Cele mai reprezentative 25 de picturi ale Renașterii pentru a le înțelege contribuțiile

Marea revoluție picturală a Renașterii a avut loc concret în secolul al XV-lea, cunoscut sub numele de Quattrocento. Într-un mediu de curiozitate intelectuală în creștere, îmbunătățirea și difuzarea picturii în ulei a permis utilizarea pânza ca suport, astfel încât pictura să se poată elibera de pereți, iar acest lucru a favorizat colectarea special.

Astfel, au fost create noi genuri, cum ar fi portretele, și s-a născut interesul pentru peisaj și natura moartă, deși nu încă ca genuri independente. Au apărut și nudurile și temele mitologice, istorice și alegorice necreștine. Temele religioase au rămas la ordinea zilei, dar dintr-o abordare antropocentrică.

În continuare vom face un tur cronologic al celor mai cunoscute picturi ale Renașterii, pentru a surprinde contribuțiile și inovațiile fiecărui artist și evoluția stilului în timp.

1. Sfânta Treime cu Fecioara, Sfântul Ioan și donatorii, de Masaccio (1425-1427)

Proaspăt Sfânta Treime, cu Fecioara, Sfântul Ioan și donatorii Reprezintă punctul de plecare al Renașterii, deoarece marile schimbări plastice și culturale ale vremii se reunesc. Se remarcă perspectiva liniară, clarobscurul și tehnica trompe l'oeil. Bolta de butoi, de inspirație romană, anticipează schimbări în arhitectura renascentistă. Alături de personajele sacre, donatorii sunt portretizați, ceea ce conferă temei religioase un aspect antropocentric. Aceasta dezvăluie stima pe care generația o avea de la sine.

2. Buna Vestire, de Fra Angelico (1425-1426)

Pe Buna VestireFra Angélico moștenește din Evul Mediu gustul pentru detaliile vegetației, dar aduce resurse din Renaștere. El a folosit arhitectura sobră greco-latină și a profitat de liniile sale pentru a accentua perspectiva. Pentru a obține o adâncime spațială mai mare, el a deschis diverse deschideri care creează planuri suprapuse: o ușă duce la o cameră și, aceasta, arată o fereastră discretă în spate. Grădina din stânga se referă la expulzarea din paradis a lui Adam și Eva. În partea de jos, vedem o linie de scene din viața Mariei. Acest tip de linii cu secvențe de scene la baza cadrelor se numesc pre-les.

3. Căsătoria Arnolfini, de Jan van Eyck (1434)

Jan van Eyck a fost un pictor flamand care a perfecționat pictura în ulei și a contribuit la răspândirea ei. Această lucrare specială este unul dintre primele portrete picturale din istorie. Încărcat de simboluri, transmite importanța și demnitatea personajelor, care dețin o poziție socială bună. Cu toate acestea, geniul lui Van Eyck nu este acolo.

Pictorul introduce în fundal o oglindă care se joacă cu planurile de reprezentare. În el, el arată reflectarea a două personaje care nu sunt vizibile în scena principală, creând iluzia că acestea ocupă pozițiile privitorului. Această resursă va fi probabil inspirată Meninas de Velázquez, mai bine de două sute de ani mai târziu.

4. Fecioara Canonului Van der Paelede Jan van Eyck (1434-1436)

Fecioara Canonului Van der Paele corespunde unui gen larg utilizat în Renaștere, numit Conversație sacră (conversație sacră), în care Fecioara ține o conversație cu sfinții într-un cadru intim. În acest caz este inclus donatorul, Canonul Van der Paele, prezentat de Saint George. El calcă pe casula canonului, amintindu-și că este subordonat puterii spirituale. Cu toate acestea, prezența sa pe scenă își revendică rolul social în puterea temporală.

Pânza evidențiază tratamentul hainelor și abundența detaliilor. Strălucirea armurii Sf. Gheorghe oferă o scuză pentru Jan van Eyck să folosească reflexii. Puteți vedea reflexia artistului și a Fecioarei, concepută ca o oglindă imaculată a harului divin.

5. Bătălia de la San Romano, de Paolo Uccello (c. 1438)

Bătălia de la San Romano de Paolo Ucello este un triptic cu scene din bătălia în care Florența a învins Siena în timpul războaielor din Lombardia. Comandat inițial de familia Bartolini, a trecut în curând în colecția Medici. Elementele medievale sunt încă prezente, precum profuzia de detalii care accentuează descriptivul. Cu toate acestea, este considerată o capodoperă datorită utilizării perspectivei și a scurtării.

Scurtarea constă în reprezentarea unui obiect la un unghi perpendicular pe privitor. Le putem vedea în detaliu în panou Dezarmarea lui Bernardino della Ciarda, atât la caii căzuți, cât și la calul spiritat și la calul alb din dreapta.

6. Încoronarea Fecioarei, de Fra Filippo Lippi (1439-1447)

Încoronarea Fecioarei Este o altară pe care Fillipo Lippi a comandat-o de Francesco Moringhi pentru biserica San Ambrosio. În loc de un spațiu ceresc, totul pare să se desfășoare într-un spațiu teatral, evocând o sală regală, la care au fost invitați sfinții, donatorul și însuși Lippi. După cum vedem, Renașterea italiană a insistat asupra unei viziuni antropocentrice a cerului.

7. Coborârea de pe cruce, de Rogier van der Weyden (c. 1443)

Rogier van der Weyden a fost un pictor flamand. Cea mai cunoscută lucrare a sa este Coborârea de pe cruce, pictat inițial pentru Capela Maicii Domnului în afara zidurilor din Louvain. Anatonia nu este excată, deoarece a fost corectată în mod intenționat pentru a favoriza eleganța formală.

Proporțiile sunt, de asemenea, modificate în mod deliberat pentru a distribui corpurile în toată compoziția. Fecioara Maria și Iisus par a fi reflectări reciproce: la fel ca mama, fiul; ca fiul, mama. Pictura câștigă în tratamentul expresiei, îmbrăcămintei și texturilor.

8. Baterea lui Hristos, de Piero della Francesca (1455-1460)

Pe Biciul lui Hristos, Piero della Francesca își rezervă scena religioasă în fundal și se caracterizează prin răceala sa. Nu există emoție în personaje. Tema pare aproape o scuză pentru dezvoltarea programului plastic renascentist, bazat pe în perspectivă liniară, geometrizarea compozițională și exaltarea arhitecturii clasicist. Se confirmă în conversația a trei personaje contemporane, a căror identitate nu este încă determinată.

9. Díptic Melun, de Jean Fouquet (h. 1450)

Jean Fouquet a fost un pictor francez care a reînnoit limbajul artistic al Franței prin influența picturii flamande și italiene. Lucrarea în cauză a fost concepută ca un diptic pentru mormântul soției lui Étienne Chevalier, directorul său. Ambele tabele contrastează între ele.

În panoul din stânga, pictorul i-a reprezentat pe Etienne Chevalier și pe Sfântul Ștefan, patronul său, situat într-un spațiu arhitectural clasic. În dreapta, Fecioara cu Pruncul și îngerii. Pieptul gol al Mariei se referă la ea ca la asistenta umanității. Există credința că fața Fecioarei a fost cea a amantei clientului, Agnès Sorel. Deși subiectul este sacru în aparență, are un puternic caracter profan.

10. Călătoria magilor, de Benozzo Gozzoli (1459)

În Palazzo Medici Riccardi, din Florența, există o cameră numită Capela Magilor, în aluzie la cele trei fresce de Gozzoli care relatează cavalcadele Magilor. Pe lângă faptul că este o capodoperă datorită complexității sale compoziționale, opera este de fapt o exaltarea puterii deținute de familia Medici, ale cărei chipuri se regăsesc în personaje reprezentat.

Vă poate interesa:

• Renaştere
• Caracteristici renascentiste

11. Casa Soților, de Andrea Mantegna (1465-1474)

Andrea Mantegna se remarcă în această frescă pentru utilizarea tehnicilor renascentiste precum trompe l'oeil, într-un efort clar de a estompa granițele dintre pictură și realitate. Imaginea pe care o vedem corespunde doar unuia dintre pereții din Camera soților. La fel ca restul, celebrează gloriile familiei Gonzaga, mari patroni ai timpului lor.

12. Plângere asupra lui Hristos mort, de Andrea Mantegna (1475-1478)

Dacă într-un moment dat Andrea Mantegna se depășește pe sine, este în Plângere asupra lui Hristos mort. Piesa se remarcă prin utilizarea sa magistrală a tehnicii de scurtare. Cu această resursă, Mantegna încorporează privitorul în scenă și provoacă modelul compozițional tradițional. Se remarcă și reprezentarea facțiunilor personajelor. Maria nu este o tânără fecioară, ci o față îmbătrânită de durere. Austeritatea scenei subliniază natura teribilă a morții și a dezolării pentru cei în doliu.

Vezi si: Pasiunea lui Hristos în artă

13. Polipticul din San Vicente, de Nuno Gonçalves (1470-1480)

Polipticul din San Vicente Este una dintre capodoperele Renașterii portugheze. Atribuit lui Nuno Gonçalves, reprezintă cincizeci și opt de personaje împreună cu Sfântul Vincențiu, care apare duplicat în panourile centrale, de parcă ar fi o reflecție.

Se remarcă prin reprezentarea diferitelor straturi ale societății portugheze, în atitudini și gesturi în funcție de starea lor. De la stânga la dreapta avem panoul fraților; panoul pescarilor; panoul copilului Don Enrique (Enrique Navigatorul); panoul arhiepiscopal; panoul cavalerilor și panoul relicvei.

14. Adorația Magilor, de Sandro Botticelli (1475)

Adorația Magilor de Botticelli constituie o referință fundamentală a Quatrocento italian. Până la Botticelli, Sfânta Familie a stat pe o parte a scenei, întâmpinându-i pe credincioși din cealaltă parte. Botticelli l-a așezat în centrul compoziției și în vârful unei piramide și a aranjat credincioșii dintr-o parte în alta și chiar unul dintre ei în față.

Pictorul i-a descris și pe magi cu chipurile familiei Medici: Cosimo și fiii săi, Piero il Gottoso și Giovanni. Alți membri ai familiei și aliații lor sunt portretizați, iar Botticelli însuși este inclus în personajul care privește privitorul.

15. Livrarea cheilor cerului către Sfântul Petru, din Perugino (1482)

Această lucrare a lui Perugino a fost comandată de papa Sixtus IV, constructorul Capelei Sixtine. Fresca corespunde ideii transmiterii autorității de la Dumnezeu la Biserică, reprezentată de Sfântul Petru. Opera este o expresie magistrală a propriei lucrări și profunzime a perspectivei aeriene a pictorului. În prim-plan, vedem personajele principale: Iisus, apostolii și diverse figuri renascentiste. În ultima, clădirea centrală octogonală a plantei, simbol al universalității papalității.

16. Nașterea lui Venus, de Sandro Botticelli (1482-1485)

Nașterea lui Venus, de Sandro Botticelli, a făcut inițial parte dintr-o piesă de mobilier și probabil de aceea nu vedem o dezvoltare atât de exhaustivă a peisajului. Atenția pe care o primește are în parte legătură cu tratarea subiectului, care nu mai este un subiect sacru. Participăm la mitul originii lui Venus sau Afrodita, zeița fertilității și a erotismului.

Cu această lucrare, Botticelli a legitimat reprezentarea nudului feminin cu tot corpul în artă pe subiecte profane. Dar Venus nu este aici un personaj expus în totalitate, ci o Venus modestă, care cu părul ei îi acoperă „rușinea”. Astfel, acest nud a fost justificat ca reprezentare a Virtutii în contextul gândirii filosofice a vremii.

Vezi si Nașterea lui Venus de Sandro Botticelli

17. Fecioara Stâncilor, de Leonardo da Vinci (1483-1486)

Această piesă a lui Leonardo a fost comandată de călugării din San Donato, ceea ce explică centralitatea temei religioase. Leonardo a modificat un element al tradiției Renașterii: în locul unui peisaj arhitectural, a încadrat scena într-un peisaj natural stâncos. Cifrele formează o piramidă și sunt conturate delicat grație uneia dintre cele mai recunoscute jocuri de noroc ale pictorului: tehnica de sfumato.

Vă poate interesa: Lucrări fundamentale ale lui Leonardo da Vinci

18. Portretul Giovanna degli Albizzi Tornabuoni, de Domenico Ghirlandaio (1489-1490)

Această lucrare de Ghirlandaio este o expresie exemplară a genului portretistic în Renaștere. În conformitate cu valorile reînviate ale antichității clasice, acesta prezintă proporții și trăsături idealizate, precum și o expresivitate reținută sau absentă. Pentru a vă arăta trăsăturile de caracter, sunt incluse câteva obiecte personale: bijuterii oferă relatarea vieții sale publice, în timp ce cartea de rugăciuni și rozariul dau o relatare a vieții sale spiritual.

19. Ultima cina, de Leonardo da Vinci (1498)

Ultima cina Este una dintre cele mai cunoscute opere ale lui Leonardo. Se remarcă prin referințele intelectuale și filosofice încorporate în scenă, dar și pentru drama ei. Fără a renunța la echilibrul Renașterii, opera este încărcată de tensiune emoțională și psihologică în personajele sale, provocând răceala aparentă a multor compoziții anterioare. Starea sa proastă de conservare este parțial rezultatul încercării lui Leonardo de a amesteca tempera și ulei pentru a face corecții pe tencuială.

Vezi si:

• Cina cea de Taină de Leonardo da Vinci
• Mona Lisa sau La Gioconda de Leonardo da Vinci
• Omul vitruvian de Leonardo da Vinci

20. Santo Domingo și Albigienii sau Testul focului, de Pedro Berruguete (1493-1499)

Spaniolul Pedro Berruguete reprezintă un pasaj conform căruia s-ar fi propus Santo Domingo de Guzmán construiți un foc pentru a testa cărțile grupurilor eretice din orașul Albi, Franţa. Focul consumă cărțile eretice, în timp ce cartea canonică plutește în aer.

Lucrarea exprimă mentalitatea politică a erei monarhilor catolici, care au căutat unitatea regatului luptând cu erezia. În mod formal, se remarcă prețiozitatea detaliilor, în mod clar inspirație flamenco, precum și gustul pentru aurire, derivat din gotic și foarte apreciat la începutul Renașterii.

21. Auto portret, de Albrecht Dürer (1500)

Albrecht Dürer a fost un mare maestru al Renașterii germane. Acest faimos autoportret, care la prima vedere pentru o icoană a lui Iisus Hristos, arată două inscripții cheie: în dreapta scrie „mă pictez cu culori de neșters”. În stânga, data care îi arată vârsta, 28 de ani.

Frontalitatea portretului său este destul de îndrăzneață. Sfidând tradiția, care a rezervat această poziție pentru icoanele lui Isus - și, de asemenea, gestul mâinii, ușor modificat-, Dürer joacă inversarea identității cu referentul religios și confundă deliberat vizualizator.

22. Dogul Leonardo Loredan, de Giovanni Bellini (1501)

Giovanni Bellini, un pictor în slujba Republicii Veneția, oferă acest magnific portret al dogelui Leonardo Loredan. În această lucrare strălucită reușește să depășească sentimentul de hieratism grație bogăției expresive a feței și tratamentului fin al texturilor și al îmbrăcămintei. În ceea ce privește acestea din urmă, este surprinzător modul în care Bellini reușește să reprezinte strălucirea țesăturilor orientale.

23. Mona Lisa, de Leonardo da Vinci (1503-1506)

Mona Lisa Este, fără îndoială, cea mai faimoasă lucrare a lui Leonardo da Vinci. Ea este o expresie a maturității stilului leonardesc în termeni de claroscur și tehnici de claroscur. Esfumato, care constă în estomparea marginilor figurilor, astfel încât integrarea în spaţiu. De asemenea, arată tehnica peisajului din fundal, care deschide spațiul pentru a oferi o adâncime mai mare. Totuși, această lucrare, precum și toată opera lui Leonardo, nu aparține Quattrocento, ci Înaltei Renașteri, numită uneori și a doua Renaștere.

Vezi si: Mona Lisa sau Gioconda de la Mona Lisa de Leonardo

24. Școala din Atena, de Rafael Sanzio (1510-1511)

Dacă ceva reprezintă spiritul cultural al Renașterii, acesta este fresca Școala din Atena, de Rafael Sanzio, una dintre scenele din „Camerele Vaticanului” sau „Camerele lui Rafael”. Vedem o manipulare magistrală a perspectivei liniare și o adâncime accentuată de deschiderile bolților de butoi care se deschid spre spațiul deschis.

Într-un mediu arhitectural de inspirație clasică clară, o multitudine de referințe filosofice și științifice amintesc valoarea rațiunii și a cunoașterii. Platon și Aristotel sunt protagoniștii. Vedem și Ptolemeu, Heraclit, Hipatia, Homer și, ca de obicei, unele chipuri contemporane. Rafael însuși, prezentat ca Apelles, nu putea lipsi.

Vă poate interesa:

• Școala din Atena de Raphael Sanzio
• Viața și opera lui Rafael Sanzio

25. Frescele din tavan în Capela Sixtină, de Michelangelo Buonarroti (1508-1512)

A vorbi despre Michelangelo Buonarroti, precum și despre pictorii Cinquecento italian, înseamnă a intra în Înalta Renaștere. Prin urmare, ne apropiem de manierism, al cărui Buonarroti va fi unul dintre exponenții săi. Frescele din Capela Sixtină sunt cele mai celebre lucrări picturale ale sale.

Există nouă scene care povestesc pasaje din Geneza și toate duc la Judecata de Apoi, un perete pictat la aproximativ două decenii după tavan. Pe acest zid, Sfântul Bartolomeu, un mucenic jupuit, își atârnă pielea antică. Dar în ea puteți vedea fața lui Michelangelo. După cum putem vedea, artistul este, de asemenea, portretizat, dar nu ca artiștii Quattrocento care și-au sărbătorit gloriile pământești, ci ca recunoaștere a nevredniciei lor.

Vezi si:

• Frescele Capelei Sixtine
• Analiza Frescului Creația lui Adam de Michelangelo
• Lucrările geniale ale lui Michelangelo