Takfresker i det sixtinska kapellet

I det sixtinska kapellet är ett av de mest emblematiska verk av den italienska renässansen, vars berömmelse har spridit sig över hela världen. Taket på det sixtinska kapellet freskerades av Michelangelo Buonarroti, populärt känt som Michelangelo på spanska språket. Detta verk beställdes av konstnären av påven Julius II (1443-1513).

När Michelangelo manifesterade en förklarad preferens för skulptur, en disciplin som han anses vara en överlägsen konst och för vilken han verkligen erkändes, accepterade han påvens uppdrag med motvillighet.

Arbetet började målas år 1508 och slutfördes 1512, och det blev vad det skulle vara en imponerande konstnärlig bedrift, med tanke på att Michelangelo gjorde hela arbetet endast.

Analys av takmålningar

Takets huvuddelning är gjord i nio paneler som representerar scenerna i boken Genesis. Valet av teologiskt tema skapar ett samband mellan principerna för mänsklig historia och Jesus Kristus kommer, även om han inte är närvarande i bildens sammansättning taket.

Även om figurerna påverkas av konstnärens skulpturella perspektiv uppfattas figurernas betydelse samtidigt. På samma sätt avslöjar bilderna konstnärens behärskning i representationen och kunskapen om den mänskliga anatomin.

Dessa siffror är övervägande robusta, energiska och kraftfulla, men ändå graciösa. Överallt rymmer de gigantiska och muskulära bilderna nästan omöjligt, vilket ger rörelse till hela kompositionen och också stor energi.

Denna livlighet i kompositionen är verkligen ett bevis på det historiska ögonblick som Italien levde och som expanderade i hela Europa. Det handlade inte bara om återupplivandet av klassisk konst utan också om en återupptäckt av grekisk filosofi och humanism.

Ett nytt Europa föddes, lämnade medeltiden och öppnade modern tid, vilket gjorde människan till världens centrum, det som kallades antropocentrism.

De nio panelerna berättar om skapelsens historia. Den första representerar separationen mellan ljus och mörker; den andra skildrar skapandet av solen, månen och planeterna; den tredje representerar ögonblicket då landet är skilt från havet.

Adan skapande

Den fjärde takpanelen är tillägnad skapandet av Adam och är en av de mest utbredda och erkända bilderna världen över. Här ligger Adam lutande vilande, som om han saknade energi och tvingade Gud att göra sitt sista försök att röra Adams fingrar och ge honom en gnista av liv.

I motsats till Adams till synes lata figur är Gud utrustad med rörelse och energi och till och med hans hår rör sig med en osynlig bris. Under hennes vänstra arm håller Gud Eva nära. Eva väntar tålmodigt på att Adam ska få livets ljus så att hon också kan ta emot det.

I den femte panelen (den centrala) ses äntligen skapandet av Eva; den sjätte representerar utvisningen av Adam och Eva från paradiset; i den sjunde representeras Noaks offer; i den åttonde, den universella översvämningen och i den nionde, slutligen, berusningen av Noah.

På sidorna av panelerna representeras växelvis profeterna (Sakarja, Joel, Jesaja, Hesekiel, Daniel, Jeremia och Jona) och sibylerna (Delphic, Eritrea, Cumana, Persiska och Libyen). Michelangelo gör således en sammanställning mellan kristendom och hedendom, som vissa kritiker tolkar som ett subtilt sätt att kritisera den katolska kyrkan.

Panelerna, liksom resten av bildkompositionen, är inramade av arkitektoniska element målade med extrem realism och som figurerna samverkar med. Vissa sitter och andra lutar på dessa falska arkitektoniska element.

I takets fyra hörn, kallade hängande, kan du också se framställningen av de fyra emblematiska berättelserna om Israels frälsning och, spridda över mitten av kompositionen, tjugo sittande nakna manfigurer, kända Vad "Ignudi", ett namn som tillskrivs av konstnären själv.

Dessa figurer visas i par om fyra och omger fem av de nio takpanelerna, särskilt de som representerar berusning av Noah, offret av Noah, skapandet av Eva, separationen av havet och jorden och separationen av ljus och mörker.

Det kan intressera dig: Fresco The Creation of Adam av Michelangelo: Analys och mening.

Den slutliga domen

Michelangelo återvände till Sixtinska kapellet mer än 20 år senare för att avrätta fresken Den slutliga domen (1536-1541), som ligger på altarens vägg. Detta arbete anförtrotts Michelangelo av påven Clemens VII (1478-1534), men arbetet började först efter hans död, under Paulus III (1468-1549) pontifikat.

I motsats till takfreskernas livskraft, rytm och strålande energi representationen av den slutliga domen är dyster och samtidigt är den en sammansättning av kroppar utan verklig strukturera. Totalt representeras tre hundra nittio kroppar som ursprungligen var nakna, inklusive Jungfru Maria.

Kompositionen domineras av den centrala figuren hos en oföränderlig och fruktansvärd Kristusdomare. I bakgrunden slits himlen och i nedre delen låter änglarna trumpeter som meddelar den slutliga domen.

Bredvid Kristus ser Jungfrun åt sidan som om den vägrar att möta kaos, elände, lidande och det faktum att syndare kommer att kastas i helvetet.

En av figurerna som representeras är Saint Bartholomew, som håller sin offerkniv i ena handen och hans flayed hud i den andra, på vilken Michelangelo målar sitt eget ansikte. Således är den deformerade ansiktet på den flayed huden konstnärens, kanske med avsikt att göra en metafor om hans torterade själ.

Skillnaderna mellan målningarna i taket och på altarväggen är relaterade till det kulturella och politiska sammanhanget vid den tidpunkt då de gjordes.

Vid den tiden upplevde Europa en andlig och politisk kris. Åren med reformationen började som skulle leda till uppdelningen av kyrkan, före vilken denna sammansättning verkar vara en varning för kyrkans fiender. Det finns ingen förlåtelse, för Kristus är obeveklig.

När Michelangelo målade dessa nakna figurer växte kontroversen genom åren, och många anklagade kyrkan för hyckleri och bedömde verket som pornografiskt.

I mer än tjugo år ägnade förtalarnas arbete att sprida tanken att kyrkan skyddade a pornografiskt tal i en av dess huvudsakliga anläggningar, som åtföljdes av en kampanj för att förstöra bilder.

Av fruktan för det värsta beställde påven Clemens VII att några av de nakna kropparna i kompositionen skulle målas om, i ett försök att bevara arbetet och förhindra förstörelse. Detta arbete utfördes av Daniele da Volterra året Michelangelo dog.

Restaureringsarbete

Återställande av det sixtinska kapellet mellan 1980 och 1994 avslöjade en sida av Michelangelo som oavsiktligt hade ignorerats av historiker.

Fram till det ögonblicket reducerades elementen som kritikern upphöjde till formerna och ritningen till nackdel för färgen. Men rengöring av århundraden av smuts och rök från ljusen avslöjade en levande färgpalett i Michelangelos originalverk. På detta sätt bevisades det att konstnären inte bara var ett geni för teckning och skulptur utan också en utmärkt färgist på Leonardo da Vincis nivå.

Sixtinska kapellet

Det sixtinska kapellet (1473-1481) ligger i påvens officiella residens som kallas Vatikanets apostoliska palats. Dess konstruktion inspirerades av Salomos tempel. Det är där där påven firar mässa i tid och det är också där konklaven möts för att välja den nya påven.

Kapellet fungerade som en workshop för några av de största artisterna under den italienska renässansen, inte bara Michelangelo. Bland dem är Rafael, Bernini och Botticelli. Men det är obestridligt att det enkla omnämnandet av Sixtin i dag leder oss tillbaka till de stora freskerna i taket och på altaret som utfördes av Michelangelo.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo (1475-1564) var en av renässansens största konstnärer och anses vara en av de största konstgenierna genom tiderna. Till och med i livet åtnjöt han ett sådant erkännande och han tillskrev förmågor över genomsnittet.

Svårt att hantera, hans geni erkändes sedan han var mycket ung. Han besökte Domenico Ghirlandaios verkstad och vid 15 års ålder tog Lorenzo II de Medici honom under hans skydd.

Han var en humanist och fascinerades av arvet från den klassiska antiken, som vid den tiden gick igenom den viktigaste fasen av historisk revisionism. Därför fokuserade Michelangelos arbete på den mänskliga bilden som ett uttrycksmedel. Denna preferens är obestridligt bevis på det starka inflytande som klassisk skulptur hade på konstnären.

Det kan intressera dig: Renässansens 25 mest representativa målningar

(Text översatt av Andrea Imaginario).