Edvard Munch: 20 briljantnih del za razumevanje očeta ekspresionizma

Edvard Munch je norveški slikar, ki se nahaja na prehodu iz 19. v 20. stoletje in velja za očeta ekspresionizma. Njegovo delo, ki je bilo za mnoge škandalozno, je vzbudilo občudovanje mladih umetnikov in nespecializirane javnosti. Ti so bili identificirani s tesnobo, ki jo povzroča hitra industrializacija in prevladujoči mehanizem.

Za uveljavljene umetnike je bil vzrok škandala Munčeva tehnična svoboda. Za konzervativne sektorje je temeljil na dejstvu, da je slikar odkrito obravnaval teme, kot so seks, ljubezen in predvsem bolezen in smrt, svoje velike obsesije.

Njegov slog je bil edinstven zahvaljujoč dejstvu, da je ustvaril pristen in izviren jezik, kar je posledica svobodnega dialoga s postimpresionizmom, secesijo in avantgardo. Zato, čeprav je Munch odprl vrata ekspresionizma, ga v nobenem gibanju ni mogoče označiti. Ob ogledu njegovih najpomembnejših del bomo razumeli, zakaj je Munch edinstven in neponovljiv umetnik.

1. Krik, 1893

Krik Munchevo delo je sprožilo največ škandalov, vendar danes velja za Mona Lisa sodobne umetnosti. Predstavlja androgino osebo, katere obraz v največji meri izraža tesnobo po zaslišanju ali vpitju krika. Subjekt torej svet dojema kot valovito in grozljivo maso. Nihče razen Muncha tega še ni počel v umetnosti.

Predstava je bila zasnovana po obdobju, ko je bila ena od njegovih sester zaprta zaradi poskusa samomora, kar kaže na nekaj povezave z epizodo. Nenavadno dejstvo o Krik je Munch naredil štiri različice z majhnimi razlikami med njimi, kar je zelo pogosta praksa pri slikarju. Najbolj znana je različica iz leta 1893, ki je bila ukradena leta 1994 in kmalu zatem obnovljena.

2. Anksioznost, 1894

Da Krik to je podoba individualnega obupa, Anksioznost je izraz kolektivne tesnobe, ki jo Munch zajame v norveški duši. Munch torej ni umetnik, ki bi bil omejen na posamezne registre nelagodja, ampak je občutljiv na splošno nelagodje ki vpliva na družbo ob koncu 19. stoletja, katere preobrazba je veliko hitrejša od njene procesne sposobnosti spremembe.

Platno Anksioznost Temelji na dveh prejšnjih slikah Muncha. Pokrajina, ki jo vidimo v Anksioznost je bila obnovljena s platna Krik. Znaki pa so bili vzeti iz Popoldne na ulici Karla Johana. Strategija jemanja elementov iz prejšnjih okvirjev se v Munchu ponavlja. Slikar ne le "predstavlja" prizore, ampak so elementi, ki jih sestavljajo, zasnovani kot lastni simboli.

3. Bolno dekle, 1885-1886

Bolno dekle ustreza zgodnjemu slogu v Munchovem delu, ki je blizu impresionizmu. Na platnu je upodobljena Munchova mlajša sestra Sophie na smrtni postelji zaradi tuberkuloze. Takrat je bila mlada ženska stara približno 15 let.

Po svoji navadi je Munch izvedel različne različice te pesmi, ki je bila zanj trajni vir bolečine in krivde. To je bilo posledica dejstva, da je slikar, ki je pri 13 letih zbolel za tuberkulozo, menil, da je moral umreti namesto sestre.

4. Ljubezen in bolečina (vampir), 1893

Munch je to delo naslovil Ljubezen in bolečina. V njem je predstavljal žensko, ki je objela moškega, ki leži v naročju, kot da bi iskal tolažbo. Čeprav Munch nikoli ni razkril osebnega pomena dela, izvirni naslov zgovorno govori. Ko pa je bil ta kos razkrit, je sprožil velik škandal.

Ljudje so v njej videli sado-mazo znake in razlagali, da je ženska svojega ljubljenega ugriznila v vrat kot vampir. Posledično je slika začela biti znana kot Vampir. Tak škandal je bil, da je bila leta kasneje to ena izmed mnogih Munchevih slik, cenzuriranih med nacistično okupacijo Norveške.

5. Madona, 1894

Škatla, znana kot Madona prvotno je bil naslovljen Ljubiteljica ali Ženska, ki ljubi. Preimenujte delo Madona nedvomno je provokacija. Munch je ustvaril vsaj pet znanih različic tega dela.

Umetnik žensko upodobi, kot da je ikona, da bi izrazil občutek oboževanja, ki se prebuja v njeni lepoti in spolnosti. Rdeča halo, ki obkroža njegovo glavo, namiguje na razmerje med ljubeznijo in bolečino, tudi med končanjem spolnega odnosa.

Ta hipoteza je upravičena, ker je Munch izdelal vgravirano različico, katere okvir je vključeval okrasne motive semenčic, ki se zlivajo na grozljivem plodu. Na koncu je slika simbol življenjskega cikla, ki poteka skozi spolnost, razmnoževanje in smrt.

6. Pepel, 1894

Pepel Zaradi navojev linij in obarvanosti velja za eno izmed del z največjo estetsko lepoto Muncha. V kompoziciji vidimo človeka v črnem, barve teme in smrti. Človek se izgubi v kotu, kot da bi od sramu skril obraz z rokami na glavi. Spominja nas na potrtega človeka Ljubezen in bolečina (Vampir).

Za njim dvigne roke tudi ženska v beli obleki, barve čistosti in z rdečim prsnikom barve strasti. Njegov obraz izraža žalost in zaskrbljenost. Tančica strasti se je strgala.

Razmerje med podobo in naslovom kaže na paradoks: ko se strast porabi, se ta razblini. Ogenj strasti pušča samo pepel. A poleg tega kretnje likov vzbujajo krivdo in obup. To razkriva, da dogodek kljubuje moralnemu kodeksu. Je to prešuštvo? Je bilo posilstvo? Dešifrira ga mora gledalec.

7. Puberteta, 1894-1895

Vklopljeno Puberteta, Munch prikazuje popolnoma golo mlado mladostnico. Mlada ženska ima prestrašen obraz in skriva svoje intimne dele. Geste so bolj kot simbol skromnosti in nedolžnosti simbol strahu in zatiranja pred spolnost, ki jo je Munch trpel v mladosti, glede na očetovo versko strogost in kontekst epoha.

Skrivnostno razpoloženje prizora potrjuje nerazložljiva senca v ozadju, ki je videti kot nekakšna strašljiva fantazmagorija. Pomembnost tega zgodnjega Munchevega dela je v tem, da predstavlja točko spremembe med "impresionistično" kapjo in osvoboditvijo tehnike v službi umetnikovega psihološkega sveta.

8. Avtoportret s cigareto, 1895

Avtoportret s cigareto Je eno izmed najbolj znanih Munchovih del, hkrati pa je tudi njegov najbolj znan avtoportret med številnimi, ki jih je naredil. Na platnu avtor dokaže razumevanje in absolutno obvladovanje tehnike, ki predstavlja sij svetlobe sredi teme in dima.

S tem Munch gradi skoraj skrivnostno vzdušje, ki opozarja na njegov obraz in roko. Obraz se zdi zmeden in presenečen, medtem ko se roka poleg tega, da drži cigareto, dvigne na nivo srca. Če je obraz znak notranje identitete subjekta, na katerega vpliva čustvena nestabilnost, je roka simbol umetnika plastike.

9. Smrt v sobi, 1895

V otroštvu je Edvard Munch videl, da je veliko družinskih članov umrlo zaradi tuberkuloze: nekaj primerov sta njegova mati in oče. Smrt v sobi predstavlja trpljenje svoje družine ob izgubi mlajše sestre Sophie, ki je ne vidimo. Avtor je genialno, da gledalčevo pozornost nameni čustvenemu trpljenju in ne smrti.

Človek, ki v molitveni drži dvigne roke, je njegov oče, hud protestantski vernik. Verjame se, da je moški, naslonjen na steno, Munch, ki je prizorišču obrnil hrbet (smrt, naklonjenost in vera), medtem ko je gledal naravnost v svojo senco. Poudarja dejstvo, da vsak član družine trpi ločeno.

10. Dva človeška bitja (osamljena), 1896

Platno Dva človeška bitja ni nič drugega kot alegorija osamljenosti. V njem vidimo moškega in žensko brez identitete, s hrbtom gledalcu, ki razmišljata o inertnem obzorju. Zdi se, da je med njima nepremagljiva razdalja.

Delo je bilo, tako kot številna druga Munchova, že večkrat zajeto v različnih tehnikah. Tako tema kot način njenega predstavljanja potrjujeta tesnobni, osamljeni in depresivni značaj umetnika.

11. Poljub, 1897

Poljub, iz leta 1897, je ena od različic slike, znana kot Poljub za oknomMunch sam. Izstopa način, kako je slikar predstavljal dve figuri. Izgledajo kot eno telo, brez ločnic med njimi. Likom manjka identiteta, lastne meje.

Zlitja likov ni mogoče brati romantično, saj temno in težko vzdušje prizorišča kaže tudi na bližino smrti. Vpliv te serije je bil tak, da je navdihnil slavno delo Poljubavtor Gustav Klimt.

Morda vas bo zanimalo: Analiza Poljubavtor Gustav Klimt.

12. Plodnost, 1898

Na platnu Plodnost iz Muncha vidimo nosečo žensko, pokončno, ki nosi obilne plodove drevesa. Pred njo je moški, ki je sedel, pogumen in upognjen, nasprotoval. Ob njem je videti padel trs. Med človekom in drevesom obstaja kontinuiteta, ker prvi nasloni nogo na deblo drevesa.

Drevo bi lahko razlagali kot drevo življenja. Vendar je odrezana veja, od katere je ostal le panj. Da bi obrodilo sadove, je bilo drevo obrezano, razkosano.

Bolj radikalne interpretacije kažejo, da Munch izraža svojo zavrnitev, da bi imel otroke. Njeni plodovi bi predstavljali konec njegovih plodov. Razlaga temelji na dejstvu, da je bila slika naslikana, ko se je Munch soočil z možnostjo, da bi se poročil s Tullo Larsen, zavezo, ki ni bila nikoli uresničena.

13. Srečanje v vesolju, 1898

Vklopljeno Srečanje v vesolju vidimo moškega in žensko, ki gravitirata v vesolju. Delo predstavlja erotični trenutek, ki ga ne omejujejo le telesa in kretnje, temveč tudi črte, ki aludirajo na gibanje sperme po slikah. Obraza sta oddaljena drug od drugega. Ženska se zdi skoraj brezbrižna. Zdi se, da je moški dostavljen. Delo prikazuje tehnično vsestranskost avtorja, pa tudi simbole in izrazne vire.

14. Ples življenja, 1899

Ples življenja je prispodoba življenjskih faz in ljubezni. Gre za prizor na prostem, katerega ozadje je temno modro nebo nad norveškim jezerom. Na nebu vidimo severno sonce in njegov odsev v vodi, enega od simbolov, ki se neprestano ponavlja na slikarjevih slikah.

V ospredju vidimo isto žensko v treh fazah: mlado devico v belem na levi. Na desni osamljena ženska, oblečena v črno. V središču ženska in njen moški plešeta, kot da svet ne obstaja. Rdeča obleka simbolizira življenje in strast. Par bi lahko bila Tulla Larsen in Munch.

Okoli njih plešejo drugi liki. Za žensko v črnem je videti groteskni moški, ki je pripravljen zlorabiti žensko. Pomembnost tega dela je v tem, kako Munchu uspe sporočiti zapletenost svoje notranje tesnobe okoli življenjskih stopenj, ki jih omejuje na ljubezen.

15. Maratova smrt, 1907

V obdobju svojega življenja se je Munch posvetil izdelavi različnih različic Maratova smrt. Med temi različicami predstavljamo eno iz leta 1907. Marat je bil francoski novinar in politik iz 18. stoletja, ki ga je ubila Charlotte Corday.

Zdi se, da ima Munch samega sebe kot moškega referenca, s čimer je utrdil idejo, da se slikar počuti kot žrtev žensk. Z estetskega vidika delo izstopa po uporabi črt kot oblike barvanja. Gre za nekakšen rejonizem, ki se loči od modernističnega sloga ukrivljene črte in uporabe gostih barvnih površin.

16. Kopalci moški, 1907

Kopalci moški de Munch izstopa po živahnem in živahnem značaju, ki je v nasprotju z valovitim in temnim ozračjem številnih njegovih platen. Prizor prikazuje skupino moških na goli plaži, kjer je Munch preživel obdobje okrevanja.

Munch pokaže svojo sposobnost za anatomsko risanje, pa tudi svojo barvo. Izvedeno tehniko hranijo impresionistična in rejonska načela, v nekaterih pogledih pa se zdi, da vodi dialog s fovizmom.

17. Sonce, 1909-1911

Sonce je monumentalna freska Edvarda Muncha, najdena na Univerzi v Oslu. V tem Munch raziskuje nove plastične jezike, ki ga približujejo abstraktni avantgardi, zlasti Kandinsky, predstavnik skupine Der Blaue Reiter, in lirično abstrakcijo.

Tu simbolika doseže svoj največji izraz. Sonce postane prispodoba božanskega, ki izžareva svojo svetlobo na svet in razjasni sence nevednosti. S tem delom Munch znova dokazuje svojo ustvarjalno svobodo, kar pojasnjuje, zakaj ga ni mogoče označiti v enem samem slogu ali gibanju. Munch se v nenehnih inovacijah razkrije kot edinstven umetnik.

Morda vas bodo zanimali tudi: Ekspresionizem: značilnosti, dela in avtorji.

18. Konj v galopu, 1912

V okvirju Konj v galopu, vidimo konja, ki vleče snežne sani z moškim na krovu. Vpadljiv detajl je na poti, ki za podvig izstopa pretirano ozka.

Prestrašeni izraz konja in razpoloženje ljudi ob cesti dajeta nam razumevanje neposredne nevarnosti. Otroci na desni poskušajo pobegniti, medtem ko odrasli na levi čakajo brez strahu, preden se premaknejo. Gre za nov pristop k temi strahu in tesnobe, ki je tako prisoten v avtorju.

19. Delavci na snegu, 1913

Edvard Munch je bil občutljiv tudi na družbeno resničnost, ki ga je obkrožala. Dokaz za to so različne slike, ki jih je naredil o delavcih, na primer to platno Delavci na snegu.

Munch v ospredju predstavlja tri delavce, ki stojijo pred gledalcem in imajo svoje lopate kot oporno točko. V njih lahko zaznate moč, a tudi utrujenost in staranje.

Dvignjena pest delavca, razporejena v sredini, predstavlja slutnjo zahtevka ali zahteve. Zdi se, da so ti trije moški v rokah. Za temi tremi liki nadaljujejo svoje delo drugi delavci, ki se ne zavedajo pogleda umetnika in družbe.

20. Avtoportret med uro in posteljo, 1940-1943

Avtoportret med uro in posteljo gre za sliko iz zadnje Munchove ustvarjalne faze. Munch je platno izkoristil, da simbolizira bližino smrti, in postavil svojo figuro med dedovo uro in posteljo. Ura predstavlja neustavljiv potek časa, postelja pa smrt kot končno posteljo, kot večni počitek.

Nasprotno izstopa ena podrobnost: medtem ko ima ura starinsko zasnovo, ima posteljna prevleka sodobno geometrijsko zasnovo. S tem Munch izraža zavest o dramatični spremembi časa, ki ga je moral živeti.

Za Munchom lahko ločimo nekakšno sobo, v kateri je implicirana prisotnost referenčnih del njegovega umetniškega življenja, ki jim je posvetil vsa prizadevanja.

Poglej tudi: Analiza okvirja Krik avtor Edvard Munch.

Življenjepis

Edvard Munch je norveški slikar in grafik, rojen 12. decembra 1863 in umrl 23. januarja 1944.

Od mladih nog se je moral spoprijeti z boleznijo in smrtjo. Tuberkuloza je prvič zahtevala življenje svoje matere Laure Cathrine Munch, ko je bil deček star le 5 let. Kasneje je povzročil smrt svoje mlajše sestre Sophie; tega njegovih stricev, leta kasneje pa tudi njegovega očeta Christiana Muncha. Tudi Edvard Munch je sam trpel bolezen pri 13 letih.

Ti dogodki so privedli do slikarja, da je razvil strašen teror nad boleznimi in boleznimi. smrt, zato je celo življenje trpel za tesnobo in depresijo, kar je določalo njegova vprašanja umetniški.

Munch je leta 1879 začel študirati tehniko, vendar je kmalu opustil to kariero, da bi se posvetil slikanju. Zaradi potovanj v Pariz je nanj vplivala francoska umetnost 19. stoletja. Okoli leta 1890 je začel slikati projekt Friz življenja, serija slik, ki na podlagi lastnih izkušenj prikazujejo različne mejnike v človeškem življenju.

Čeprav je bilo njegovo delo sprva vir škandala, je na koncu dobilo pomembno mesto v muzejih njegove države in Evrope. Po nacistični zasedbi Norveške okoli leta 1940 pa so Munchove slike napadalci cenzurirali in jih odstranili z razstav.

Vendar pa je leto 1942 zaznamovalo njegovo dokončno mednarodno posvečenje, saj je bil predmet razstave v New Yorku kot priznanje za njegovo plodno umetniško delo. Dve leti kasneje je Munch umrl v popolni osamljenosti.