Edvard Munch: 20 de lucrări strălucite pentru a înțelege tatăl expresionismului

Edvard Munch este un pictor norvegian situat în tranziția din secolul al XIX-lea și al XX-lea și este considerat tatăl expresionismului. Opera sa, scandaloasă pentru mulți, a stârnit admirația tinerilor artiști și a publicului nespecializat. Acestea au fost identificate cu anxietatea generată de industrializarea rapidă și mecanismul predominant.

Pentru artiști consacrați, cauza scandalului a fost în libertatea tehnică a lui Munch. Pentru sectoarele conservatoare, s-a bazat pe faptul că pictorul a abordat în mod deschis subiecte precum sexul, iubirea și, mai presus de toate, boala și moartea, marile sale obsesii.

Stilul său a fost unic datorită faptului că a creat un limbaj autentic și original, o consecință a dialogului liber cu postimpresionismul, art nouveau și avangardă. De aceea, deși Munch a deschis ușile expresionismului, el nu poate fi etichetat în nicio mișcare. Aruncând o privire asupra celor mai importante lucrări ale sale, vom înțelege de ce Munch este un artist unic și irepetabil.

1. Țipătul, 1893

Țipătul Opera lui Munch a declanșat cel mai scandal și, cu toate acestea, astăzi este considerată Mona Lisa de artă contemporană. Reprezintă o persoană androgină a cărei față exprimă angoasă în expresia maximă după ce a auzit sau a rostit un țipăt. Subiectul, prin urmare, percepe lumea ca o masă ondulantă și stridentă. Nimeni în afară de Munch nu mai făcuse acest lucru în artă.

Piesa a fost concepută după perioada în care una dintre surorile sale a fost închisă pentru tentativă de sinucidere, sugerând o anumită legătură cu episodul. Un fapt curios despre Țipătul este că Munch a făcut patru versiuni cu ușoare diferențe între ele, o practică foarte obișnuită la pictor. Cea mai faimoasă versiune este cea din 1893, care a fost furată în 1994 și recuperată la scurt timp după aceea.

2. Anxietate, 1894

da Țipătul Este imaginea disperării individuale Anxietate este expresia angoasei colective pe care Munch o surprinde în sufletul norvegian. Prin urmare, Munch nu este un artist limitat la registrul disconfortului individual, ci este sensibil la disconfortul general care afectează societatea la sfârșitul secolului al XIX-lea, a cărui transformare este mult mai rapidă decât capacitatea sa de procesare schimbări.

Pânza Anxietate Se bazează pe două picturi Munch anterioare. Peisajul în care vedem Anxietate a fost recuperat din pânză Țipătul. Personajele, pe de altă parte, au fost preluate din După-amiaza pe strada Karl Johan. Strategia de preluare a elementelor din cadrul anterior este recurentă în Munch. Pictorul nu numai că „reprezintă” scene, dar elementele care le constituie sunt concepute ca simboluri proprii.

3. Fata bolnavă, 1885-1886

Fata bolnavă corespunde unui stil timpuriu din opera lui Munch, abordând impresionismul. Pânza o înfățișează pe sora mai mică a lui Munch, Sophie, pe patul de moarte din cauza tuberculozei. Până atunci, tânăra avea aproximativ 15 ani.

După cum era obișnuit, Munch a interpretat diferite versiuni ale acestui cântec, care a fost o sursă permanentă de durere și vinovăție pentru el. Acest lucru s-a datorat faptului că pictorul, care suferise de tuberculoză la vârsta de 13 ani, a simțit că trebuie să fi murit în locul surorii sale.

4. Dragoste și durere (vampir), 1893

Munch a intitulat această lucrare Iubire și durere. În ea, el a reprezentat o femeie care îmbrățișează un bărbat care se află pe poala ei, ca și când ar căuta confort. Deși Munch nu a dezvăluit niciodată semnificația personală a operei, titlul original spune multe. Cu toate acestea, când această piesă a fost dezvăluită, a stârnit un scandal imens.

Oamenii au văzut în ea semne sadomasochiste și au interpretat că femeia și-a mușcat gâtul iubitului ca pe un vampir. În consecință, pictura a început să fie cunoscută sub numele de Vampir. Așa a fost scandalul încât, ani mai târziu, acesta a fost unul dintre numeroasele tablouri Munch cenzurate în timpul ocupației naziste din Norvegia.

5. Madonna, 1894

Cutia cunoscută sub numele de Madonna a fost intitulat inițial Femeie iubitoare sau Femeie care iubește. Redenumiți opera Madonna este, fără îndoială, o provocare. Munch a produs cel puțin cinci versiuni cunoscute ale acestei piese.

Artista face o reprezentare a femeii ca și cum ar fi o icoană, pentru a transmite sentimentul de adorație pe care frumusețea și sexualitatea ei o trezesc. Aureola roșie care îi înconjoară capul face aluzie la relația dintre dragoste și durere, chiar și în timpul desăvârșirii actului sexual.

Această ipoteză este justificată deoarece Munch a realizat o versiune gravată, al cărei cadru a inclus motive decorative de spermă care converg pe un făt macabru. În concluzie, pictura este un simbol al ciclului vieții care trece prin sexualitate, procreație și moarte.

6. Cenusa, 1894

Cenusa Este considerată una dintre lucrările cu cea mai mare frumusețe estetică a lui Munch datorită filetării liniilor și a colorării. În compoziție, vedem un om în negru, de culoarea întunericului și a morții. Omul este pierdut într-un colț, parcă și-ar ascunde fața de rușine, cu mâinile la cap. Ne amintește de omul abătut al Dragoste și durere (vampir).

În spatele lui, o femeie îmbrăcată într-o rochie albă, de culoarea purității, și cu un corset roșu, culoarea pasiunii, ridică și ea mâinile. Fața lui exprimă tristețe și îngrijorare. Voalul pasiunii a fost rupt.

Relația dintre imagine și titlu indică un paradox: atunci când pasiunea este consumată, aceasta se risipește. Focul pasiunii lasă doar cenușă. Dar, în plus, gesturile personajelor evocă vinovăția și disperarea. Acest lucru arată că evenimentul sfidează un cod moral. Este adulter? A fost un viol? Trebuie să fie privitorul care îl descifrează.

7. Pubertate, 1894-1895

Pe Pubertate, Munch descrie un tânăr adolescent complet gol. Tânăra are un chip înfricoșător și își ascunde părțile intime. Mai mult decât un simbol al modestiei și inocenței, gesturile sunt un simbol al fricii și al represiunii în fața sexualitatea, pe care Munch a suferit-o în tinerețe, având în vedere rigoarea religioasă a tatălui său și contextul epocă.

Starea de spirit misterioasă a scenei este confirmată de umbra indescifrabilă din fundal, care arată ca un fel de fantasmagorie obsedantă. Importanța acestei lucrări timpurii a lui Munch constă în faptul că reprezintă punctul de schimbare dintre lovitura „impresionistă” și eliberarea tehnicii în slujba lumii psihologice a artistului.

8. Autoportret cu țigară, 1895

Autoportret cu țigară Este una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Munch, pe lângă faptul că este cel mai cunoscut autoportret al său printre numeroasele pe care le-a realizat. Pe pânză, autorul demonstrează o înțelegere și o stăpânire absolută a tehnicii de a reprezenta strălucirea luminii pe fondul întunericului și al fumului.

Procedând astfel, Munch construiește o atmosferă aproape misterioasă care îi atrage atenția asupra feței și a mâinii sale. Chipul pare între nedumerit și surprins, în timp ce mâna, pe lângă faptul că ține țigara, se ridică la nivelul inimii. Dacă fața este semnul identității interioare a subiectului, afectat de instabilitate emoțională, mâna este simbolul artistului plastic.

9. Moarte în cameră, 1895

În copilărie, Edvard Munch a văzut mulți membri ai familiei murind de tuberculoză: mama și tatăl său sunt unele dintre cazuri. Moarte în cameră reprezintă suferința familiei sale prin pierderea surorii sale mai mici, Sophie, pe care nu o vedem. Este un geniu al autorului să concentreze atenția privitorului mai degrabă asupra suferinței emoționale decât asupra morții.

Omul care ridică mâinile într-o atitudine de rugăciune este tatăl său, un religios protestant sever. Se crede că bărbatul care se sprijină pe perete este Munch, întorcându-și spatele la scenă (moarte, afecțiune și credință), în timp ce se uită drept la propria umbră. Se evidențiază faptul că fiecare membru al familiei suferă separat.

10. Două ființe umane (cele singure), 1896

Pânza Două ființe umane nu este altceva decât o alegorie a singurătății. În el vedem un bărbat și o femeie fără identitate, cu spatele privitorului, contemplând orizontul inert. Între cele două pare să existe o distanță insurmontabilă.

Lucrarea, ca multe altele de Munch, a fost tratată de mai multe ori și în diferite tehnici. Atât tema, cât și modul de reprezentare a acesteia confirmă caracterul anxios, singuratic și depresiv al artistului.

11. Sarutul, 1897

Sarutul, din 1897, este una dintre versiunile picturii cunoscute sub numele de Sărutul din spatele geamuluide Munch însuși. Se remarcă modul în care pictorul a reprezentat cele două figuri. Arată ca un singur corp, fără linii despărțitoare între ele. Personajelor le lipsește identitatea, propriile limite.

Fuziunea personajelor nu poate fi citită romantic, deoarece atmosfera întunecată și grea a scenei sugerează și apropierea morții. Impactul generat de această serie a fost de așa natură încât a inspirat celebra lucrare Sarutulde Gustav Klimt.

Vă poate interesa: Analiza Sarutulde Gustav Klimt.

12. Fertilitate, 1898

Pe pânză Fertilitate de la Munch vedem o femeie însărcinată, erectă, care poartă fructele abundente ale copacului. În fața ei, bărbatul așezat, prăbușit și aplecat, contrastează. Lângă el se vede un baston căzut. Există o continuitate între om și copac, deoarece primul își sprijină piciorul pe trunchiul copacului.

Arborele ar putea fi interpretat ca arborele vieții. Cu toate acestea, a fost tăiată o ramură, din care rămâne doar un buturug. Pentru a da roade, arborele a fost tăiat, dezmembrat.

Interpretările mai radicale sugerează că Munch își exprimă respingerea față de a avea copii. Fructele ei ar reprezenta sfârșitul fructelor sale. Interpretarea se bazează pe faptul că pictura a fost pictată când Munch se confrunta cu posibilitatea de a se căsători cu Tulla Larsen, un angajament care nu a fost niciodată consumat.

13. Întâlnire în spațiu, 1898

Pe Întâlnire în spațiu vedem un bărbat și o femeie gravitând în spațiu. Lucrarea reprezintă un moment erotic, delimitat nu numai de corpuri și gesturi, ci și de linii aluzive la sperma care se mișcă în jurul figurilor. Fețele sunt îndepărtate una de cealaltă. Femeia pare aproape indiferentă. Omul pare eliberat. Piesa arată versatilitatea tehnică a autorului, precum și simbolurile și resursele expresive.

14. Dansul vieții, 1899

Dansul vieții este o metaforă a etapelor vieții și a iubirii. Este o scenă în aer liber, al cărei fundal este un cer albastru profund deasupra unui lac norvegian. Pe cer, vedem soarele nordic și reflexia acestuia în apă, unul dintre simbolurile care se repetă în mod constant în picturile pictorului.

În prim-plan, vedem aceeași femeie în trei etape: o tânără fecioară în alb în stânga. În dreapta, o femeie singuratică îmbrăcată în negru. În centru, femeia și bărbatul ei dansează de parcă lumea nu ar exista. Roșul rochiei simbolizează viața și pasiunea. Cuplul ar putea fi Tulla Larsen și Munch.

În jurul lor, dansează alte personaje. În spatele femeii în negru, un bărbat grotesc este văzut gata să abuzeze de o femeie. Importanța acestei lucrări constă în felul în care Munch reușește să transmită complexitatea angoasei sale interioare în jurul etapelor vieții, pe care le circumscrie iubirii.

15. Moartea lui Marat, 1907

Într-o perioadă a vieții sale, Munch s-a dedicat realizării diferitelor versiuni ale Moartea lui Marat. Dintre aceste versiuni, vă prezentăm una realizată în 1907. Marat a fost un jurnalist și politician francez din secolul al XVIII-lea, care a fost asasinat de Charlotte Corday.

Seria pare să-l aibă pe Munch însuși ca referință masculină, consolidând astfel ideea că pictorul se simțea victima femeilor. Din punct de vedere estetic, lucrarea se remarcă prin utilizarea liniilor ca formă de colorare. Este un fel de raionism care rupe cu stilul modernist al liniei curbe și cu utilizarea suprafețelor colorate dense.

16. Băieții bărbați, 1907

Băieții bărbați de Munch se remarcă prin caracterul său viu și vibrant, care se opune atmosferelor ondulate și întunecate ale multor dintre pânzele sale. Scena înfățișează un grup de bărbați pe o plajă nudă, unde Munch își petrecea o perioadă de recuperare.

Munch își arată priceperea pentru desen anatomic, precum și priceperea pentru colorat. Tehnica implementată este hrănită de principii impresioniste și rayoniste și, în unele aspecte, pare să dialogheze cu fauvismul.

17. Soare, 1909-1911

Soare este o pictură murală monumentală de Edvard Munch găsită în Universitatea din Oslo. În acest sens, Munch explorează noi limbaje plastice care îl apropie de avangardă abstractă, în special Kandinsky, reprezentant al grupului Der Blaue Reiter, și abstractizare lirică.

Simbolismul de aici atinge expresia maximă. Soarele devine o metaforă a divinului, care își radiază lumina asupra lumii și curăță umbrele ignoranței. Cu această lucrare, Munch își demonstrează încă o dată libertatea creativă, ceea ce explică de ce nu poate fi etichetat într-un singur stil sau mișcare. Munch se dezvăluie ca un artist unic în inovație constantă.

Ați putea fi, de asemenea, interesat de: Expresionism: caracteristici, opere și autori.

18. Cal galopant, 1912

In cadru Cal galopant, vedem un cal trăgând o sanie de zăpadă cu un om la bord. Detaliul atrăgător se află pe traseu, care se remarcă ca fiind excesiv de îngust pentru feat.

Expresia înspăimântată a calului și dispoziția oamenilor de pe marginea drumului ne oferă să înțelegem un pericol iminent. Copiii din dreapta încearcă să scape, în timp ce adulții din stânga așteaptă neobosiți înainte de a se muta. Este o nouă abordare a subiectului fricii și anxietății, atât de prezentă în autor.

19. Muncitori în zăpadă, 1913

Edvard Munch a fost, de asemenea, sensibil la realitatea socială din jurul său. Diferitele picturi pe care le-a făcut despre muncitori sunt dovada acestui lucru, cum ar fi această pânză numită Muncitori în zăpadă.

În prim-plan, Munch reprezintă trei muncitori care stau în fața privitorului, cu lopatele lor ca punct de sprijin. În ele puteți simți forța, dar și oboseala și îmbătrânirea.

Pumnul ridicat al muncitorului aranjat în centru, face o presimțire a unei cereri sau cereri. Acești trei bărbați par a fi în brațe. În spatele acestor trei personaje, ceilalți muncitori își continuă munca, ignorând privirea artistului și a societății.

20. Autoportret între ceas și pat, 1940-1943

Autoportret între ceas și pat este o pictură din ultima etapă creativă a lui Munch. Munch a profitat de pânză pentru a simboliza apropierea morții, plasându-și silueta între un ceas de bunic și pat. Ceasul reprezintă trecerea de neoprit a timpului, iar patul reprezintă moartea ca pat final, ca odihnă eternă.

Un detaliu se evidențiază prin contrast: în timp ce ceasul are un design antic, husa de pat are un design geometric modern. Cu aceasta, Munch exprimă conștiința despre schimbarea dramatică a timpurilor pe care a trebuit să le trăiască.

În spatele lui Munch se poate distinge un fel de cameră în care este implicată prezența unor lucrări referențiale ale vieții sale artistice, cărora le-a dedicat toate eforturile.

Vezi si: Analiza cadrelor Țipătul de Edvard Munch.

Biografie

Edvard Munch este un pictor și tipograf norvegian care s-a născut pe 12 decembrie 1863 și a murit pe 23 ianuarie 1944.

Încă de la o vârstă fragedă a trebuit să facă față bolilor și morții. Tuberculoza a revendicat prima dată viața mamei sale, Laura Cathrine Munch, când băiatul avea doar 5 ani. Mai târziu, a provocat moartea surorii sale mai mici, Sophie; cea a unchilor săi și, ani mai târziu, cea a tatălui său, Christian Munch. Chiar și Edvard Munch a suferit de boală la vârsta de 13 ani.

Aceste evenimente l-au determinat pe pictor să dezvolte o groază teribilă de boală și boală. moartea și, prin urmare, a suferit de anxietate și depresie toată viața, ceea ce i-a determinat anchetele artistic.

Munch a început să studieze ingineria în anul 1879, dar a abandonat curând această carieră pentru a se dedica picturii. A fost influențat de arta franceză din secolul al XIX-lea datorită călătoriilor sale la Paris. În jurul anului 1890 a început să picteze proiectul Friza vieții, o serie de tablouri care descriu diferite repere din viața umană, bazate pe propriile sale experiențe.

Deși lucrarea sa a fost la început o sursă de scandal, a ajuns să câștige un loc important în muzeele din țara sa și din Europa. Cu toate acestea, după ocupația nazistă a Norvegiei, în jurul anului 1940, picturile lui Munch au fost cenzurate de invadatori și au fost scoase din exponate.

Cu toate acestea, anul 1942 a marcat consacrarea sa definitivă internațională, fiind obiectul unei expoziții la New York, ca recunoaștere a fructuoasei sale lucrări artistice. Doi ani mai târziu, Munch a murit într-o singurătate totală.