Claude Monet: arbeten, analyser och betydelser

Claude Monet (1840-1926) var en fransk målare som representerade impressionismen, erkänd både för sin bildfynd vid behandling av ljus, som för att ha gjort målningen som skulle ge namnet till rörelse.

Tillsammans med andra konstnärer var Monet ansvarig för att öppna dörren till plastspråkets originalitet genom behandling av ljus och studier av uppfattningen om färg. Låt oss lära känna några av hans viktigaste verk i den här artikeln.

1. Lunch på gräset, 1865-1866

År 1863 förstörde kritiker Edouard Manet på den officiella Paris-salongen på grund av hans arbete Frukost på gräset. Men Claude Monet hade fascinerats av stycket och bestämde sig för att göra sin egen version som en hyllning till den kontroversiella målaren. Monets skulle ha de ambitiösa dimensionerna fyra meter höga och tjugo meter långa. Det var samtidigt en utmaning.

Han började måla Lunch på gräset 1865, tittade på för att delta i salongen 1866. Hans otrygga ekonomi fick honom att överge projektet och var tvungen att erbjuda det som en garanti för betalningen av hyran. Duken rullades upp och lagrades av sin tillfälliga ägare tills Monet hämtade den 1884. Med tanke på den anmärkningsvärda försämringen, måste den skäras ned. Endast två fragment återstår av verket: det centrala och vänstra sidan.

På scenen representerar målaren en picknicklunch i en informell och vardaglig luft. Markera avstånd med Edouard Manet, tar han bort naken och klär alla karaktärer vars kostymer avslöjar deras livsstil. Karaktärerna är verkligen borgerliga som firar levnadsfesten, utan skandal, utan betydelse. Monet är inte intresserad av tematiska kontroverser mer än plastiska språk.

Även om originalstycket inte bevarades i sin helhet, a Studera till lunch på gräset. Den mest uppenbara skillnaden är i den unga mannen utan skägg som verkar sittande på duken. Denna karaktär ersätts av en skäggig man som ser ut som en hänvisning till Gustave Coubert, en realistisk målare mycket beundrad av Monet som skulle ha förtjänat att besöka honom i hans verkstad under de dagar då Monet arbetade i förslag.

2. Camille med grön klänning, 1866

Bild Camille med grön klänning av Claude Monet ställdes ut i den officiella salongen 1866 och blev allmänt accepterad, något som inte gillade Edourad Manet, som, genom att vara förvirrad med Monet, av misstag fick gratulationer. Dessutom hade Manet varit i kritikens ögon 1863 och den officiella salongen hade avvisat honom 1865 på grund av hans målning Olympia.

I sin bok Impressionism, Jämför Paul Smith bilden Camille med grön klänning med arbetet Damen med en handske av Carolus-Duran, en lärjunge av målaren David och en regelbunden deltagare i royalistiska kretsar i Paris. Även om Carolus-Duran-stycket är senare än Monet, gör jämförelsen att Smith kan dra slutsatsen om det Monet hade tagit en viktig del av det realistiska bildspråket, mycket uppskattat i den stora salen Officiell. Därför erkändes det.

I sin analys skiljer Smith ut att Monet har fått klänningen att ha på sig, med hjälp av en konstgjord pose som är typisk för modeillustrationer. Samtidigt har den försett scenen med konstgjort ljus för att framhäva karaktären. Monet avslöjar element som påminner om Couberts belysning och värme och linjen från Manet, som utövade stort inflytande på honom.

3. Kvinnor i trädgården, 1867

Paul Smith jämför duken Kvinnor i trädgården av Monet med Minerva och tack av Charles Greyre, i vars verkstad Monet arbetade under en tid. Med detta lyfter Smith fram den sanna revolutionen hos den impressionistiska generationen.

Som vanligt inom konst representerar Greyre en episod av litterär-berättande karaktär, som försöker för eviggöra platoniska ideal av skönhet och godhet genom framställningen av myten om Minerva, gudinnan av visdom och de tre nådarna, symbol för skönhet. Dumpad till innehåll blir målarens teknik osynlig så att motivet lyser utan att lämna ett spår av sin linje.

Ett år senare utförde Monet en duk som också representerar fyra kvinnor i en vegetabilisk miljö, men dessa kommer att vara vanliga kvinnor. Målaren representerade inte ett evigt värde, utan ett flyktigt och flyktigt ögonblick, ett roligt möte mellan vänner som firar det borgerliga livet. De är symbolen för den nya medelklassen som försöker bygga sitt eget värde.

Monet döljer inte teknik på duk. Tvärtom visar han det, visar linjen, leder betraktarens uppmärksamhet till det plastiska språket som Greyre och alla traditionella målare medvetet har dolt.

Som det var typiskt för den spirande stilen, utnyttjar Monet blå och gröna färger för att skugga och modifiera karaktärernas hud. Innan du visar det intensiva sommarljuset som tar över scenen. Det som är viktigt är då bildspråket.

Se även Impressionism: egenskaper, verk och författare.

4. La Grenouillére, 1869.

La Grenouillère Det är en serie olika målningar av marintyp från olika vinklar och ögonblick. I den här duken är Monet omfattande involverad i behandlingen av ljus och dess effekter på föremål. Den levereras snabbt till den fullständiga formen av impressionism.

Från arbete till frisk luftEn sak som bara var möjlig vid den tiden tack vare uppfinningen av oljerör, utnyttjade Monet en hastig linje för att ge liv åt de ljusa intrycken och försvinnandet för tillfället. Åskådaren deltar på scenen som en till. Det finns ingen moralisk bedömning, det finns ingen tematisk betydelse. Intresset har vänt sig till plastspråk.

Renoir gjorde en version av samma scen med Monet.

Det kan intressera dig: Renoir: de viktigaste verk av den impressionistiska målaren

5. Vallmofält, 1873

1871 bosatte sig Monet tillfälligt i Argenteuil, där han utvecklade den stil som han hade upptäckt, tack vare de landskap som staden gav honom. Från detta stadium är arbetet Vallmofält, ställd ut i Hall of the Rejected 1874 tillsammans med 8 andra bitar.

Två sektioner åtskilda av sneda linjer skiljer sig i tabellen. Till vänster, i vallmofältet, dominerar rött, medan till höger dominerar blågrönt. På scenen korsas vallmofältet av två par kvinnor och barn. Den som sticker ut i förgrunden är Monets fru, Camille, och deras son Jean, som ofta var modeller för sina målningar.

6. Intryck av den stigande solen, 1872

Bland de målningar som Monet presenterade i Hall of the Rejected orsakade en verklig skandal: Intryck av den stigande solen. Påverkad av arbetet av den engelska romantiska målaren William Turner, applicerade Monet tjocka penseldrag, nästan fläckar som knappt antyder figurering. Principen om färgernas komplementaritet gör dess entré öppen. Färgerna, placerade sida vid sida, skapar uppfattningen om kompletta nyanser.

Stämningen ser grumlig ut och vattnet verkar röra sig med små båtar. Långt ifrån ett landligt landskap representerar Monet en industrialiserad hamn i bakgrunden, där ångmaskiner och andra strukturer ingriper i den himmelska dimman. Han har inte gömt någonting. Livet finns där för målaren att skildra. Solen, som motstår att röra dessa strukturer, lämnar sitt orange spår på havets vågor.

Efter utställningen 1874 anklagade konstkritikern Louis Leroy, med utgångspunkt från namnet på den provocerande liezo, Monet för att begränsa sig till enbart "impressionism". Med största värdighet antog Monet och hans generation denna diskvalifikation som rörelsens namn.

Se även 16 coola målningar av Vincent Van Gogh.

7. Serie Saint-Lazare station, 1877

Omkring 1877 flyttade Monet tillbaka till Paris och svarade på hans önskan att bli hans målare istället för att lämna industristadens vardag bort, införlivar den den i sin dukar. Det kommer att vara Saint-Lazare-stationen som ger Monet möjlighet att fortsätta utforska ångens ljusstyrka och struktur. Målaren tillägnar sju dukar till Saint-Lazare-stationen.

Till skillnad från andra serier där Monet skildrar samma landskap under olika atmosfäriska variabler, t.ex. Rouen-katedralen, på Saint Lazare station Monet kommer att skildra inte bara olika atmosfärer, men olika mål, inställningar och perspektiv på livet på stationen.

8. Serie Höstackar, 1890-1891

Runt 1883 flyttade Monet till Giverny med sin nya partner Alice Hoschedé efter att Camille dog 1879. Där är han dedikerad till att utforska de nya möjligheter som det lokala landskapet erbjuder honom. Utan att planera det så slutade han med att utveckla en av sina mest kända serier, Höstackar, som täcker totalt 25 dukar. Monet lyckas fånga den ljusa mångfalden som skiljer varje period av året, på högen av vete.

Monets estetiska ambitioner växte över tiden. Några av dessa bilder retuscherades senare i studion för att nå en högre nivå av perfektion. I verkligheten behövde han, säger Paul Smith, inte bara för att skildra en ljuseffekt utan för att skapa en harmonisk komposition och en estetiskt enhetlig serie.

9. Serie Rouen-katedralen, 1890-1894

Vid en tidpunkt då Frankrike bevittnade en återupplivning av intresset för katolskhet, tillägnar Monet för att utveckla denna serie inspirerad av katedralen i Rouen, som ligger i den franska regionen Normandie.

Det var utsikten från fönstret i en studio som han hade hyrt över gatan. Serien hade mer än trettio delar och åtta av dem såldes innan de ställdes ut.

Förutom att fånga ljusstyrkan, ett karaktäristiskt inslag i hans arbete, lyckas Monet på ett mästerligt sätt fånga porositeten och strukturen i den religiösa byggnadens stenfasad.

10. Serie Parlamentets London1900 till 1904

Under en period av vistelse i London med sin fru Alice är Monet dedikerad till att skildra utsikten från St. Thomas Hospital, vilket gör att han kan fånga Themsen och det omgivande landskapet. Serien av Londons parlament och även Charing Cross Bridge och Waterloo Bridge.

I serien om honom Londons parlament, Lyckas Monet representera byggnaden sammanvävd med stadens karakteristiska dimma. Men den här gången blir parlamentet nästan en fantasmagoria, en silhuett som öppnas i en laddad och grumlig bakgrund, förvandlad till skugga. Det påminner oss om William Turners verk.

År senare skulle han göra detsamma i Venedig-serien, som han skulle besöka tillsammans med sin fru i händerna på en grupp konstentusiaster, och där han skulle fånga olika scener i den emblematiska staden.

11. Serie näckrosblad, 1883-1924.

Under sin vistelse i Giverny odlade Monet en vacker trädgård med en japansk bro. Den Giverny-trädgården var inte bara Monets hobby. Det var också hans inspirationskälla, särskilt under de sista åren av hans liv.

Genom åren utvecklade målaren en sann passion för att skildra sin trädgårds underverk på sina dukar: näckrosorna. Serien skulle nå totalt 250 dukar, idag distribuerade i många rum och gallerier runt om i världen.

Del av näckrosblad Monets målades runt tiden för första världskriget. Även om Monet var i en privat och tyst värld säger Paul Smith att man från sitt hus kunde höra tågen passera med ammunitionen. Enligt forskaren är det möjligt att tolka denna serie som ett mål för målaren att bevara världen som kriget hotade att förstöra.

I själva verket skulle Monet sluta donera en del av serien till den franska staten som en symbol för fred, strax efter undertecknandet av vapenstilleståndet i Compiègne, undertecknat den 11 november 1918. Detta urval, idag konserverat i Orangeries museum, anses vara "Impressionismens sixtinska kapell".

Claude Monet på Youtube