De 10 viktigaste barockmålningarna

Barocken är en epok och en konstnärlig strömning som främst inträffade på 1600-talet. Denna konstnärliga stil har många mästerverk, fördelade bland de bästa museerna i världen.

I den här artikeln vi kommer att fokusera på barockmåleri och vi kommer att rädda 10 av hans viktigaste målningar.

• Relaterad artikel: "Vad är de 7 konsterna? En sammanfattning av dess egenskaper"

Barockmålning

1600-talet bevittnade uppkomsten av verkliga målarmästare. Konstnärer som Velázquez, Vermeer, Rubens eller Ribera fyllde konsthistoriens sidor på många sätt. mästerverk, viktiga för att känna till både denna historiska period och konstens utveckling allmän.

Som med de flesta konströrelser är barocken inte en enda stil.. I varje region och varje land hade sina egna egenskaper, drivna av sitt eget ekonomiska, religiösa och sociala sammanhang. Sålunda, medan denna stil i katolska länder fungerade som ett medel för motreformationen, i regionerna Protestanter blev mycket mer intima och personliga, eftersom det främjades av köpmän och borgare i städer.

• Du kanske är intresserad av: "Barockens fyra viktigaste egenskaper"

Barockens 10 huvudmålningar

Därefter tar vi en kort tur genom de 10 viktigaste barockmålningarna.

1. Las Meninas, av Diego Velázquez (Museo del Prado, Madrid)

Det är förmodligen ett av de mest reproducerade bildverken och ett av de mest kända i världen. Duken är känd som Las Meninas, även om dess ursprungliga namn var Familjen till Felipe IV. Det är utan tvekan, ett av barockmåleriets och konsthistoriens mästerverk i allmänhet.

Den målades 1656 i Cuarto del Príncipe del Alcázar i Madrid, och den återskapar ett fantastiskt spel av ljus och perspektiv. I bakgrunden, reflekterad i en spegel, ser vi byster av monarker, kung Felipe IV och hans hustru Mariana av Österrike. Till vänster om duken tar Velázquez ett självporträtt vid staffliet. Tolkningen av arbetet har varit och är fortfarande mycket varierande. Målar du kungarna, och plötsligt avbryts du av den lilla infantan Margarita, som åtföljs av sina meninas och hennes följe? Hur det än må vara, målningen fördjupar betraktaren helt i scenen, som om han vore en annan karaktär i den.

2. Judith och Holofernes, av Artemisia Gentileschi (Uffizi Gallery, Florens)

Sedan några år tillbaka har Artemisia Gentileschis extraordinära arbete återtagit den plats det förtjänar i måleriets historia. Judit och Holofernes är ett av mästerverken inte bara i hans bildkorpus, utan i barockmåleriet i allmänhet.

Konstnären representerar oss ögonblicket, nedtecknat i Bibeln, där Judith, den judiska hjältinnan, halshugger Holofernes, en babylonisk general som vill ha henne. Artemisia representerar ögonblicket med en grymhet som fryser dina andetag. Många kritiker har velat se i den här målningens grovhet allt ilska och lidande som kränkning som han var ett offer för kort före utförandet av den första versionen av målningen, bevarad i Capodimontes museum, Neapel. Hur som helst, den underbara chiaroscuro, kompositionen och dynamiken i karaktärerna gör detta verk till ett av de bästa proverna av barockmåleri.

• Relaterad artikel: "De 7 bästa museerna i Spanien som du inte får missa"

3. Flicka som läser ett brev framför det öppna fönstret, av Johannes Vermeer (Alte Meister, Dresden)

Vermeers stora och samtidigt intima bilduniversum reduceras, tyvärr, till ett trettiotal erkända verk. Denna brist på konstnärlig produktion gör denna holländska barockkonstnär till en målare omgiven av en gloria av mystik. Dess interiörer var oerhört uppskattade vid den tiden, även om de senare föll i glömska och inte gjorde anspråk på förrän långt senare av 1800-talets impressionister.

Arbetet som berör oss representerar perfekt det universum av inhemsk intimitet som är kännetecknande för målaren. I ett rum upplyst av det mjölkiga ljuset som kommer in genom ett öppet fönster, koncentrerar en ung kvinna sig på att läsa ett brev. Hennes privata värld blir mer otillgänglig eftersom vi inte kan nå den fysiskt, eftersom bordet och gardinen i förgrunden hindrar oss från att göra det. Den här duken är ett vackert exempel på barockmålning från Nederländerna och framför allt på den värld av svårfångade och nästan spöklika karaktärer som befolkar denna extraordinära konstnärs verk.

• Du kanske är intresserad av: "Skillnader mellan renässansen och barocken: hur man skiljer dem åt"

4. Fortfarande liv, av Clara Peeters (Prado Museum, Madrid)

Genren stilleben har inte varit högt uppmärksammad i konsthistorien, trots att den är det av en genre som kräver stor detaljrikedom och, naturligtvis, en obestridlig förmåga att fånga texturer och ytor. Ett mästerverk av genren är utan tvekan detta Fortfarande liv av målaren Clara Peeters.

I den är konstnärens virtuositet inte bara uppenbar i den noggranna representationen av element, men i serien av självporträtt som målaren gjorde, som en reflektion, i kannan och i koppen. Att fånga en reflektion på en yta var något som krävde utsökt virtuositet, och Clara registrerar sin bildmässiga förmåga genom denna resurs, samt att vara ett sätt att hävda sin roll som konstnär i ett yrke som domineras av män.

5. Sankt Thomass misstro, av Caravaggio (Schloss Sanssouci, Potsdam)

Det bibliska temat om helgonets tvivel före Kristi uppståndelse samlas i detta verk med en imponerande naturalism. Den helige Thomas sticker in ett finger i såret som Jesus ser på sin ena sida. Kristus själv vägleder hans hand och uppmuntrar honom att genom fysiska bevis tro det han inte har trott genom tro. Den här scenen hade aldrig setts berättad med så mycket, kan vi säga, grovhet. Den karakteristiska realismen hos Caravaggio är uppenbar i kropparnas anatomi, i rynkorna som rynkar pannan på pannan. apostlar, i de smutsiga naglar som den helige Thomas själv presenterar och framför allt i fingertoppen som kommer in i köttet på Kristus. Caravaggios verk är ett av de bästa exemplen på att barocken inte bara är teatralitet och pompa, utan också ofta närmar sig verkligheten med överraskande naturalism.

• Relaterad artikel: "Finns det en konst objektivt sett bättre än en annan?"

6. korsfäste Kristus, av José de Ribera (Diocesan Museum of Sacred Art, Vitoria-Gasteiz)

En av barockmålningens mest imponerande korsfäste. Det finns bevarat i Diocesan Museum of Sacred Art i Vitoria-Gasteiz, från det försvunna klostret i Santo Domingo, och anses vara en av de bästa representationerna av Kristus korsfäst i målning. spanska. Mot en neutral och markant mörk bakgrund, vilket förstärker idén om den bibliska förmörkelse som följde med Kristi död reser sig Jesu gestalt på korset, med den vita kroppen och förvrängd i en tvingade kontraposto. Den enda ljuskällan är hans kropp, eftersom till och med rentyget har en liknande nyans som träet på korset som det är spikat vid. Scenen tycks fånga ögonblicket när Kristus ser upp mot himlen och mumlar: ”Allt är över. Consumatum est”.

7. Barn som äter vindruvor och melon, av Bartolomé Esteban Murillo (Alte Pinakothek, München)

Vi har redan kommenterat att realism också är typiskt för barockkonsten. Ett bra exempel på detta är denna underbara duk av målaren Bartolomé Esteban Murillo, förvarad i München, som föreställer två dåligt klädda barn som äter vindruvor och melon. 1600-talets Spanien bjöd på markanta kontraster, och fattigdom var en vanlig syn på gatorna i städer som Madrid. Vid detta tillfälle representerar Murillo de två pojkarna som koncentrerar sig på sin mat. De tittar inte på betraktaren; i verkligheten märker de knappt vår närvaro. Medan de slukar melonen och druvorna (kanske en av de få matvarorna de kommer att ha tillgång till i många dagar), pratar de lugnt, vilket de växlade blickarna bevittnar. Smutsiga bara fötter och slitna kläder ger en dramatisk ton till den förtjusande scenen.

8. Valv med Apoteos av den spanska monarkin, av Luca Giordano (Pradomuseet, Madrid)

Detta fantastiska tak, tillverkat i slutet av 1600-talet med den falska fresktekniken, kan för närvarande ses i biblioteket på Pradomuseet i Madrid. Ursprungligen tillhörde valvet den gamla ambassadörsalen i Buen Retiro-palatset, en plats för vila och fritid som greve-hertigen av Olivares beordrade att byggas åt kung Felipe IV.

Som namnet antyder var Ambassadörsalen mottagningsplatsen för monarken, så ikonografin som visas på dess tak är en upphöjelse av den latinamerikanska monarkin. Giordano skapar en extraordinär komposition, prickad med allegorier och symboler hämtade från mytologin. som försökte belysa antiken av den spanska kronan och dess framträdande över de andra kungahusen Europeiska.

9. de tre tackar, av Rubens (Pradomuseet, Madrid)

Tydligen gjorde Rubens denna duk, en av de mest kända av hans verk, för sin egen njutning, vilket framgår av det faktum att den, vid hans död, var en av hans personliga samling. Faktum är att dragen hos kvinnan till vänster är mycket lika de hos hans andra fru, Helena Fourment, som Rubens gifte sig med när hon bara var sexton och han, femtio- tre. Sedan urminnes tider, Det är vanligt att hitta orsaken till nåderna relaterade till trolovningar, så det verkar inte orimligt att anta att konstnären målade tavlan som en hyllning till sin egen länk. De tre figurerna står vällustigt och slår sig samman i vad som ser ut att vara någon form av dans. Det är verkligen en av konstnärens mest eleganta och sensuella målningar.

10. ångerfulla magdalena av lampan, av Georges de La Tour (Louvren, Paris)

De La Tour är en fantastisk målare som är känd för den utsökta chiaroscuro i sina kompositioner, som uppnås genom glöden från ett eller flera ljus.

I det här fallet visar målningen oss en Maria Magdalena som är uppslukad av sin meditation. Hennes blick är fäst vid elden från ljuset som brinner framför henne, den enda ljuskällan i målningen, som är vanligt i konstnärens verk. Helgonet stöder hennes huvud i ena handen, medan hon i den andra, som vilar i hennes knä, håller en dödskalle, en symbol för botgöring och livets förgänglighet, så typisk för barocken. Det ångerfulla Magdalena-motivet var mycket vanligt på 1600-talet. De La Tour själv gjorde upp till fem versioner av denna målning. I två av dem ligger skallen på bordet, och med sin volym döljer den ljusets eld, vilket ytterligare accentuerar scenens chiaroscuro.