Cele mai importante 10 picturi baroc
Barocul este o epocă și un curent artistic care a avut loc, în principal, în secolul al XVII-lea. Acest stil artistic are numeroase capodopere, distribuite printre cele mai bune muzee din lume.
În acest articol ne vom concentra pe pictura barocă și vom salva 10 dintre cele mai importante picturi ale sale.
- Articol înrudit: „Ce sunt cele 7 arte plastice? Un rezumat al caracteristicilor sale"
Pictura baroc
Secolul al XVII-lea a fost martorul ascensiunii adevăraților maeștri ai picturii. Artiști precum Velázquez, Vermeer, Rubens sau Ribera au umplut paginile istoriei artei în numeroase feluri. capodopere, esențiale pentru cunoașterea atât a acestei perioade istorice, cât și a evoluției artei în general.
Ca și în majoritatea mișcărilor artistice, barocul nu este un singur stil.. În fiecare regiune și fiecare țară a avut propriile caracteristici, determinate de propriul context economic, religios și social. Astfel, în timp ce în țările catolice acest stil a servit ca vehicul pentru Contrareforma, în regiuni Protestanții au devenit mult mai intimi și mai personali, deoarece a fost promovat de negustorii și burghezii din orase.
- Ați putea fi interesat de: „Cele mai importante 4 caracteristici ale barocului”
Cele 10 picturi principale ale barocului
În continuare, vom face o scurtă excursie prin cele mai importante 10 picturi baroc.
1. Las Meninas, de Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)
Este probabil una dintre cele mai reproduse lucrări picturale și una dintre cele mai cunoscute din lume. Pânza este cunoscută ca Las Meninas, deși numele său original era Familia lui Felipe al IV-lea. Este, fără îndoială, una dintre capodoperele picturii baroce și ale istoriei artei în general.
A fost pictat în 1656 în Cuarto del Príncipe del Alcázar din Madrid și recreează un joc uimitor de lumină și perspectivă. În fundal, reflectate într-o oglindă, vedem busturile monarhilor, regele Felipe al IV-lea și soția sa Mariana a Austriei. În stânga pânzei, Velázquez face un autoportret la șevalet. Interpretările lucrării au fost și continuă să fie foarte variate. Îți pictezi regii și dintr-o dată ești întrerupt de micuța infantă Margarita, care este însoțită de menina și anturajul ei? Oricum ar fi, tabloul cufundă pe deplin privitorul în scenă, de parcă ar fi un alt personaj din ea.
2. Judith și Holofernes, de Artemisia Gentileschi (Galeria Uffizi, Florența)
De câțiva ani, extraordinara opera a Artemisiei Gentileschi își recuperează locul pe care îl merită în istoria picturii. Judit și Holofernes este una dintre capodoperele nu numai ale corpusului său pictural, ci și ale picturii baroc în general.
Artistul ne reprezintă momentul, consemnat în Biblie, în care Judith, eroina evreiască, îl taie capul pe Holofernes, un general babilonian care o vrea. Artemisia reprezintă momentul cu o ferocitate care îți îngheață respirația. Mulți critici au dorit să vadă în grosolănia acestui tablou toată furia și suferința pe care încălcarea căreia a fost victimă cu puțin timp înainte de execuția primei versiuni a picturii, păstrată în Muzeul din Capodimonte, Napoli. În orice caz, minunatul clarobscur, compoziția și dinamismul personajelor fac din această lucrare una dintre cele mai bune mostre ale picturii baroce.
- Articol înrudit: „Cele mai bune 7 muzee din Spania pe care nu le poți rata”
3. Fată care citește o scrisoare în fața ferestrei deschise, de Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresda)
Marele și, în același timp, intim univers pictural al lui Vermeer se reduce, din păcate, la aproximativ treizeci de lucrări recunoscute. Această lipsă de producție artistică îl transformă pe acest artist baroc olandez într-un pictor înconjurat de un halou de mister. Interioarele sale erau extrem de apreciate la acea vreme, deși mai târziu au căzut în uitare și nu au fost revendicate decât mult mai târziu de impresioniștii din secolul al XIX-lea.
Munca care ne preocupă reprezintă perfect acel univers de intimitate domestică caracteristic pictorului. Într-o cameră iluminată de lumina lăptoasă care pătrunde printr-o fereastră deschisă, o tânără se concentrează să citească o scrisoare. Lumea ei privată devine mai inaccesibilă pentru că nu putem ajunge fizic la ea, deoarece masa și perdeaua din prim plan ne împiedică să facem acest lucru. Această pânză este un exemplu frumos de pictură barocă din Țările de Jos și, mai ales, al acelei lumi de personaje evazive și aproape fantomatice care populează opera acestui artist extraordinar.
- Ați putea fi interesat de: „Diferențe între Renaștere și Baroc: cum să le deosebești”
4. Natură moartă, de Clara Peeters (Muzeul Prado, Madrid)
Genul naturii moarte nu a fost foarte apreciat în istoria artei, în ciuda faptului că este a unui gen care necesită detalii deosebite și, bineînțeles, o capacitate incontestabilă de a surprinde texturi și suprafete. O capodopera a genului este, fara indoiala, aceasta Natură moartă a pictoritei Clara Peeters.
În ea, virtuozitatea artistului nu este evidentă doar în reprezentarea atentă a elemente, ci în seria de autoportrete pe care pictorul le-a realizat, ca oglindă, în ulcior și în cupa. Captarea unei reflecții pe o suprafață era ceva care necesita o virtuozitate rafinată, iar Clara își înregistrează capacitatea picturală prin această resursă, precum și o modalitate de a-ți revendica rolul de artist într-o profesie dominată de bărbați.
5. Neîncrederea Sfântului Toma, de Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)
Tema biblică a îndoielii sfântului înainte de învierea lui Hristos este adunată în această lucrare cu un naturalism impresionant. Sfântul Toma introduce un deget în rana pe care Isus o privește pe una dintre părțile lui. Hristos însuși îi călăuzește mâna, încurajându-l să creadă prin dovezi fizice ceea ce nu a crezut prin credință. Această scenă nu fusese niciodată văzută povestită cu atâta, am putea spune, grosolănie. Realismul caracteristic lui Caravaggio este evident în anatomia corpurilor, în ridurile care brăzdează frunțile apostolilor, în unghiile murdare pe care însuși Sfântul Toma le prezintă și, mai ales, în vârful degetului care intră în carnea Hristos. Opera lui Caravaggio este unul dintre cele mai bune exemple că barocul nu este doar teatralitate și fast, ci abordează adesea realitatea cu un naturalism surprinzător.
- Articol înrudit: „Există o artă obiectiv mai bună decât alta?”
6. Hristos răstignit, de José de Ribera (Muzeul Eparhial de Artă Sacră, Vitoria-Gasteiz)
Unul dintre cele mai impresionante crucificate ale picturii baroc. Se păstrează în Muzeul Eparhial de Artă Sacră din Vitoria-Gasteiz, din mănăstirea dispărută din Santo Domingo, și este considerată una dintre cele mai bune reprezentări ale lui Hristos răstignit în pictură. Spaniolă. Pe un fundal neutru și marcat întunecat, care întărește ideea eclipsei biblice care a însoțit moartea lui Hristos, figura lui Isus se înalță pe cruce, cu trupul alb și contorsionat într-o forţat contrapposto. Singura sursă de lumină este trupul său, deoarece până și pânza de puritate este de o nuanță asemănătoare cu lemnul crucii pe care este bătută în cuie. Scena pare să surprindă momentul în care Hristos ridică privirea spre cer și murmură: „Totul s-a terminat. Consumatum est”.
7. Copii care mănâncă struguri și pepene galben, de Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)
Am comentat deja că realismul este, de asemenea, tipic artei baroc. Un bun exemplu în acest sens este această pânză minunată a pictorului Bartolomé Esteban Murillo, păstrată la München, care reprezintă doi copii prost îmbrăcați care mănâncă struguri și pepene galben. Spania secolului al XVII-lea a oferit contraste marcate, iar sărăcia era o vedere comună pe străzile orașelor precum Madrid. Cu această ocazie, Murillo îi reprezintă pe cei doi băieți concentrându-se pe mâncarea lor. Ei nu se uită la privitor; în realitate, ei cu greu observă prezența noastră. În timp ce devorează pepenele galben și strugurii (poate unul dintre puținele alimente la care vor avea acces timp de multe zile), vorbesc calm, așa cum arată privirile lor schimbate. Picioarele goale murdare și hainele uzate adaugă o notă dramatică scenei îndrăznețe.
8. Seif cu Apoteoza monarhiei spaniole, de Luca Giordano (Muzeul Prado, Madrid)
Acest tavan fantastic, realizat la sfârșitul secolului al XVII-lea folosind tehnica frescei false, poate fi văzut în prezent în Biblioteca Muzeului Prado din Madrid. Inițial, bolta a aparținut vechii Săli a Ambasadorilor a Palatului Buen Retiro, un loc de odihnă și petrecere a timpului liber pe care contele-ducele de Olivares a ordonat să fie construit pentru regele Felipe al IV-lea.
După cum indică și numele, Sala Ambasadorilor a fost locul de primire pentru monarh, astfel încât iconografia afișată pe tavanul său este o exaltare a monarhiei hispanice. Giordano creează o compoziție extraordinară, presărată cu alegorii și simboluri extrase din mitologie. care a căutat să evidențieze vechimea coroanei spaniole și preeminența acesteia asupra celorlalte case regale European.
9. cele trei mulțumiri, de Rubens (Muzeul Prado, Madrid)
Se pare că Rubens a realizat această pânză, una dintre cele mai faimoase ale operei sale, pentru propria sa plăcere, dovadă fiind faptul că, la moartea sa, a fost printre colecțiile sale personale. De fapt, trăsăturile femeii din stânga sunt foarte asemănătoare cu cele ale celei de-a doua soții, Helena Fourment, cu care Rubens s-a căsătorit când ea avea doar șaisprezece ani, iar el, cincizeci și Trei. Din vremuri stravechi, Este obișnuit să găsim motivul Grațiilor legate de logodne, așa că nu pare nerezonabil să presupunem că artistul a pictat tabloul ca un tribut adus propriei legături. Cele trei figuri stau voluptuoase și își unesc mâinile în ceea ce pare a fi un fel de dans. Este într-adevăr unul dintre cele mai elegante și senzuale picturi ale artistului.
10. Magdalena penitentă a lămpii, de Georges de La Tour (Muzeul Luvru, Paris)
De La Tour este un pictor fantastic care este renumit pentru clarobscurul rafinat din compozițiile sale, obținut prin strălucirea uneia sau a mai multor lumânări.
În acest caz, tabloul ne arată o Maria Magdalena absorbită în meditația ei. Privirea ei este fixată pe focul lumânării care arde în fața ei, singura sursă de lumină din tablou, așa cum este de obicei în opera artistei. Sfânta își susține capul într-o mână, în timp ce în cealaltă, care se sprijină în poală, ține un craniu, simbol al penitenței și al trecătorului vieții, atât de tipic barocului. Motivul Magdalenei penitente a fost foarte comun în secolul al XVII-lea. De La Tour însuși a realizat până la cinci versiuni ale acestui tablou. În două dintre ele, craniul se află pe masă, iar prin volumul său ascunde focul lumânării, care accentuează și mai mult clarobscurul scenei.
