Gustav Klimt: biografi om den viktigaste målaren från Wiener Secession

Han är världsberömd för sina målningar av ett nästan drömlikt guld och för sina figurer av vackra kvinnor som verkar ha flytt från en nattlig uppenbarelse. Verkligen, Gustav Klimts innovativa och revolutionerande stil, kallelsens viktigaste målare Wiens utbrytning, fascinerade och skandaliserade Wien i slutet av 1800-talet. Fascinationen, på grund av den gåtfulla skönheten i hans nya sätt att måla. Skandalen, på grund av hans brist på blygsamhet när det gällde att fånga den öppna sanningen på duk eller papper (som demonstreras i målningarna för universitetet i Wien), såväl som hans nakna kvinnor i erotiska attityder som var ett slag för det stela samhället Kommer du till.

Om du är intresserad av att veta livet för detta geni av jugendstil i Tyskland (känd som Jugendstil) och ledare för den s.k. Secession, Fortsätt läsa. Hans livsväg, såväl som hans konstnärliga skapande, kommer inte att lämna dig likgiltig.

Kort biografi om Gustav Klimt, secessionens store målare

Gustav Klimts fantasi och kreativa geni fick honom att utföra sina verk genom olika tekniker: från bladguld, kanske hans mest karakteristiska element, till olja och tempera; Vilket medium som helst bidrog till att kräkas upp all hans oupphörliga kreativitet. Resultatet är verk som aldrig lämnar betraktaren oberörd, eftersom de verkar dyka upp från ingenstans, kanske spektrala uppenbarelser eller kommer från en underbar men tillfällig dröm.

• Relaterad artikel: "Konsthistoria: vad är det och vad studerar denna disciplin?"

De första stegen: "Vienna Company of Artists"

Född i juli 1862 i Wien, son till en far av böhmiskt ursprung som var dedikerad till hantverk, Från en mycket ung ålder visade den unge Klimt ett uppenbart intresse och talang för konst.. 1876 ​​vann han ett stipendium för att utbilda sig vid Wiens konst- och hantverksskola, kopplat till det kungliga kejserliga österrikiska konstmuseet; Med en klasskamrat från akademin (Franz Matsch) och med sin bror Ernest (som också hade blivit antagen till den) grundade han ett slags brödraskap som han döpte till Company of Artists (Künstler-Compagnie).

Det unga företaget specialiserade sig till en början på att dekorera väggar och tak på teatrar och andra byggnader i imperiet. Några av deras mest anmärkningsvärda verk (som de var högt ansedda för) var målningar för teatern av Reichenberg, eller serien av verk som beställdes för utsmyckningen av Karl I: s slott Rumänien.

Dessa ungdomsverk, även om de verkligen är vackra, har ingenting att göra med den stil som vi känner konstnären för. Det är målningar med tydligt akademiskt inflytande som ibland blandar inslag nära jugend, men de är inte på något sätt lika nya och överraskande som de verk som Klimt skulle gå till historien för.

Från denna period Serien av målningar som konstnären gjorde för volymerna av Allegorier och emblem (1883), på uppdrag av Martin Gerlach, där han representerar olika allegorier relaterade till konst. I dem kan vi redan iaktta en förändring i målarens stil och konstnärliga koncept, vilket skulle flytta honom allt längre bort från akademin och skulle sluta gro i Wiener Secession-rörelsen, en röst som reste sig rungande och energiskt mot den korsetterade konsten officiell.

Serien sticker ut särskilt för sin allegori av skulptur. I enlighet med den klassiska traditionen presenterar Klimt henne i form av en ung kvinna, i detta fall naken, som återspeglar arketypen av en förförisk kvinna som senare skulle genomsyra hans målning. De allegori av skulptur är tydligt påverkad av prerafeliterna och för ett klart nyklassiskt snitt, som vi kan se i den grekiska frisen, bysten och Spinario som åtföljer kvinnan.

• Du kanske är intresserad: "Vad är de 7 konsterna? En sammanfattning av dess egenskaper"

En förändring av stil

Redan i mitten av 1890-talet experimenterade Klimt med en ny stil. Väggmålningarna för ceremonihallen vid universitetet i Wien, på uppdrag av ministeriet för Imperial utbildning, de anklagade redan denna nya stil som skulle vara karakteristisk för målaren, så de är avvisade. Klienten fann fakulteternas allegorier (filosofi, teologi, medicin och juridik) för "mörka", mycket långt ifrån den traditionella idealiseringen av denna typ av representationer.

Sanningen är att Vi kan inte med egna ögon bedöma hur dessa målningar såg ut, eftersom de tyvärr gick upp i lågor 1945., när Immendorfpalatset (50 kilometer från Wien), där de förvarades, brann. Endast ett fåtal svartvita fotografier överlevde, som för övrigt har gjort det möjligt att med artificiell intelligens skapa en återskapande av hur originalverken måste ha sett ut.

Det verkar som att Klimt blev arg över ett sådant avslag, och från och med då accepterade han inte officiella uppdrag igen. Men hans nya stil hade redan fötts; Konstnären kände sig ganska avlägsen från de föreskrifter som hade fått honom att grunda Konstnärskompaniet. År 1892 förvärrade den för tidiga döden av hans bror Ernest, en annan av gruppens grundare, klyftan, och i Maj 1897 Gustav lämnar föreningen och grundar tillsammans med andra oliktänkande målare en utbildning oberoende. Wien-secessionen hade precis fötts.

Vienna secession och konsten att fin-de-siècle Wien

Den första utställningen av den nygrundade Secession (med ett tillräckligt tydligt namn) hölls 1898, i Wiens trädgårdssällskap. Den nya konstnärliga gruppen bildades, förutom Klimt (dess första president), av andra konstnärer som Kolo Moser (1868-1918), Josef Hoffmann (1870-1956) och Joseph Maria Olbrich (1867-1908).. Den sistnämnde var också arkitekten ansvarig för den berömda Secession-byggnaden i Wien, som skulle vara värd för gruppens utställningar.

Vienna Secession måste ingå i en mycket bredare rörelse av europeisk karaktär, allmänt känd som Art Noveau och som fått olika namn beroende på land. Således skulle det länka till tysk jugendstil, spansk modernism eller frihet I England. I allmänhet var dessa rörelser som kategoriskt förkastade den nya eran av produktion och konsumtion och De lutade sig mot en stil nära traditionellt hantverk och en blandning av stilar och uttryck. kulturell. Trots detta är wienersecessionen mycket mer nykter än modernismen på andra breddgrader, och inom arkitekturen kan man se en övervikt av den raka linje som förespråkar framtidsrationalism.

I det specifika fallet med vår huvudperson, hans arbete Judith I, tillverkad 1901, är mycket betydelsefull.

För många representerar den början på vad som kallas Klimts "gyllene period", präglad av gyllene bakgrunder och stark symbolik. 1902 gjorde målaren den berömda Beethovenfris för utställningspaviljongen Secession, strax före starten av gruppens 14:e utställning och som den kritiseras hårt för. De platta figurernas sinuositet och deras störande anatomi stämplades som "äckligt", och utställningen var ett misslyckande. Det var uppenbart att allmänheten ännu inte var förberedd på det slag av modernitet och genialitet som Klimts konst representerade.

Kvinnor och drömmar på gyllene bakgrunder

Kvinnofiguren, ibland erotiserad, ibland omvandlad till en uppenbarelse eller dröm, är ett centralt tema i Gustav Klimts verk. Arbetet Judith I, med vilken vi har nämnt att hennes "gyllene period" börjar, föreställer en naken kvinna (den bibliska Judith), som ler nästan löjligt och med uppenbar överlägsenhet. Dess pärlemorfärgade hud är dekorerad med bladguld som ritar underbara ornament och förvandlar tavlan till ett slags uppenbarelse från det bortomstående, en magnifik dröm om skönhet, juveler och sex.

Gustav Klimt gifte sig aldrig, men han hade många affärer med kvinnor, mestadels modeller som poserade för hans verk; Inte mindre än sex barn känner honom av tre av dem. Hans förhållande till det kvinnliga könet var speciellt och ofta stormigt.. Många av hans teckningar, direkta och fördomsfria och säkert mycket mer explicita än hans målningar, fångar det kvinnan som föremål för manlig sexuell lust, på ett sätt som liknar hennes samtida Egon Schiele (1890-1918). Hans sätt att behandla naken, brutalt och realistiskt, gav honom stark kritik under hans livstid, om inte riktiga skandaler. Ett bra exempel på detta är Den nakna sanningen, en allegori över sanningen där en naken kvinna med könshår visas, nästan i naturlig storlek, vilket representerade en verklig utmaning mot konstens rådande normer.

Vi har kommenterat att det finns många kvinnor som gått igenom Gustav Klimts liv och säng. Men framför allt sticker Emilie Flöge (1874-1952), syster till Ernests hustru, ut. Så gott som alla konstnärens biografer är överens om att Emilie var den viktigaste kvinnan i målarens liv.. De träffades 1891, strax före Ernests död, och deras förhållande varade fram till Klimts död 1918, även om det på senare år verkar ha varit mer vänligt än kärleksfullt.

Emilie, musan bland muserna

Emilie var ett grundläggande stöd för konstnären. Varje sommar tillbringade Gustav och familjen Flöge några veckor vid Attersjön i Oberösterreich; Under dessa läckra vistelser i kontakt med naturen återupplivades målarens inspiration. Resultatet av dessa semesterdagar är målningar av landskap som t.ex Vid sjön Attersee (1900). Emilie och Klimt delade sommardagarna med Helene, Emilies syster och Ernests änka, och Helene Louise, Klimts systerdotter, vars förmyndare han varit sedan broderns död.

Emilie och hennes systrar grundade en av de viktigaste och mest prestigefyllda modesalongerna i Wien, Schwestern Flöge, belägen på en av de mest trafikerade och mest prestigefyllda avenyerna i staden. Bland de väsentliga egenskaperna hos modet som förespråkas av denna beundransvärda kvinna är förkastandet av korsetten och engagemanget för fantasiplagg, mycket lösare och bekvämare. Gustav Klimt gestaltade Emilie 1902 i en överdådig klänning som verkar rakt ur en saga och som med sitt vattniga blå och guld- och silverblad påminner om en fisks fjäll.

Klimt målade många kvinnor (bland dem den berömda Adele Bloch-Bauer, huvudpersonen i den välkända målningen Den gyllene damen), men ingen hade så stor betydelse i hans liv som Emilie Flöge. Faktum är att efter konstnärens död i februari 1918 (offer för lunginflammation, komplicerad av en stroke som hade haft en månad innan det gjorde honom förlamad), hon var arvinge till hans egendom, tillsammans med hans systrar.

Målare av liv, kärlek och död

Kanske måste vi tillskriva en del av det avvisande som Gustav Klimts verk orsakade under hans livstid till spegeleffekten av hans verk. Klimt visade oförskämt livet självt och därför kärlek, sex och död. Dessa är inte robusta eller obehagliga verk (i expressionistisk stil), utan snarare delikata gyllene och poetiska kompositioner, vilket gör sanningshalten i deras innehåll ännu mer överväldigande.

Ett exempel på denna skarpa vision är ett av hans mästerverk, Death and Life, som konstnären gjorde två versioner av. I båda versionerna, till vänster om bilden ser vi Döden, personifierad av ett klätt skelett, medan livet till höger fångas genom halvnakna figurer som flätas samman, i en nästan dans. erotik. I den första versionen sänker dock döden sitt huvud, som om han skämdes; I den andra, gjord omkring 1915, ser han med grymhet inte utan ro på köttet som ska tas, medan han i sina beniga händer viftar med en klubba, med vilken han kommer att ge det dödliga slaget. Det är logiskt att fin de siècles glada wienska sällskap skulle försöka ignorera ett sådant budskap, nästan ett memento mori från samtiden.