Surrealismo: características e principais artistas

Em 1924, em Paris, André Breton (1896-1966), escritor e poeta francês, escreveu um manifesto após cortar relações com Tristan Tzara, líder do movimento Dada, e assim nasceu o Surrealismo, que muitos consideram o último dos grandes vanguardas.

O surrealismo surge em Paris em 1924. Ele se espalhou pela Europa alguns anos após o término da Primeira Guerra Mundial até a chegada da Segunda Guerra Mundial. Portanto, a influência deste movimento atingiu os nossos dias.

É verdade que o termo surrealismo está associado a André Breton e seu manifesto, mas foi usado pela primeira vez por Guillaume Apollinaire (1880-1918), crítico de arte e escritor francês, no prólogo de sua obra Tetas de tirésias escrito em 1917.

Caracteristicas

O inconsciente e o automatismo

O manifesto de Breton é inspirado no livro de Freud A interpretação dos sonhos, em que o autor explora a ideia de que a mente humana tem um nível oculto denominado inconsciente, é diga o que na maioria das vezes as pessoas não estão cientes, como a palavra indica.

O surrealismo buscou superar essa limitação do inconsciente, permitindo que o subconsciente se expressasse por meio da arte.

Desta forma, o automatismo passou a ser uma das características do Surrealismo, em defesa da expressão artística sem limites e sem controle da razão. Para atingir esse objetivo, os artistas passaram a elaborar obras em estados de transe e hipnose.

Na prática, o automatismo consistia na transposição para papel, tela ou qualquer outro suporte de expressão artística, um pensamento ou sonho diretamente do subconsciente, sem exercer estética ou moral.

O objetivo era que a criação artística fosse automatizada (automatismo) assim como a ação de respirar ou piscar é automática. Foi, portanto, uma tentativa de protestar contra as normas estabelecidas, tanto na arte quanto na esfera social.

Os surrealistas acreditavam que a criatividade que surgia do subconsciente de um artista era mais autêntica e poderosa do que a derivada da consciência. Eles também estavam interessados ​​em explorar a linguagem dos sonhos que acreditavam revelar sentimentos e desejos ocultos.

De uma forma geral, pode-se dizer que a ideia era atingir a maior espontaneidade possível, algo que se revelava mais ou menos facilmente. no desenho e na escrita, mas nem tanto na pintura, pois se trata de uma disciplina muito complexa que não permite tanto espontaneidade.

Outras técnicas e processos criativos

O automatismo nem sempre funcionou bem em outras formas de expressão artística, então outras técnicas foram usadas para alcançar a desejada espontaneidade de criação.

Uma dessas técnicas foi frottage, que consistia em passar um lápis, por exemplo, sobre uma superfície rugosa, criando formas e texturas no suporte para criar um novo trabalho a partir desse material.

Outro exemplo é o decalque, uma técnica em que uma certa quantidade de tinta é jogada contra uma tela ou papel. Esta superfície é dobrada ao meio e quando aberta novamente mostra um padrão de tinta que serve de material para criar uma obra graças ao que provoca no nível do subconsciente.

Outras formas de expressão artística foram utilizadas e experimentadas, sempre no esforço de explorar plenamente a liberdade criativa.

O cadáver requintado foi um processo criativo baseado em um jogo, no qual diferentes artistas criaram desenhos ou poemas juntos. Sem ver o que o outro fazia, a obra ia passando uma a uma e cada artista ia acrescentando uma nova peça ou nova palavra. Ao terminar. o papel foi desdobrado e eles compartilharam o resultado em busca de novas ideias.

Outro processo alternativo de construção artística foi o “objet trouvé”(Objeto encontrado), inventado por Marcel Duchamp (1887-1968). Duchamp foi um pintor, escultor e poeta francês, uma das principais figuras do dadaísmo.

A essa premissa foi adicionado o toque do absurdo, ou seja, a superposição do improvável e estranho, como no caso de o trabalho ligando uma lagosta a um telefone, ou o caso de Meret Oppenheim que cobriu uma xícara e uma colher com cabelo.

Essa forma de construção artística relaciona objetos do cotidiano que normalmente não têm nada a ver com ver uns com os outros, o que causa uma perturbação dos sentidos e, assim, estimula o inconsciente. Tratava-se da justaposição entre o familiar (o objeto comum) e o improvável e o absurdo, o cenário imposto ao objeto.

Artistas surrealistas freqüentemente incorporavam imagens e objetos de outras culturas, especialmente as primitivas. Essa atitude teve, acima de tudo, intenções anticoloniais e antirracistas.

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Principais artistas e obras

Max ernst

Max Ernst (1891, Brühl, Alemanha - 1976, Paris, França) foi um dos pioneiros do dadaísmo e posteriormente ingressou no surrealismo, destacando-se na pintura e na poesia.

Mesmo na Alemanha, Ernst participou ativamente da Primeira Guerra Mundial, fato que o deixou marcas profundas e acabou influenciando seu trabalho como artista. Ser exposto aos horrores da Grande Guerra fez com que ele se posicionasse contra a sociedade e os valores da época de forma mais veemente.

A sua obra caracteriza-se sobretudo pela exploração do absurdo, a construção de cenários fantásticos e do mundo dos sonhos. Ao longo de sua vida artística, ele experimentou várias técnicas, como colagem e frottage, e foi muito influenciado pela arte das tribos nativas americanas.

Salvador Dalí

Salvador Dalí (1904-1989, Figueres, Espanha) é o mais famoso dos surrealistas e seu nome acabou se tornando sinônimo do movimento. Isso aconteceu apesar de, por volta de 1937 e como consequência da transformação de seu estilo e posições políticas, Breton o expulsou do surrealismo. Portanto, Dalí é o mais polêmico.

Em sua obra é muito perceptível a influência da imaginação onírica, ou seja, o mundo dos sonhos. A sua expressão artística foi feita principalmente através da pintura e escultura, mas ao longo da vida também utilizou outras formas e técnicas.

Até deixou a sua marca no cinema, graças à colaboração com dois filmes do realizador espanhol Luis Buñuel (1900-1983): Um cachorro andaluz (1929) e A idade de ouro (1930).

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Além de um artista revolucionário em sua época, Dalí também era um gênio quando se tratava de autopromoção e um verdadeiro showman.

Suas obras giram em torno de três temas principais: o universo e as sensações do ser humano, o simbolismo sexual e as imagens ideográficas. A maior parte de seu trabalho consiste na representação sequencial de um sonho, algo que ele alcançou exercitando sua mente para acessar o subconsciente e dele se inspirar.

Para Dalí, os sonhos e a imaginação foram fundamentais no processo criativo, e ele também defendeu uma variante do automatismo, uma espécie de paranóia. Nesse processo de paranóia, o artista teve que entrar em um estado de alucinação para criar, interrompendo momentaneamente sua racionalidade, apesar de estar consciente em algum grau.

Joan Miro

Joan Miró (1893, Barcelona - 1983, Palma de Mallorca, Espanha) é um dos artistas mais influentes do século XX. As obras mais conhecidas do artista são as suas pinturas, embora também tenha criado como escultor, designer, ceramista, etc.

Como outros artistas, Miró passou por vários movimentos, foi influenciado por eles e também deixou sua marca. Começou, de fato, com o fauvismo, depois passou para o dadaísmo e daí para o surrealismo e o abstracionismo.

Na sua vida artística praticou o automatismo e na pintura procurou distanciar-se o mais possível das convenções como forma de reagir aos princípios burgueses estabelecidos.

Suas primeiras pinturas retratam principalmente formas biomórficas sem contraste. Tematicamente são composições que remetem ao cruzamento entre o mundo fantasmagórico e o dos sonhos. Com suas composições inovadoras, Miró influenciou seus contemporâneos e inúmeras gerações posteriores.

René Magritte

René Magritte (1898, Lessines, Bélgica - 1967, Bruxelas, Bélgica) foi um artista belga e um dos nomes do surrealismo mais aclamado internacionalmente, apesar do fato de que sua fama alcançaria apenas em torno dos anos 50.

Embora seja um dos artistas mais associados ao surrealismo, as obras de Magritte se distanciam do ilusionismo de Dalí e do automatismo de Miró.

Para Magritte, o importante não era tanto o que a obra mostrava, mas o que ela ocultava, ou seja, os motivos ocultos subjacentes. Para ele o importante era representar o mistério, e assim muitas de suas composições pictóricas apresentariam figuras humanas com rostos coberto com um véu, deixando o espectador em eterna curiosidade e insatisfação por nunca poder revelar o que está escondido atrás dele.

Durante sua vida artística, Magritte voltou-se várias vezes para o mesmo tema e também utilizou obras famosas de outros artistas para criar versões surreais.

O humor também desempenhou um papel importante em seu trabalho, e um exemplo disso é A traição de imagens, em que um cachimbo perfeitamente pintado é representado com uma inscrição na tela que diz: "Isto não é um cachimbo."

Na verdade, pode-se argumentar que nem a imagem nem a palavra, que ela descreve negativamente, é um cachimbo. Eles são apenas a representação abstrata de um objeto que está ausente. Assim, de forma aparentemente simples, Magritte força o espectador a pensar e questionar. Na verdade, o próprio artista não se considerava um pintor, mas um pensador que se expressava em imagens.

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(Texto traduzido por Andrea Imaginario).