De 10 huvudsakliga konstnärliga strömningarna: vilka är de?

Gombrich sa i sin stora konsthistoria att konst inte finns, bara konstnärer. Till viss del är detta helt sant, eftersom varje skapare uttrycker sig från sin egen värld, unikt och icke-överförbart. Det är dock inte mindre sant att konstnärer inte kan fly sin tid. Varje konstnärligt uttryck är därför föremål för ett specifikt sammanhang och hur mycket konstnären än försöker ta avstånd från sig själv förblir han föremål för det i större eller mindre grad.

Därefter ska vi göra en praktisk sammanfattning av vad som är de främsta konstnärliga strömningarna i konsthistorien. Den här artikeln är bara en grundläggande översikt; Låt oss komma ihåg att ingenting är svart eller vitt och att det finns ett stort antal nyanser. Alla kulturer och alla tider har uttryckt konst på något sätt.

Det är svårt att i en så liten artikel sammanfatta de väsentliga egenskaperna hos dem alla, men vi kommer att försöka ge en översikt som kan vara praktisk när det gäller att förstå konstens utveckling genom historien. Som en punkt, säg det

Vi har fokuserat artikeln på västerländsk konst, eftersom det är helt omöjligt att sammanfatta det universella konstnärliga uttrycket på så lite utrymme.. Vi hoppas att du tycker att det är användbart.

• Vi rekommenderar att du läser: "Varför skapades konst? En resa genom historien"

Vad är en konstnärlig strömning?

Konstnärliga strömningar (även känd som konstnärliga rörelser) är den uppsättning skapelser som dela sammanhang och en rad estetiska egenskaper, såväl som ideologiska mål fast besluten. Efter denna definition skulle vi också kunna kalla den konstnärliga strömningen den konst som skapats av de stora antika kulturerna, som Egypten, Grekland eller Mesopotamien.

Detta är dock inte helt korrekt. I de tidigare nämnda civilisationerna fanns ingen annan möjlighet att skapa; det var det genuina uttrycket för kulturen som helhet, så det är något riskabelt att kalla det en konstnärlig ström. Därför ska vi börja vår resa från medeltidens sista århundraden, då de olika kulturella rörelser börjar snabbt följa varandra för att kulminera i den mosaik av stilar som inträffade på 1800-talet och i det tjugonde

1. det romanska

Den romanska är kanske den första helt europeiska stilen, med några mycket specifika globala särdrag.. Och även om det är sant att det inte var en lika homogen stil som andra senare trender, som barocken eller Romantiken, det är sant att den på alla breddgrader i Europa delar en rad element som gör det mer eller mindre till en stil kompakt.

Det romanska dök upp runt 1000- och 1100-talen i Bourgogne; närmare bestämt i klostret Cluny. Därifrån spreds det till resten av Europa, där varje territorium badade det med sina egna egenskaper. Vi kan inte göra en fullständig analys av vad romansk är, men vi kan sammanfatta att det arkitektoniskt inkluderar romerska konstruktionselement (därav namn som gavs till den på 1800-talet) och att dess baser är den halvcirkelformade bågen, tunnvalvet och ljumskvalvet, bland många andra element konstruktiv.

Den arkitektoniska romanska lyder behovet av enande av liturgin i Europa och utseendet av så kallade pilgrimskyrkor, med en mycket specifik struktur. I romanska byggnader, skulptur är vanligtvis underordnad arkitektur, och vi finner ett större överflöd av skulptural dekoration på trumhinnorna och på dörrarnas arkivvolter.

Å andra sidan bygger romansk måleri på bysantinska ikoner som kom från öster med korstågen, samt mozarabiska miniatyrer. De är hieratiska målningar, mycket orealistiska, vars huvudsakliga syfte var att förmedla ett budskap, inte kopiera verkligheten. Av denna anledning existerar varken perspektiv eller volym i romanska bildrum, och jordiska element blandas med himmel och helvete, vederbörligen åtskilda av ränder av ljusa färger.

2. det gotiska

Nästa helt europeiska stil var gotisk. Särskilt enhetlig var den så kallade internationella gotiken, som utvecklades på 1300-talet och återfann de bysantinska gyllene bakgrunderna med idealiskt stiliserade figurer. I det gotiska börjar representationerna genomsyras av verkligheten, och gestalterna tenderar att bli mer mänskliga. Det är städernas tid, för handelns rörelse, för de stora katedralerna. De gotiska jungfrurna börjar vara riktiga mödrar, långt borta från Theotokos-jungfrurna eller tronjungfrurna, hieratiska, som inte interagerade med barnet. Å andra sidan blir den korsfäste, både bildlig och skulptural, naturaliserad och börjar visa smärta.

Det mest karakteristiska inslaget i gotiken är förstås katedralerna. Det arkitektoniska språket i dessa byggnader är mycket nytt; Trots detta beskrev Giorgio Vasari på 1500-talet dessa konstruktioner som "barbariska" (gotiska). Flygande strävpelare och strävpelare sprider sig, utformade för att ge stabilitet till en allt högre byggnad med fler öppningar (de fantastiska gotiska målade glasfönstren). Det är viktigt att komma ihåg att, på samma sätt som den romanska, de gotiska byggnaderna var helt polykrom, ett faktum som materialiserar den stora kärlek som medeltiden kände för kromatiska toner belyst.

3. Renässansen

Även om den klassiska kulturen inte glömdes bort under medeltiden, är det under renässansen som den medvetet återhämta de klassiska föreskrifterna, såsom arkitekturavhandlingarna från romaren Vitruvius (1:a århundradet). jag a. c.). Det är också vid denna tidpunkt då konstnären intellektualiseras, som börjar ses som något mer än bara en hantverkare.

Renässansen börjar i Florens i början av 1400-talet, med verk som dörrarna till Baptisteriet eller den magnifika kupolen som Brunelleschi ritade för katedralen., vars diameter inte hade uppnåtts sedan Pantheon byggdes under det första århundradet e.Kr. c. Arkitekterna söker inspiration i antikens konstruktioner, medan målarna i frånvaro av modeller (Pompeii och Herculaneum hade ännu inte upptäckts) är inspirerade av fresker som pryder Domus Aurea i Nero.

Ändå var den viktigaste innovationen under renässansen det matematiska perspektivet, kodifierat av Leon Battista Alberti (1404-1472) i sin avhandling De pictura, för vilken han utgick från idéerna om Brunelleschi. Från och med då kommer måleriet att söka vara ett fönster öppet mot världen, där perspektivet uppnås genom en enda försvinnande punkt där alla linjer sammanstrålar.

4. Barock

Under de sista åren av 1500-talet är renässansen helt uttömd och istället Manierism uppträder, som i måleriet kännetecknas av en förlängning och en stilisering av den siffror. Men i början av följande århundrade började en ny estetisk trend ta över det motreformatoriska Europa: barocken.

Man kan säga att barocken är barn till den katolska kyrkans motreformation, som behövde ett uttrycksredskap för sin tro.. Målet var att behålla de troende i den romerska kyrkan och förhindra dem från att migrera till lutherdomen. Barockspråket är alltså en återspegling av denna vilja; I måleriet främjas känslor genom skildringen av lidande. De bisarra legenderna om helgonen, mot vilka protestanterna predikade, elimineras och de heliga gestalterna representeras med sina attribut. Religionen sänks till folket, och bibliska karaktärer dyker upp i vardagliga scener, vars modeller är hämtade direkt från verkligheten.

Inom arkitekturen kan man säga att barocken fortfarande är mycket klassicistisk, särskilt i Frankrike. Slottet i Versailles är ett bra exempel på denna eleganta franska klassicism. Å andra sidan, och som vanligtvis händer i alla stilar, föder varje territorium en annan barock: i Förenade provinserna, till exempel, där det inte finns någon och till den katolska kyrkan och där beskyddarna är städernas borgerliga, utvecklas en intim målning, vars maximala representant är Johannes Vermeer.

5. rokoko

Felaktigt behandlad som en förlängning av barocken, är rokokon ett genuint uttryck för första hälften av 1700-talet, upplysningstiden. Hand i hand med upplysta filosofer hyllar denna stil livets sötma, intimitet, hemkomfort och allt som är vackert i vardagen.

Det är därför som rokokomotiv är glada, festliga, inte alls dramatiska: pastorala, bukoliska, maskerad, galanta, flirtiga scener, etc. I ett ord: rokokon är livsglädje, livsglädje, för de rika klasserna i den gamla regimen.

6. Nyklassicism

På många sätt markerar nyklassicismen ett brott med rokokon. Denna estetiska strömning, som också växer fram i Frankrike, liksom sin föregångare, är det perfekta uttrycket för den nya franska republiken: en sober, stram, harmonisk och republikansk stil. Nyklassicismen är förstås inspirerad av klassisk konst. I måleriet har han en förkärlek för storslagna och högtidliga teman, som tjänar som en dygdmodell för folket; bra exempel på detta är dukarna av Jacques-Louis David (1748-1825), den store nyklassicistiska målaren. Å andra sidan är nyklassicistisk arkitektur praktiskt taget en imitation av antika grekiska och romerska tempel; man behöver bara begrunda kyrkan Madeleine i Paris för att inse detta.

Den nyklassicistiska stilen levde sin zenit under Napoleontiden, eftersom dess romerska och krigiska estetik passade väldigt bra till det imperium som Storkorsikanen hade skapat.. Efter Napoleons fall blev neoklassiska former föråldrade och trots det faktum att deras estetik förblev mycket levande (särskilt i arkitektur) under hela 1800-talet, under de första decennierna av århundradet de första uttrycken för Romantik.

7. Romantiken

I konsthistorien är det vanligt att en stil föds delvis som ett svar på den tidigare stilen. Och även om ingenting är svart eller vitt och det finns många nyanser i detta uttalande, finner vi bevis på detta i fall som romantikens födelse. Medan nyklassicismen var en apoteos för det republikanska först och det romerska imperiet, senare, med alla disciplin som detta innebär, föddes romantiken som en upprättelse för mänsklig subjektivitet och därför av enskild. Konst kommer aldrig mer att ses, åtminstone uteslutande, som något underkastat makt; det är konstnären som skapar, det är hans jag som ger upphov till konstnärliga uttryck. Den autentiske skaparen är emot Akademien och alla korsetterade normer som stryper konsten.

Alla efterföljande strömningar som upphöjer den kreativa individualismen dricker från romantiken: prerafaeliterna, symbolisterna, expressionisterna och, naturligtvis, surrealisterna.. När det gäller det senare utforskar de till det yttersta djupet av det mänskliga psyket, något som romantiska hundra år tidigare när de representerar drömvärldar, fruktansvärda, fulla av spöken, gravar och bilder av frukten av delirium. Däremot lägger den romantiska strömningen stor vikt vid hemlandet och nationen, så länge den är det utgörs av individer som bestämmer, och tenderar att idealisera nationernas förflutna och omvandla det till legend.

8. realism och naturalism

Omkring 1850 börjar romantiken ta slut. Det är tiden för positivismen, för tekniska framsteg, för den andra industriella revolutionen. I städerna växer fabriker och de eländiga människorna som lever under undermänskliga förhållanden förökar sig. Det är då konsten börjar glömma de idealvärldar som romantikerna förkunnar och intresserar sig för sociala problem och konflikter.

Både inom den plastiska konsten och i litteraturen är det återkommande temat social fördömelse. Svältande arbetare som lämnar fabrikerna som spöken; trasiga och smutsiga barn; prostituerade, tiggare, tvätterskor, unga människor utan framtid. Realism är alltså engagerad i den sociala verkligheten..

Senare får det växande intresset för psykologi den realistiska strömningen att utvecklas mot naturalism, som tar objektivitet och observation till det yttersta. Den naturalistiska konstnären, som i litteraturen är storartat representerad av Émile Zola (1840-1902), ser verkligheten som ett forskningslaboratorium, där varelser agerar baserat på stimuli från halv. I denna högvetenskapliga konst finns det därför ingen plats för subjektivitet, än mindre för skönheten i sig.

9. Estetismens strömningar

Som svar på denna konst som blivit vetenskap och som ignorerar världens skönhet dök en rad strömningar upp i slutet av 1800-talet som utropade konst för konstens skull. Detta är fallet med det prerafaelitiska brödraskapet, dekadens, parnassianism, symbolism och jugendstil, mer känd i spansktalande länder som modernism.

Vi kan inte prata om alla dessa strömningar här, men vi kan peka ut vad de har gemensamt: en kraftfull motvilja mot positivism, mot tekniska framsteg, mot fabriker, mot vetenskapliga framsteg som en kastrator av skönhet. Därför kommer alla dessa estetiska strömningar att vilja återvända till konsten som den exklusiva skaparen av skönhet.

10. avantgarderna

Återigen kan vi inte tala om alla avantgarder som växte fram under 1800-talets sista år och 1900-talets första decennier, men vi ska åtminstone försöka namnge dem. De officiella avantgarderna dyker upp i början av 1900-talet. Den första av dessa anses vara fauvism, en strömning som värderade färg som ett medel för subjektiva uttryck, inte som en imitator av verkligheten. Efter Fauves, som höll sin första utställning 1905, avantgardet följde varandra så snabbt att några av dem överlappade varandra: expressionism, futurism, kubism, dadaism, surrealism...

Avantgardet är huvuddraget i 1900-talets konst. De är en serie rörelser som går emot de etablerade normerna, grupper av konstnärer med egenskaper gemensamma som går samman för att bilda en sorts bildskola, oftast med ett grundläggande ideologiskt manifest. För närvarande lever vi i en ny era av individualitet som skapar konstnärliga strömningar sudda ut och fragmentera i tusen bitar, så vi kan knappast prata om strömningar, utan om konstnärer. Men är det kanske så att det innerst inne (och som Gombrich sa) inte alltid har varit så här?