o mundo.

Teto

De 1508 a 1512, Michelangelo pintou o teto da capela. Foi um trabalho intensivo em que se demonstrou um domínio total da técnica de afresco e desenho.

A técnica de afresco é aplicada sobre base úmida, o que significa que o processo deve ser rápido e sem correções.

Assim, é impressionante imaginar que durante quatro anos o artista pintou figuras colossais e coloridas deitadas, em um espaço de 40 x 14 metros, mal contando com seus desenhos.

A tinta escorrida afetou sua visão, e ele também sofreu as consequências do isolamento e do desconforto da posição em que trabalhava. Mas esses sacrifícios resultaram em uma das maiores obras da pintura.

O teto é dividido em nove painéis que resumem o livro do Gênesis, ao mesmo tempo que evocam os profetas do Antigo Testamento e as Sibilas da antiguidade greco-romana.

O julgamento final

Tudo visa mostrar uma ligação entre a chamada “História da Criação” e a “História da Salvação ”, representado por Cristo, que não aparece no teto mas aparece no altar, na famosa cena Conhecido como Juízo Final, pintado 20 anos após o teto (1535-1541).

É uma composição pictórica com mais de 400 corpos originalmente pintados nus, incluindo a Virgem e Jesus Cristo, mas que posteriormente tiveram de ser cobertos.

Veja também análise dos afrescos da Capela Sistina.

7. Tumba do Papa Júlio II

Em 1505, o Papa Júlio II convocou Michelangelo e confiou-lhe o seu túmulo em Roma. A princípio ele queria construir um grande mausoléu, o que agradou ao artista.

Mas, além da grandeza da obra, o papa, com personalidade inconstante, decidiu que queria ser sepultado na Capela Sistina.

Para isso, a Capela precisou de várias transformações. Portanto, Michelangelo teve que pintar os afrescos no teto e no altar primeiro.

O projeto passaria por outras modificações e concessões. Em primeiro lugar, após a morte do papa em 1513, o projeto reduziu suas dimensões e, em segundo lugar, a visão de Michelangelo entraria em conflito com as expectativas dos herdeiros do papa.

Em 1516, um terceiro contrato foi elaborado, e o projeto passaria por mais duas mudanças em 1526 e 1532. A resolução final determinou que o túmulo consistisse apenas em uma fachada e que se localizasse na igreja de San Pietro in Vincoli, em Roma.

Moisés

Apesar de todos os contratempos, e apesar de pouco do sonho ter se concretizado, Michelangelo trabalhou intensamente no projeto do mausoléu por três anos.

Assim, de 1513 a 1515, Michelangelo esculpiu algumas das obras mais emblemáticas de sua carreira, e uma delas, a MoisésHoje exige a visita de todos os viajantes.

O Moisés É uma das esculturas comparáveis ​​ao Pieta do Vaticano em perfeição técnica. Esta escultura e a série do Prisioneiros ou Escravos destinavam-se a decorar a tumba parietal.

Nesta escultura, o personagem e a aparência terrível do personagem se destacam (Terribilità). Assim como o David, expressa uma vida interior intensa, uma força que transcende a pedra da qual a figura foi extraída.

Imponente, ao acariciar sua longa e detalhada barba, Moisés parece garantir com seu olhar e expressão que quem infringir a lei será punido, pois nada escapa da cólera divina.

Veja também análise do Moisés de Michelangelo.

Prisioneiros ou Escravos

Uma série de esculturas conhecidas como Prisioneiros ou Escravos, eles saíram daquele tempo intenso de trabalho.

Duas dessas obras estão concluídas, o Escravo morrendo e ele Escravo rebelde. Ambos estão atualmente no Museu do Louvre, em Paris. Eles deveriam ser colocados nas pilastras do andar inferior.

A sensualidade do Escravo morrendo, cuja postura expressa aceitação, não resistência à morte. Diante disso, o Escravo rebelde, com o rosto não polido, o corpo contorcido e uma posição instável, ele parece se recusar a se subjugar e parece lutar para sair da prisão.

Quatro outras obras resultaram desse período e glorificaram o conceito de não finito. A força expressiva é impressionante, como você pode ver como o artista libertou as figuras dos maciços blocos de pedra.

Ao deixar as obras inacabadas, funcionam como alegorias para um dos temas que acompanharam e atormentaram toda a vida e obra de Michelangelo: o corpo como prisão da alma.

8. Tumbas de Lorenzo e Giuliano de Medici

Em 1520, Michelangelo foi contratado por Leão X e seu primo Giulio de Medici, futuro Papa Clemente VII, para construir uma capela funerária em San Lorenzo, em Florença, onde estão os túmulos de Lorenzo e Giuliano de Medici.

No início, os projetos entusiasmaram tanto o artista que ele garantiu com fervor que os seria capaz de realizá-los ao mesmo tempo. Mas vários problemas surgiram e o projeto dos sonhos se perdeu ao longo do caminho.

O conceito idealizado por Michelangelo teve como princípio a integração entre arquitetura, escultura e pintura. Mas as pinturas nunca foram feitas.

Enquanto trabalhava nos túmulos, eclodiu em Florença uma revolução contra os próprios Médici e, diante desse cenário, Michelangelo interrompeu o trabalho e se posicionou a favor dos rebeldes.

Quando a revolta foi controlada, o Papa o perdoou com a condição de que ele retomasse o trabalho, e Michelangelo continuou o trabalho.

Quando Michelangelo deixou Florença permanentemente em 1524 e foi para Roma, ele deixou a obra incompleta e as esculturas que ele fez foram posteriormente colocadas em seus devidos lugares por outros pessoas.

O que nos alcançou até hoje são duas tumbas parietais gêmeas, colocadas frente a frente. De um lado, o túmulo de Lorenzo, representado em uma posição passiva e contemplativa, pensando, quase como se o verdadeiro Lorenzo de 'Medici estivesse vivo.

Do outro lado, Giuliano, que em sua época foi um soldado glorioso. Ele é representado ativamente, em armadura e dotado de movimento. A perna esquerda evoca a vontade de erguer a figura colossal e poderosa.

Aos pés de ambos estão dispostas duas alegorias, as Noite e ele Dia (tumba de Lorenzo de Medici), o Crepúsculo e a alvorecer (Tumba de Giuliano de Medici).

O Dia e a alvorecer são figuras masculinas e o Noite e ele Crepúsculo são figuras femininas. Os rostos das alegorias masculinas estão inacabados, sem polimento.

9. Passado Pietàs

Miguel Ángel chegou aos últimos anos de sua vida dotado de força física e necessidade de trabalhar, mas carregou muitos arrependimentos e tormentos.

Ele chegou à conclusão de que durante parte de sua vida viajou por um ideal errado, o ideal de beleza e perfeição na arte e a ideia de que por meio dessa arte ele alcançaria Deus.

Assim, em seus últimos anos, ele se volta para sua outra paixão, o divino, e talvez por isso suas últimas obras tenham o mesmo tema e tenham ficado inacabadas.

O Pietà e a Pietà Rondanini são duas bolas de gude inacabadas, muito expressivas e perturbadoras, especialmente a Rondanini.

Como uma alegoria de todo o sofrimento e turbulência do espírito que Michelangelo carregou durante toda a sua vida, especialmente em nos últimos anos, ele esculpiu seus próprios traços no rosto da Virgem carregando o filho morto na Pietà Rondanini.

O artista abandonou assim o ideal de beleza humana que o marcou durante toda a sua vida e deixou clara a sua convicção de que só na entrega total a Deus pode encontrar a felicidade e a paz.

Michelangelo morreu em 1564 aos 89 anos, em pleno uso de suas capacidades físicas e mentais.

O papa queria enterrá-lo na Basílica de São Pedro, em Roma, mas antes de sua morte Michelangelo expressou seu desejo de ser sepultado em Florença, de onde havia saído em 1524.

Pode interessar a você: As 25 pinturas mais representativas do Renascimento

(Texto traduzido por Andrea Imaginario).