Edvard Munch: 20 vynikajúcich prác na pochopenie otca expresionizmu

Edvard Munch je nórsky maliar, ktorý sa nachádza pri prechode z 19. do 20. storočia a je považovaný za otca expresionizmu. Jeho práca, pre mnohých škandalózna, vzbudila obdiv mladých umelcov i laickej verejnosti. Boli identifikované s úzkosťou vyvolanou rýchlou industrializáciou a prevládajúcim mechanizmom.

U etablovaných umelcov bola príčina škandálu v Munchovej technickej slobode. Pre konzervatívne odvetvia to vychádzalo zo skutočnosti, že maliar sa otvorene venoval témam ako sex, láska a predovšetkým choroba a smrť, svoje veľké posadnutosti.

Jeho štýl bol jedinečný vďaka tomu, že vytvoril autentický a originálny jazyk, dôsledok slobodného dialógu s postimpresionizmom, secesiou a avantgardou. Preto aj keď Munch otvoril dvere expresionizmu, nemožno ho označiť v žiadnom hnutí. Pri pohľade na jeho najdôležitejšie diela pochopíme, prečo je Munch jedinečný a neopakovateľný umelec.

1. Výkrik, 1893

Výkrik Práve Munchova práca rozpútala najškandálnejšie a dnes sa napriek tomu považuje za Mona Lisa súčasného umenia. Predstavuje androgýnneho človeka, ktorého tvár po vypočutí alebo vyslovení kriku vyjadruje úzkosť v maximálnom vyjadrení. Subjekt následne vníma svet ako zvlnenú a ráznu masu. Nikto okrem Muncha to predtým v umení neurobil.

Hra bola koncipovaná po období, keď bola jedna z jeho sestier uväznená za pokus o samovraždu, čo naznačuje určitú súvislosť s epizódou. Kuriózna skutočnosť o Výkrik je to, že Munch vytvoril štyri verzie s miernymi rozdielmi medzi nimi, čo je veľmi častá prax u maliara. Najznámejšou verziou je verzia z roku 1893, ktorá bola ukradnutá v roku 1994 a krátko nato sa zotavila.

2. Úzkosť, 1894

Áno Výkrik Je to obraz individuálneho zúfalstva Úzkosť je to výraz kolektívnej úzkosti, ktorú Munch zachytáva v nórskej duši. Preto Munch nie je umelcom obmedzeným na register individuálneho nepohodlia, ale je citlivý na všeobecné nepohodlie ktorá ovplyvňuje spoločnosť na konci 19. storočia, ktorej transformácia je oveľa rýchlejšia ako jej schopnosť spracovať zmeny.

Plátno Úzkosť Je založená na dvoch predchádzajúcich Munchových obrazoch. Krajina, v ktorej vidíme Úzkosť bol získaný z plátna Výkrik. Postavy sú naopak prevzaté z Popoludní na ulici Karla Johana. Stratégia preberania prvkov z predchádzajúcich snímok sa v Munchovi opakuje. Maliar nielen „predstavuje“ scény, ale prvky, ktoré ich tvoria, sú koncipované ako ich vlastné symboly.

3. Choré dievča, 1885-1886

Choré dievča zodpovedá ranému štýlu v Munchovej tvorbe, približujúcemu sa impresionizmu. Na plátne je zobrazená Munchova mladšia sestra Sophie na smrteľnej posteli pre tuberkulózu. Do tej doby mala mladá žena asi 15 rokov.

Ako bolo jeho zvykom, Munch predvádzal rôzne verzie tejto piesne, ktorá pre neho bola permanentným zdrojom bolesti a pocitu viny. Bolo to tak kvôli skutočnosti, že maliar, ktorý vo veku 13 rokov trpel tuberkulózou, mal pocit, že musel zomrieť namiesto svojej sestry.

4. Láska a bolesť (upír), 1893

Munch nazval túto prácu Láska a bolesť. Predstavoval v ňom ženu objímajúcu muža, ktorý jej leží na lone, akoby hľadal útechu. Aj keď Munch nikdy neprezradil osobný význam diela, pôvodný názov hovorí za všetko. Keď však bol tento kúsok odhalený, vyvolalo to obrovský škandál.

Ľudia v nej videli sadomasochistické znaky a interpretovali si, že žena sa hrýzla milenke do krku ako upírka. V dôsledku toho sa maľba začala nazývať Upír. Taký bol škandál, ktorý bol po rokoch jedným z mnohých Munchových obrazov cenzurovaných počas nacistickej okupácie Nórska.

5. Madonna, 1894

Krabica známa ako Madonna mal pôvodný názov Milovníčka alebo Žena, ktorá miluje. Premenujte dielo Madonna je to nepochybne provokácia. Munch vyrobil najmenej päť známych verzií tohto kúsku.

Umelkyňa predstavuje ženu, akoby to bola ikona, aby vyjadrila obdivný pocit, ktorý prebúdza jej krásu a sexualitu. Červené haló, ktoré obklopuje jeho hlavu, naráža na vzťah medzi láskou a bolesťou, a to aj počas dovŕšenia sexuálneho aktu.

Táto hypotéza je oprávnená, pretože Munch vytvoril rytú verziu, ktorej rám obsahoval dekoratívne motívy spermií, ktoré sa zbiehali na morbídny plod. Na záver je to obraz symbolom životného cyklu, ktorý prechádza sexualitou, plodením a smrťou.

6. Popol, 1894

Popol Je považované za jedno z diel s najväčšou estetickou krásou Muncha vďaka niťovaniu čiar a vyfarbeniu. V zložení vidíme muža v čiernom, farbe tmy a smrti. Muž je stratený v kúte, akoby si pred hanbou skrýval tvár, s rukami pri hlave. Pripomína nám to skľúčeného muža Láska a bolesť (upír).

Ruky za ním dvíha aj žena v bielych šatách farby čistoty a s červeným živôtikom, farbou vášne. Jeho tvár vyjadruje smútok a znepokojenie. Závoj vášne sa roztrhol.

Vzťah medzi obrazom a nadpisom poukazuje na paradox: keď sa vášeň spotrebuje, rozplynie sa. Oheň vášne zanecháva iba popol. Ale navyše gestá postáv vyvolávajú vinu a zúfalstvo. To odhaľuje, že udalosť sa vzpiera morálnemu zákonníku. Je to cudzoložstvo? Bolo to znásilnenie? Musí to byť divák, ktorý to dešifruje.

7. Puberta, 1894-1895

On Puberta, Munch zobrazuje úplne nahého mladého tínedžera. Mladá žena má ustráchanú tvár a skrýva svoje súkromné ​​časti. Viac ako symbol skromnosti a nevinnosti sú gestá symbolom strachu a represie tvárou v tvár sexualita, ktorou Munch trpel v mladosti, vzhľadom na náboženskú presnosť jeho otca a jeho kontext epocha.

Tajomnú náladu scény potvrdzuje nerozlúštiteľný tieň v pozadí, ktorý vyzerá ako akási strašidelná fantazmagória. Dôležitosť tohto raného Munchovho diela spočíva v tom, že predstavuje bod zmeny medzi „impresionistickým“ úderom a oslobodením techniky v službách umelcovho psychologického sveta.

8. Autoportrét s cigaretou, 1895

Autoportrét s cigaretou Je to jedno z najslávnejších Munchových diel a zároveň je jeho najznámejším autoportrétom z mnohých, ktoré vytvoril. Na plátne autor demonštruje porozumenie a absolútne zvládnutie techniky reprezentácie žiary svetla uprostred tmy a dymu.

Pritom Munch vytvára takmer tajomnú atmosféru, ktorá upriamuje pozornosť na jeho tvár a ruku. Tvár vyzerá byť medzi zmäteným a prekvapeným, zatiaľ čo ruka okrem držania cigarety stúpa až k úrovni srdca. Ak je tvár znakom vnútornej identity subjektu ovplyvneného emočnou nestabilitou, je ruka symbolom plastického umelca.

9. Smrť v miestnosti, 1895

Počas svojho detstva videl Edvard Munch zomrieť veľa členov rodiny na tuberkulózu: medzi jeho prípady patrí napríklad jeho matka a otec. Smrť v miestnosti predstavuje utrpenie jeho rodiny pri strate jeho mladšej sestry Sophie, ktorú nevidíme. Je geniálnosťou autora zamerať pozornosť diváka skôr na emočné utrpenie ako na smrť.

Muž, ktorý zdvihne ruky v modlitbe, je jeho otec, prísny protestantský rehoľník. Za muža opierajúceho sa o stenu sa považuje Munch, ktorý sa na scéne obracia chrbtom (smrť, náklonnosť a viera), zatiaľ čo sa pozerá priamo na svoj vlastný tieň. Zdôrazňuje sa v ňom skutočnosť, že každý člen rodiny trpí osobitne.

10. Dvaja ľudia (osamelí), 1896

Plátno Dvaja ľudia nie je to nič iné ako alegória samoty. V ňom vidíme muža a ženu bez identity, chrbtom k divákovi, uvažujúcich o inertnom obzore. Zdá sa, že medzi nimi je neprekonateľná vzdialenosť.

Práca, ako mnoho iných od Muncha, bola preberaná mnohokrát a rôznymi technikami. Téma aj spôsob jej znázornenia potvrdzujú úzkostný, osamelý a depresívny charakter umelca.

11. Bozk, 1897

Bozk, z roku 1897, je jednou z verzií maľby známej ako Bozk za oknomsám Munch. Vyniká spôsob, akým maliar predstavoval tieto dve postavy. Vyzerajú ako jedno telo, bez deliacich čiar medzi nimi. Postavám chýba identita, ich vlastné limity.

Splynutie postáv sa nedá čítať romanticky, pretože temná a ťažká atmosféra scény naznačuje aj blízkosť smrti. Dopad tejto série bol taký, že inšpiroval slávne dielo BozkGustav Klimt.

Môže vás zaujímať: Analýza BozkGustav Klimt.

12. Plodnosť, 1898

Na plátne Plodnosť od Muncha vidíme tehotnú ženu, vzpriamenú, ktorá nesie bohaté plody stromu. Pred ňou kontrastuje muž sediaci, skreslený a sklonený. Vedľa neho vidno spadnutú palicu. Medzi mužom a stromom existuje kontinuita, pretože prvý opiera nohu o kmeň stromu.

Strom by sa dal interpretovať ako strom života. Vetva však bola odrezaná, z ktorej zostal iba pník. Aby strom priniesol ovocie, bol orezaný a rozštvrtený.

Radikálnejšie interpretácie naznačujú, že Munch vyjadruje svoje odmietnutie mať deti. Jej ovocie by predstavovalo koniec jeho ovocia. Výklad je založený na skutočnosti, že obraz bol namaľovaný, keď Munch čelil možnosti oženiť sa s Tullou Larsenovou, záväzok, ktorý sa nikdy nedokončil.

13. Stretnutie vo vesmíre, 1898

On Stretnutie vo vesmíre vidíme muža a ženu gravitovať vo vesmíre. Dielo predstavuje erotický okamih, ohraničený nielen telami a gestami, ale aj líniami narážajúcimi na pohyb spermií okolo postáv. Tváre sú od seba vzdialené. Žena sa zdá byť takmer ľahostajná. Muž sa javí ako doručený. Dielo ukazuje technickú všestrannosť autora, ako aj symboly a výrazové prostriedky.

14. Tanec života, 1899

Tanec života je to metafora pre etapy života a lásky. Je to vonkajšia scéna, ktorej pozadím je tmavomodrá obloha nad nórskym jazerom. Na oblohe vidíme severné slnko a jeho odraz vo vode, jeden zo symbolov, ktorý sa neustále opakuje v maliarskych maľbách.

V popredí vidíme tú istú ženu v troch etapách: vľavo mladá dievčina v bielom. Vpravo osamelá žena oblečená v čiernom. V strede žena a jej muž tancovali, akoby svet neexistoval. Červená farba šiat symbolizuje život a vášeň. Pár by mohol byť Tulla Larsen a Munch.

Okolo nich tancujú ďalšie postavy. Za čiernou ženou je vidno groteskného muža pripraveného týrať ženu. Dôležitosť tejto práce spočíva v spôsobe, akým Munch dokáže priblížiť zložitosť svojej vnútornej úzkosti okolo životných etáp, ktoré miluje.

15. Smrť Marata, 1907

Počas svojho života sa Munch venoval tvorbe rôznych verzií Smrť Marata. Z týchto verzií predstavujeme verziu vyrobenú v roku 1907. Marat bol francúzsky novinár a politik z 18. storočia, ktorého zavraždila Charlotte Corday.

Zdá sa, že séria obsahuje samotného Muncha ako mužskú referenciu, čím upevňuje myšlienku, že maliar sa cítil ako obeť žien. Z estetického hľadiska dielo vyniká použitím liniek ako formy vyfarbenia. Je to druh rayonizmu, ktorý narúša modernistický štýl krivky a použitie husto sfarbených povrchov.

16. Kúpajúci muži, 1907

Kúpajúci muži de Munch vyniká svojím živým a pulzujúcim charakterom, ktorý je v protiklade k zvlnenej a temnej atmosfére mnohých jeho pláten. Scéna zobrazuje skupinu mužov na nahej pláži, kde Munch trávil obdobie rekonvalescencie.

Munch predvádza svoje nadanie pre anatomické kreslenie, ako aj predurčenie na vyfarbovanie. Implementovaná technika je vyživovaná impresionistickými a rayonistickými princípmi a v niektorých aspektoch sa zdá, že vedie dialóg s fauvismom.

17. slnko, 1909-1911

slnko je monumentálna nástenná maľba Edvarda Muncha nájdená na univerzite v Osle. Munch v tomto skúma nové plastické jazyky, ktoré ho približujú k abstraktnej avantgarde, najmä Kandinského, predstaviteľa skupiny Der Blaue Reiter, a lyrickú abstrakciu.

Symbolika tu dosahuje svoje maximálne vyjadrenie. Slnko sa stáva metaforou božského, ktoré vyžaruje svoje svetlo na svet a čistí tiene nevedomosti. Touto prácou Munch opäť demonštruje svoju tvorivú slobodu, čo vysvetľuje, prečo nemôže byť označený jedným štýlom alebo pohybom. Munch sa odhaľuje ako jedinečný umelec v neustálej inovácii.

Mohlo by vás zaujímať: Expresionizmus: charakteristika, diela a autori.

18. Cválajúci kôň, 1912

V ráme Cválajúci kôň, vidíme koňa ťahať snehové sane s mužom na palube. Pútavý detail je na stope, ktorá vyniká tým, že je na výkon príliš úzka.

Vystrašený výraz koňa a dispozícia ľudí na okraji cesty nám umožňujú pochopiť bezprostredné nebezpečenstvo. Deti napravo sa snažia dostať preč, zatiaľ čo dospelí zľava čakajú neohrozene, kým sa pohnú. Je to nový prístup k téme strachu a úzkosti, taký prítomný u autora.

19. Pracovníci v snehu, 1913

Edvard Munch bol citlivý aj na sociálnu realitu, ktorá ho obklopovala. Dôkazom toho sú rôzne obrazy, ktoré o robotníkoch vytvoril, napríklad také, ktoré sa nazývalo toto plátno Pracovníci v snehu.

V popredí predstavuje Munch troch pracovníkov stojacich pred divákom s lopatami ako oporou. Cítite v nich silu, ale aj únavu a starnutie.

Zdvihnutá päsť pracovníka usporiadaná v strede naznačuje nárok alebo požiadavku. Zdá sa, že títo traja muži boli v náručí. Za týmito tromi postavami pokračujú ostatní pracovníci vo svojej práci, nedbajúc na pohľad umelca a spoločnosti.

20. Autoportrét medzi hodinami a posteľou, 1940-1943

Autoportrét medzi hodinami a posteľou je to obraz z poslednej Munchovej tvorivej etapy. Munch využil plátno, aby symbolizoval blízkosť smrti, a umiestnil svoju postavu medzi hodiny starého otca a posteľ. Hodiny predstavujú nezastaviteľný čas a posteľ predstavuje smrť ako posledné lôžko ako večný odpočinok.

Jeden detail naopak vynikne: zatiaľ čo hodiny majú starožitný dizajn, posteľná prikrývka má moderný geometrický dizajn. Týmto Munch vyjadruje svedomie o dramatických zmenách čias, ktoré musel prežiť.

Za Munchom možno rozlíšiť akúsi miestnosť, v ktorej je naznačená prítomnosť referenčných diel jeho umeleckého života, ktorým venoval všetko svoje úsilie.

Pozri tiež: Analýza rámu Výkrik od Edvarda Muncha.

Životopis

Edvard Munch je nórsky maliar a grafik, ktorý sa narodil 12. decembra 1863 a zomrel 23. januára 1944.

Od mladého veku sa musel vyrovnávať s chorobami a smrťou. Tuberkulóza si najskôr vyžiadala život svojej matky Laury Cathrine Munchovej, keď mal chlapec iba 5 rokov. Neskôr spôsobil smrť svojej mladšej sestry Sophie; to jeho strýkov a po rokoch jeho otca Christiana Muncha. Vo veku 13 rokov trpel touto chorobou dokonca aj sám Edvard Munch.

Tieto udalosti viedli maliara k strašnej hrôze chorôb a chorôb. smrť, a preto celý život trpel úzkosťou a depresiou, čo rozhodlo o jeho vyšetrovaní umelecké.

Munch začal študovať inžinierstvo v roku 1879, ale čoskoro opustil túto kariéru a venoval sa maľbe. Vďaka výletom do Paríža ho ovplyvnilo francúzske umenie 19. storočia. Okolo roku 1890 začal projekt maľovať Vlys života, séria obrazov znázorňujúcich rôzne medzníky v ľudskom živote na základe jeho vlastných skúseností.

Aj keď bola jeho práca na začiatku zdrojom škandálov, nakoniec si získala významné miesto v múzeách svojej krajiny a Európy. Avšak po nacistickej okupácii Nórska, okolo roku 1940, boli Munchove obrazy útočníkmi cenzurované a boli z exponátov odstránené.

Rok 1942 však poznačil jeho definitívne medzinárodné zasvätenie tým, že sa stalo predmetom výstavy v New Yorku ako uznanie za jeho plodnú umeleckú prácu. O dva roky neskôr Munch zomrel v úplnej osamelosti.