Joan MIRÓ: de 5 mest kända VERKEN

Joan Miro (Barcelona, ​​1893, Palma, 1983) är en av mest radikala och fantasifulla artister, kommer att skapa en originalverk använda alla typer av konstnärliga medier och tekniker, från målning till skulptur, gravyrer eller keramik. Miró var alltid mellan ständig experiment, objektivitet och det undermedvetna och skapade en egna visuella konstnärliga ordförråd det gör hans arbete omisskännligt.

I den här lektionen från unPROFESOR.com erbjuder vi dig ett urval av mest kända verk av Joan Miró så att du kan förstå och beundra arbetet hos en av de mest icke-konformistiska konstnärernas moderna konst.

Index

1. Kännetecken för Joan Mirós teknik
2. Gården (1920-1921), första verk av Joan Miró
3. Harlequin Carnival (1924-1925), en annan av Joan Mirós verk
4. Hund som skäller på månen (1926)
5. Bleu II (1961)
6. Moonbird (1966): en ikonisk skulptur
7. Kvinna och fågel (1982): Mirós ikoniska verk

Vi börjar med att analysera vad Joan Mirós teknik är så att du bättre kan förstå hans arbete. Var en

• Mellan stilistiska element som är karakteristiska för Miro sDe hittar biomorfa former, geometriska former och abstrakta och semi-abstrakta objekt.
• Miró var en mångsidig och produktiv konstnär som testade flera konstnärliga medier, från keramik och tryck till stora bronsinstallationer.
• Hans radikal och fantasifull stil Han var en grundläggande figur i avantgarden i början av 1900-talet och utvecklades mot en växande och sedan fullständig abstraktion.
• Miró har samarbetat med surrealism tidigt och påverkade abstrakt expressionister.
• Han uppfann också en ny typ av bildutrymme där konstnären försiktigt placerar föremålen. Några objekt ur hans fantasi och som han ställs ihop med igenkännliga grundformer.
• Mirós konst installerades aldrig i ingen objektivitet, ägna sig åt att utforska medel för att demontera de traditionella föreskrifterna för figurativ representation.
• Miró hittade balans mellan surrealismens automatism och spontanitet med noggrann planering och representation.
• Hans färgpalett är begränsad, alltid hålla sig till uttrycksfulla färger, med plana bakgrunder med mjuka färggraderingar och oblandade färgfält. Djärva och värdefulla färger som fungerade som inspiration för många artister.
• Trots att han behandlade samma ämnen gjorde han det alltid i olika medier och uppnå olika och alltid överraskande resultat.

Enligt Miró reflekterade detta arbete alla hans år av sitt liv i landet, sätta på duken allt han älskade, från det största till det minsta. I ett lutande bildplan visar konstnären oss sin bondgård, full av djur, växter och konstnärliga verktyg. En duk där Miró återskapar sig i varje detalj och också är en förhandsvisning av hans senare surrealistiska verk.

Konstnären ansåg alltid detta arbete som ett av de viktigaste och markerade a vändpunkt i hans konstnärliga karriär. I den uppskattas också en rad influenser, inklusive katalansk populärkonst, förutom kubismen, men konstnären vägrade att duva in i en enda stil och var ett exempel på hans rastlösa och ikonoklastisk.

Bland de viktigaste innovationerna är inkludering av olika abstrakta element, symboler som trappor och bokstäver, vilket gör verket till både en bild och en dikt.

Målningens historia

Historien bakom målningen är också gripande. Miró letade efter en köpare på den parisiska marknaden för modern konst, mycket intresserad av kubism. En handlare föreslog att den skulle skäras i flera mindre målningar för att göra det lättare att sälja. En då okänd Ernest Hemingway, med vilken Miró var vän, ville köpa målningen. De två brukade träffas för boxningssessioner och Hemingway, efter att ha lånat pengar och arbetat som livsmedelsbutiker, kunde köpa och behålla det hela sitt liv.

Författaren erkände att han inte skulle ändra målningen för någon annan i världen. "Det har allt du känner för Spanien när du är där och allt du känner när du är borta och du inte kan åka dit." Idag ligger den i National Gallery of Art, Washington, D.C.

Denna olja på duk visar en glädjande och festlig scen där en biomorfer Quixotic fångas i en fest.

Karaktärerna är a harlekin, identifieras av de svarta och vita rutorna i dräkten för den ursprungliga figuren av commedia dell'arte Italienska, med en förvrängd gitarrformad kropp; en katt som står på bakbenen, som om han dansar, med sina "armar" utsträckta mot scenen, medan dess röda och gula ansikte vänder för att se på betraktaren; en gul och svart fisk, musiknoter på väggen, svarta och vita ormarör och en svart och gul varelse som dansar i nedre mitten och tar tag i en tråd som sträcker sig till morrhåren av katten.

En föreställd värld som griper betraktaren och det utgör konstnärens vändning mot surrealism, som också är ett av de första verken där han använde biomorfa former, framkalla alla föremål till levande organismer. Ett sätt att upphäva säkerheten i den medvetna världen och få det kollektiva omedvetna att gro.

Vi står inför ett annat av Joan Mirás mest kända verk: Hund som skäller på månen. I en surrealistiskt och tecknat landskap, en förvrängd hund med ljusa färger skäller på månen. Verket förmedlar en känsla av ensamhet och mysterium, inklusive flera ord i hans målningar, vad Miró kallade "Måla dikter".

Även om Miró inte inkluderade texten i målningen överförs den känslan av kommunikation mellan hunden och månen. Det har tolkats som ett personligt manifest där den unga Miró ser sig själv som en valp som försöker hitta sin röst inom avantgarden.

Det här är en monumental storlek canvas, 12 fot vid 9, i en serie av tre med enkla abstrakta former på en blå telefon. Allt är målat med jämna penseldrag och ett lätt diagonalt rött slag används för att införa en dramatisk touch, vilket ger mer tonvikt på en tom yta. Det introducerar också några svarta och oregelbundna former som också överför energi.

Miró identifierar det blå fältet med himlen och drömvärlden. Tomma utrymmen och horisonter överväldigade honom, imponerade honom mycket och införde alltid små figurer i den. Det smala utbudet av färger avslöjar påverkan av romanska fresker, som det lilla antalet former.

Skulpturen representerar en hybridvarelse med månformat ansikte och horn, medan armarna liknar vingar utan fjäderdräkt. Figuren hukar med två lemmar som är ordentligt rotade i marken som om den drar sin styrka från marken. Formerna väcker månar, fåglar och traditionen för spansk tjurfäktning.

Pjäsen är ett slags totem full av styrka och kraft, samla Miró-former och metaforiska idéer från de naturliga och kosmiska världarna för att skapa en drömlik karaktär. Således har verket en organisk aspekt som visar alla dess nyckelteman: månen, fåglarna eller Kataloniens tema.

Vi står inför en annan monumental skulptur, 20 meter hög, skildrar en kvinna, målad i ljusa grundfärger. Kvinnan bär en rörformig "hatt" övergiven av en gul fågel som framkallar en halvmåne.

Men verket är tvetydigt, eftersom dess fallform ger ett första vilseledande intryck. Som ett resultat måste tittaren pausa och utföra pjäsen. Kvinnan symboliserar jorden, månen symboliserade himlen och fåglarna förbinder båda världarna. På grund av sin enorma storlek blev det ett slags talisman för Miró.

Skulpturen byggdes med färgglada trasiga plattor, var ett av de första stora initiativen från offentlig konst i Barcelona, efter återupprättandet av demokrati och anses vara Miros sista stora verk. Användningen av mosaik och oregelbundna konturer var en hyllning till den stora Barcelona-arkitekten Antonio Gaudi, som Miró hade studerat med.

Om du vill läsa fler artiklar som liknar Joan Miró: mest kända verkrekommenderar vi att du anger vår kategori av Berättelse.

• Punyet Miro, Joan och Lolivier-Rahola, Gloria (2012). Jag ser. Blume
• Balsach, M.J (2007). Joan Miro: Cosmogony of an original world (1918-1939). Galaxy Gutenberg