20 de picturi suprarealiste explicate

Surrealismul a fost o mișcare de avangardă care a apărut în 1924 după publicarea Manifest suprarealist de André Breton. Inspirat de psihanaliză, el a căutat reprezentarea subconștientului în artă prin imaginație și automatism. Artiști precum Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró și René Magritte au salutat această mișcare.

Cu toate acestea, înainte și după această avangardă, suprarealistul a fost prezent la mulți artiști evocând lumea viselor, fantezia, imaginația, asociațiile de apariție și improvizaţie. Acest articol colectează o listă cu 20 de picturi suprarealiste, majoritatea înscrise în mișcare. De asemenea, sunt incluse unele care au stabilit un precedent sau au fost influențate de acesta.

1. Persistența memoriei, Salvador Dali

Imagine Persistența memoriei de Salvador Dalí este o referință fundamentală a suprarealismului și, în special, a operei acestui pictor. În fundal, vedem un peisaj care ne amintește de linia leonardescă. Lumina este un element caracteristic al lui Dalí. În prim-plan, ceasurile moi anunță relativitatea timpului. Spațiul este, de asemenea, relativizat prin intermediul luminilor opuse. O figură fără formă se află pe suprafața universului pictural. Unii văd în trăsăturile ei fața lui Dalí.

2. Elefanți, Salvador Dali

Dalí surprinde în această pânză pentru proeminența golului încadrat de doi elefanți mari cu picioare extrem de subțiri și lungi, ca niște insecte. Cu aceasta, forța asociată cu aceste animale se confruntă cu un paradox. Două obeliscuri prăbușite plutesc pe spatele lor.

Este o referință la sculptura lui Bernini din Plaza de Minerva (Roma). Pentru baroc, obeliscul era un simbol al înțelepciunii, iar elefantul era simbolul robusteții necesare pentru a-l purta. În pânza daliniană, dedesubt, două figuri antropomorfe arată minuscule și nesemnificative lângă portentele pahidermice.

3. Marele masturbator, Salvador Dali

Întreaga pictură subscrie la programul suprarealismului, hrănit de teoriile psihanalizei, în special ale subconștientului și libidoului. Dalí prezintă câteva simboluri recurente ale pictorului: furnici, un homar, un peisaj marin și un leu sunt unele dintre ele. Scena este o alegorie sexuală complexă, care amestecă simbolurile dorinței cu simbolurile purității (crinul), permițându-i să expună un subiect tabu în generația ei: mulțumirea.

4. Compoziție moale cu fasole fiartă (Presimțirea războiului civil), de Salvador Dalí

Construcție moale cu fasole fiartă sau Presimțirea războiului civil este o pânză deosebit de mișcătoare. Ne prezintă același corp rupt în două jumătăți care, chiar și așa, par să se atace reciproc. Pe pământ puteți vedea o mână de fasole fiartă (fasole sau fasole), poate un simbol al foametei care a domnit în Spania, poate un simbol al „indigestibilului” conflictului. Această reprezentare a unui corp dezmembrat este alegoria războiului civil.

Vă poate interesa:

• 11 tablouri memorabile de Salvador Dalí.
• Persistența memoriei, de Salvador Dalí.

5. Trădarea imaginii (Asta nu este o teava) de René Magritte

René Magritte joacă pe această pânză cu teoria semnelor. Prin utilizarea imaginilor și a cuvintelor, el își dă seama de inadecvarea semnului la referentul său: țeava pictată pe pânză nu este o țeavă reală, dar nici cuvântul „țeavă” nu este. Imaginea și cuvântul sunt doar reprezentări care înlocuiesc adevărata realitate. El dă o lovitură teoretică conceptului de artă occidentală, bazat pe imitația naturii, și stă la pragul artei conceptuale.

6. Lampa filosoficăde René Magritte

Două elemente domină compoziția: un bărbat care fumează o pipă în același timp când aceasta se închide peste nas; și o lumânare aprinsă care se topește îmbrățișând o masă. Compoziția pare să acuze „autoreferențialitatea gândirii”. Potrivit cercetătorului María Ángeles Arenal García, în lucrarea sa intitulată Magritte, vânătorul de similitudini pierdute:

Fumătorul, care oferă privitorului o privire jalnică de autocompătimire, este clar Magritte, care, denunțând circularitatea gândului său, ne dezvăluie indirect fertilitatea imaginației voastre, care are puterea de a transforma o lumânare într-o formă agilă și morbidă și actul de a fuma o metaforă de investigare filosofic.

7. Fiu al omuluide René Magritte

Pe Fiu al omului, Magritte a interpus un măr între fața personajului și privitor. Identitatea bărbatului rămâne ascunsă. Mărul apare recurent în opera lui Magritte, uneori asociat cu „ideea” și alteori ca rod al cunoașterii și libertății, precum și rodul biblic care conține cunoașterea binelui și gresit. Numele operei, Fiu al omului, este o referință biblică.

Ați putea dori, de asemenea:

• Surrealismul: caracteristici și artiști principali.
• Avangardă.

8. Ora Observatorului - Iubitoriide Man Ray

Man Ray s-a implicat în dadaism și suprarealism. În această lucrare, el lucrează cu elemente erotice care fac aluzie la psihanaliza freudiană. Pânza își ia jumătate din numele de la serviciul de telefonie care oferă timpul Observatorului. Într-adevăr, în banda inferioară vedem observatorul pe care Man Ray îl contempla în fiecare zi în plimbările sale prin Grădinile Luxemburgului. Suspendate pe cer vedem o pereche de buze, o alegorie a corpurilor iubitoare unite. Astfel se subliniază plinătatea orei sau a timpului iubirii.

9. Ecuația shakespeariană, a douăsprezecea noaptede Man Ray

Man Ray prezintă o pânză inspirată din comedia lui Shakespeare A douăsprezecea noapte (Noaptea a doisprezecea), de asemenea cunoscut ca si Noaptea regelui. Asociați obiecte fără nicio relație aparentă între ele și creați fire complexe, cum ar fi relațiile personajelor shakespeariene. Printre aceste obiecte se remarcă un ou de struț și un obiect falic, care sunt, în același timp, referințe la alte lucrări ale lui Ray. Pictorul subliniază interreferențialitatea cu acest gest, atât în ​​relația dintre literatură și pictură, cât și în pictura însăși.

10. Eu și satulde Marc Chagall

Marc Chagall nu poate fi circumscris unei mișcări specifice. Opera sa poate fi considerată, într-o anumită măsură, ca un antecedent al suprarealismului în măsura în care este dotată cu elemente onirice și imaginative. În această pânză, o față verde contemplă o vacă, un simbol matern. Scena este completată cu trimiteri la ordinea zilnică a copilăriei, împletită într-o atmosferă visătoare și colorată.

11. Celebesde Max Ernst

Max Ernst a fost un artist care a trecut și el între dadaism și suprarealism. În această lucrare, el imită tehnica colaj prin reprezentarea diferitelor texturi ale materialelor și prin realizarea de asociații aparent aleatorii. Fundalul rătăcește între un cer și un univers marin. Figura principală, în aparență asemănătoare unui elefant, are conotații sexuale, la fel ca și turnul drept, un simbol falic. O ipoteză interpretativă sugerează că coroana cu coarne de pe trunchiul monstrului și corpul feminin fac aluzie la mitul violului din Europa.

12. Peisaj catalan (Vânătorul), de Joan Miró

Joan Miró este considerat unul dintre cei mai importanți artiști ai suprarealismului datorită particularității metodelor și stilului său. Această lucrare se remarcă prin procesul de sinteză grafică a elementelor, printre care un țăran sau vânător catalan care a fost rezumat în atributele sale: un triunghi cu un ochi, mustață și barbă, o țeavă, o ureche și un barretina. Restul elementelor dezvăluie un peisaj catalan arid și, în partea de jos, se referă la tradiția catalană cunoscută sub numele de înmormântarea sardinei.

Ați putea dori, de asemenea: Joan Miró: 20 de lucrări cheie explicate.

13. Mamă, tata este rănit!de Ives Tanguy

Ives Tanguy făcea parte din cercul lui André Breton și era considerat un suprarealist abstract. În această pânză, el prezintă o scenă dezolantă cu figuri disproporționate și disproporționate, care ne atrag atenția și mai mult atunci când analizăm titlul: "Mamă, tata este rănit!". Această interacțiune între cuvinte și opera picturală creează o stare mentală diferită în observator, care nu găsește elemente pe pânză pe care să le țină, cel puțin nu într-o lectură rapidă.

14. Cele invizibilede Yves Tanguy

După al doilea război mondial, Tanguy a plecat să locuiască în Statele Unite. Influențat de stilurile și colecțiile pe care le-a cunoscut, a început să implementeze figuri cu părți biomorfe și piese mecanice pe spații, ca în această pânză. Figurile, ca fantasmagoriile, sunt ridicate pe un spațiu vag și inert. Potrivit experților, aceste cifre evocă îngrijorarea suprarealiștilor din acea perioadă pentru ființele din o alta lume, un fenomen căruia îi lipsește o explicație rațională.

15. Autobiografia unui embrionde Eileen Agar

Eileen Agar este o artistă britanică. În această lucrare, artistul ia în considerare postulatele mișcării suprarealiste. Împarte pânza în patru părți și strecoară în ele reminiscențe ale artei grecești. Vom vedea, de asemenea, aluzii la arta africană, la Renaștere, adică o evocare a patrimoniului cultural, așa cum este definit de Tate Modern din Londra, protector al acestei piese. De asemenea, vedem figuri care arată ca celule și elemente ale lumii biologice.

16. Ce mi-a adus apade Frida Kahlo

Frida Kahlo a fost o pictoră mexicană care a fost asociată cu suprarealismul, deși nu s-a perceput în acest fel. Oricum ar fi, pânza Ce mi-a adus apa tocmai cel care i-a adus acest epitet, de mâna lui André Breton, curator al primului său spectacol la New York. Această pânză trece în revistă istoria personală a Fridei Kahlo: rădăcinile ei culturale și ancestrale, bolile, ideile și sexualitatea ei.

Vă poate interesa: Frida Kahlo: biografie, picturi, stil și fraze ale artistului mexican.

17. Coloana spartăde Frida Kahlo

Coloana spartă Este o pânză de Frida Kahlo care reprezintă suferința fizică. Nu numai că a fost victima poliomielitei și a fibromialgiei, dar artista a suferit în tinerețe un accident care a provocat leziuni grave la nivelul coloanei vertebrale. Frida Kahlo reprezintă acea suferință din acest autoportret în care trunchiul pe jumătate gol este deschis pentru a arăta o coloană veche în ruine, în timp ce corpul său este împovărat de mici dureri care reprezintă cuie.

18. Cadavru rafinat

Suprarealiștii practicau frecvent o tehnică numită „cadavru rafinat”, împrumutată din literatură. Un cadavru rafinat constă din următoarele: o persoană face un desen spontan (automat) pe un segment al hârtiei. Odată ce acest lucru este făcut, el împăturește hârtia pentru a ascunde desenul și îl trimite unui alt participant, care trebuie să facă același lucru în segmentul următor. La sfârșit, hârtia este desfășurată și o piesă este dezvăluită cu mai multe figuri care, așezate împreună, dezvăluie mecanismele subconștientului. Acest specimen pe care îl prezentăm are elemente caracteristice pictorului și dansatorului Valentine Hugo, care a folosit fundaluri negre. Dar este o piesă colectivă, la care au participat diferite personalități precum André Breton.

19. Ochii pe masăde Remedios Varo

Remedios Varo este un pictor spaniol-mexican puternic influențat de suprarealism. În acest tablou vedem jocul imaginativ care separă ochii de ochelarii lui cu gene. Elementele sunt pe o masă care plutește pe o suprafață cu iarbă de densitate mică. Ochii par să privească din exterior instrumentele care ar trebui să le corecteze defectele. Între timp, privitorul vede ochelari ireali, ale căror gene atașate se joacă cu prostii spațiale.

20. Brodând mantia terestră, de Remedios Varo

Brodând mantia Pământului este panoul central al unei opere a lui Remedios Varo care face parte dintr-un triptic. Aceasta se completează cu scenele cunoscute sub numele de Spre Turn Da Evadarea. Aparent, scena face aluzie la momentul în care Remedios Varo țesea în mănăstire în timp ce altcineva citea. Firul izvorăște dintr-o sursă misterioasă din centrul compoziției. Țesătura scapă de limitele turnului și pătrunde lumea cu capacitatea sa creatoare.